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Pierce The Veil regresa a México para presentar su nueva producción discográfica ‘The Jaws of Life’: conoce 10 datos curiosos de la banda a propósito de su regreso.
Foto: facebook.com/PierceTheVeil/
La banda estadounidense liderada por Vic Fuentes ha sido un referente en el género del post-hardcore desde su formación en 2006. Con un sonido único y energético, la agrupación formada en San Diego, California ha logrado conquistar a una gran cantidad de seguidores en todo el mundo.
Pierce The Veil es una banda con una gran variedad de influencias y una carrera llena de reconocimientos y éxitos. Con su nuevo álbum ‘The Jaws of Life’, los fans pueden estar seguros de que la banda seguirá innovando y sorprendiéndolos con su música única y emocionante.
Luego de una ausencia de siete años, el ahora trío californiano regresa a nuestro país completamente renovado para mostrar al público mexicano los temas que comprenderán su quinto álbum de estudio.
A propósito de su regreso, a continuación te presentamos 10 datos curiosos sobre la banda que probablemente no conocías:
1.- Origen mexicano de los hermanos Fuentes
Los hermanos Vic y Mike Fuentes, el cantante y el baterista de la banda, respectivamente, son de origen mexicano y crecieron en San Diego, California. Esto ha influido en la música de la agrupación, que a menudo incluye elementos de la cultura mexicana durante sus conciertos.
2.- Before Today
Antes de formar Pierce The Veil, Vic y Mike Fuentes eran miembros de otra banda de post-hardcore llamada Before Today. Sin embargo, decidieron formar su propia banda después de que Before Today se separara.
3.- ¿De dónde viene el nombre Pierce The Veil?
El nombre de la banda Pierce The Veil, fue tomado de una canción del mismo nombre del álbum “A Celebration of an Ending…” de su anterior banda Before Today.
4.- Discografia de Pierce The Veil
Pierce The Veil ha lanzado cinco álbumes de estudio: “A Flair for the Dramatic” (2007), “Selfish Machines” (2010), “Collide with the Sky” (2012), “Misadventures” (2016) y “The Jaws of Life” (2023).
5.- Pierce The Veil y Kellin Quinn
La canción “King for a Day”, del álbum “Collide with the Sky”, cuenta con la colaboración del cantante de Sleeping with Sirens, Kellin Quinn. La canción se convirtió en un gran éxito y ayudó a catapultar a ambas bandas a la fama.
6.- Documental “This Is a Wasteland”
En 2013, la banda lanzó un documental llamado “This Is a Wasteland”, que sigue a la banda en su primera gira mundial “Collide with the Sky Tour”. El largometraje dirigido por Dan Fusselman y producido por MotionArmy muestra imágenes detrás de cámaras de la banda así como de sus conciertos en el sudeste asiático, Estados Unidos, Brasil, Chile, México, Argentina, Estados Unidos y Reino Unido.
7.- Filantropía
La banda ha participado en varias campañas de caridad y ha apoyado a organizaciones sin fines de lucro, incluyendo Keep A Breast Foundation, un grupo que trabaja para educar sobre la detección temprana del cáncer de mama.
8.- Living the Dream Foundation
En 2019, Vic Fuentes fue nombrado copresidente y director ejecutivo de Living the Dream Foundation, una organización sin fines de lucro que ayuda a hacer realidad los sueños de niños y adultos jóvenes con enfermedades terminales o que ponen en peligro la vida.
9.- La cancion “A Match Into Water” y la ex novia de Vic Fuentes
Vic Fuentes escribió la canción “A Match Into Water” en su tercer álbum, “Collide with the Sky” , para su ex novia que sufría de cáncer de mama.
10.- La super banda Isles & Glaciers
En 2010, Vic Fuentes junto a su hermano, participaron en la súper banda Isles & Glaciers junto a Jonny Craig, Craig Owens, Brian Southall, Nick Martin y Matt Goddard. Después de tocar solo un show en SXSW 2009 y lanzar solo un EP “The Hearts of Lonely People”, la banda se separó.
La canción “Helena” de My Chemical Romance, lanzada en 2004 como parte de su segundo álbum de estudio “Three Cheers for Sweet Revenge”, es una de las canciones más icónicas de la banda.
My Chemical Romance es una banda originaria de Nueva Jersey, Estados Unidos. Desde su formación en el año 2001, han logrado cautivar a una gran cantidad de fanáticos con su estilo innovador y melodías pegajosas. Una de las canciones más icónicas del grupo es “Helena”, que forma parte de su segundo álbum de estudio, “Three Cheers for Sweet Revenge”. Esta canción ha sido aclamada por los fanáticos y ha tenido un impacto significativo en la cultura pop.
“Helena” es una canción emocionalmente cargada que cuenta la historia de una persona que ha perdido a alguien muy importante en su vida. La canción está dedicada a la abuela de los hermanos Way, Elena Lee Rush, quien falleció mientras la banda se encontraba grabando su segundo álbum. La letra de la canción es una despedida a su abuela y un tributo a su vida. La melodía se compone de un ritmo melancólico, lo que enfatiza el tono triste de la letra.
La canción comienza con un suave arpegio de guitarra y una voz tranquila y triste de Gerard Way que canta “Long ago, just like the hearse you died to get in again” (Hace mucho tiempo, como el coche fúnebre en el que moriste para volver a subir), haciendo referencia al coche fúnebre que llevó a Elena (a quien sus amigos llamaban cariñosamente Helen) a su último descanso. La letra de la canción es emotiva y poderosa, con una mezcla de tristeza y esperanza, y cuenta con uno de los coros más icónicos de la banda: “So long and goodnight” (Hasta luego y buenas noches).
En una entrevista con la revista Kerrang!, Gerard Way explicó que la canción es una forma de honrar y recordar a su abuela. “Fue muy importante para mí escribir esa canción”, dijo Way. “Elena Lee Rush era una persona increíblemente importante en mi vida y sentí que necesitábamos honrar su memoria de alguna manera”.
La canción fue acompañada por un video musical dirigido por Marc Webb (The Amazing Spider-Man). La producción audiovisual está relacionado con la abuela de los hermanos Way, ya que se muestra un funeral en el que los miembros de la banda son los portadores del féretro vestidos de negro y con lazos negros, lo que refleja el luto y la tristeza que sienten por la pérdida de Elena.
Desde su lanzamiento, “Helena” se ha convertido en una de las canciones más queridas y emblemáticas de My Chemical Romance, y ha sido interpretada en vivo en innumerables conciertos. La canción ha sido vista como una forma de lidiar con el dolor y la pérdida, y ha sido adoptada por muchos fans como una canción que les ayuda a superar momentos difíciles.
Millencolin regresa a México despues de 4 años como parte de su tour por Latinoamérica, en donde también estarán visitando países como Colombia, Chile, Brasil, y Costa Rica: conoce 10 datos curiosos de la banda a propósito de su regreso.
Foto: facebook.com/Millencolin
Millencolin es una banda de punk rock originaria de Örebro, Suecia. Formada en 1992, la banda ha estado en la escena musical durante más de tres décadas. Con nueve álbumes de estudio y una gran cantidad de giras internacionales en su haber, Millencolin ha ganado un gran número de fans en todo el mundo.
Desde su formación, la banda se convertido en una de las bandas más influyentes del punk rock a nivel internacional.
La agrupación conformada por Nikola Sarcevic, Erik Ohlsson, Mathias Färm y Fredrik Larzon se presentará el próximo 19 de marzo en el Foro Veintiocho de la Ciudad de México.
A continuación te dejamos unos datos curiosos sobre la banda que quizá no conocías.
1.- ¿De dónde viene el nombre Millencolin?
El nombre de la banda proviene de un truco de skate llamado “melancholy”, que el vocalista de la banda Nikola Sarcevic cambió a “Millencolin” porque sonaba mejor. La palabra “millencolin” no tiene un significado específico.
2.- ¿Cómo se formó la banda?
Millencolin se formó en 1992 cuando Nikola Sarcevic y Mathias Färm comenzaron a tocar juntos en diferentes bandas punk de Suecia. Luego reclutaron al baterista Fredrik Larzon y al guitarrista Erik Ohlsson para formar Millencolin y grabar su primer demo llamado “Goofy”.
3.- Su álbum debut:
En 1994, Millencolin lanzó su primer álbum “Tiny Tunes” con Burning Heart Records. A pesar de no haber tenido mucho éxito en Suecia, llamó la atención de Epitaph Records en Estados Unidos, lo que permitió a la banda expandirse internacionalmente.
4.- ¿Cuál es su álbum más exitoso?
El álbum más exitoso de Millencolin es “Pennybridge Pioneers”, lanzado en el año 2000 a través de Epitaph Records y Burning Heart Records. El álbum alcanzó el número 1 en la lista de álbumes suecos y produjo los singles exitosos “No Cigar” y “Fox”.
5.- ¿Cuál es la canción más popular de Millencolin?
La canción más popular de Millencolin es “No Cigar”, que fue presentada en el videojuego Tony Hawk’s Pro Skater 2. La canción también fue un éxito en las listas de rock moderno y punk rock a nivel mundial.
6.- ¿Qué otras bandas o artistas han influenciado a Millencolin?
La agrupación ha citado a bandas como Bad Religion, Descendents y NOFX como influencias importantes en su música. A pesar de ser una banda sueca, Millencolin siempre ha escrito y cantado en inglés. Según la banda, esto se debe a que el punk rock es un género en el que el idioma no importa, sino el mensaje.
7.- Proyectos en solitario:
Nikola Sarcevic, el bajista de la banda, también construido una carrera en solitario. Su trabajo como solista se compone principalmente de folk rock y música country donde ha lanzado 4 álbumes como solista.
8.- Problemas legales con Warner Brothers
En 1994, la banda lanzó su primer álbum, “Tiny Tunes”. La grabación y mezcla del álbum tomó dos semanas. Los problemas legales con Warner Brothers por el título y la portada del álbum llevaron a la banda a relanzarlo en 1998 bajo el nombre de “Same Old Tunes”.
9.- Cambio de sello discográfico:
En 2005, Millencolin dejó su sello discográfico de toda la vida, Burning Heart Records, para unirse a Epitaph Records, fundado por el guitarrista de Bad Religion, Brett Gurewitz.
10.- Influencia en la cultura popular:
La canción “No Cigar” de Millencolin apareció en el videojuego “Tony Hawk’s Pro Skater 2”, y la canción “Fox” apareció en el videojuego “Burnout 3: Takedown”.
The Other F Word sigue la vida de algunos de los más famosos íconos del punk rock mientras navegan por la difícil transición de ser rebeldes adolescentes a padres responsables.
¿Qué sucede cuando los líderes de las bandas de punk rock se convierten en padres? El documental The Other F Word está enfocado en Jim Lindberg, vocalista de Pennywise, mientras se prepara para su próxima gira con su banda y sus años perdidos mientras sus hijos crecen.
Dirigido por Andrea Blaugrund Nevins, el documental sigue la vida de Jim Lindberg y algunos de los más famosos íconos del punk rock mientras navegan por la difícil transición de ser rebeldes adolescentes a padres responsables. La película ofrece una mirada sincera a las luchas que enfrentan estos músicos mientras equilibran su carrera y su vida familiar.
La película cuenta con entrevistas con músicos de renombre como Jim Lindberg de Pennywise, Flea de Red Hot Chili Peppers, Mark Hoppus de blink 182, Tim McIlrath de Rise Against, Matt Freeman y Lars Frederiksen de Rancid, Tony Cadena de The Adolescents, Fat Mike de NOFX, Joe Escalante de The Vandals, Tony Hawk y Rick Thorne, quienes comparten su experiencia personal de cómo el punk rock y la paternidad se entrelazan en sus vidas.
Uno de los temas principales que se aborda en el documental es cómo estos músicos se enfrentan a la tarea de ser padres y cómo su enfoque en la paternidad ha cambiado su música. La película presenta una idea interesante: que la paternidad puede ser un catalizador para la creatividad y el cambio. Los músicos entrevistados hablan de cómo el amor por sus hijos ha cambiado su perspectiva en la vida y en su arte.
Además, la película también aborda la idea de que el punk rock y la paternidad pueden parecer contradictorios. El punk rock se considera una subcultura de rebeldía y desobediencia, mientras que la paternidad se considera un acto de responsabilidad y compromiso. La película desafía esta noción y demuestra que es posible ser un padre amoroso y seguir siendo un músico punk.
El documental ofrece una mirada sincera a las luchas personales de estos músicos. The Other F Word muestra cómo estos músicos han enfrentado estos desafíos y cómo su paternidad ha sido un factor importante en su recuperación.
The Other F Word es un documental que todos los fans del punk rock y la paternidad deberían ver.
Desde sus primeros días en la escena punk de Berkeley, Billie Joe Armstrong ha sido un nombre importante, pero Green Day no es la única banda en la que ha estado Armstrong a lo largo de su carrera.
Foto: facebook.com/GreenDay
Billie Joe Armstrong es un nombre que ha sido sinónimo de la banda Green Day durante décadas, pero lo que algunos fanáticos pueden no saber es que Armstrong también ha tenido una carrera musical en solitario y ha participado en otros proyectos musicales.
A lo largo de su carrera, el líder de Green Day ha demostrado ser un músico versátil y talentoso, capaz de crear música poderosa y conmovedora en una variedad de géneros. Ya sea con su banda principal o en alguno de sus otros proyectos musicales, Billie Joe Armstrong sigue siendo una figura influyente en la música contemporánea y continúa inspirando a músicos y fans de todo el mundo.
A continuación, repasamos todos los proyectos paralelos de Billie Joe Armstrong:
Sweet Children
Sweet Children fue la primera banda en la que Billie Joe Armstrong participó. La banda se formó en 1986 en Berkeley, California, con Armstrong como vocalista y guitarrista, Mike Dirnt en el bajo y John Kiffmeyer en la batería. En 1989, la banda cambió su nombre a Green Day y lanzó su primer álbum, “39/Smooth” a través de Lookout Records.
Pinhead Gunpowder
Pinhead Gunpowder es una banda de punk rock formada en 1990 por Armstrong y sus amigos Aaron Cometbus, Bill Schneider y Sarah Kirsch. La banda ha lanzado varios EP y álbumes a lo largo de los años y ha mantenido una base de seguidores leales en la escena punk underground.
The Boo
A finales de 2011, Billie Joe Armstrong formó una banda con los miembros de su familia, incluida su esposa Adrienne y sus hijos Jakob y Joe, grabando un EP de cuatro canciones y enviarlo como tarjeta de Navidad a familiares y amigos.
The Network
The Network es un proyecto musical en el que Armstrong participó bajo el seudónimo de “Fink”. La banda se formó en 2003 y lanzó un álbum titulado “Money Money 2020”. Aunque en un principio se especuló que The Network era una banda secreta de Green Day, Armstrong y otros miembros de la banda negaron cualquier conexión.
Foxboro Hot Tubs
Foxboro Hot Tubs es otro proyecto musical en el que Armstrong participó bajo un seudónimo, esta vez como “Reverend Strychnine Twitch”. La banda se formó en 2007 y lanzó un álbum titulado “Stop Drop and Roll!!”. La banda era conocida por su estilo retro y por su sonido más orientado al rock and roll que el de Green Day.
The Longshot
The Longshot es el proyecto más reciente en el que ha participado Billie Joe Armstrong. La banda se formó en 2018 y lanzó un álbum titulado “Love is for Losers”. La música de The Longshot se enfoca en el punk rock y el power pop, con letras que abordan temas como el amor, la pérdida y la alienación.
The Coverups
The Coverups es una banda de covers que sirve como proyecto paralelo para los miembros de Green Day, Billie Joe Armstrong y Mike Dirnt. Fundada en enero de 2018 como un medio para interpretar versiones de canciones, la banda está formada por los guitarristas Armstrong y Dirnt, así como por varios músicos del círculo de Green Day, como el guitarrista Jason White, el ingeniero de audio Chris Dugan en la batería y el tour manager Bill Schneider en bajo.
The Upside Downers
A principios de 2022, Billie Joe Armstrong anunció su nuevo proyecto llamado The Upside Downers junto a Jason White, Greg Schneider y Chris Dugan. La banda publicó un EP llamado “Rockin At Golden Bull”, el cual está compuesto de cuatro covers en vivo que la agrupación grabó durante una presentación de 2020 en el The Golden Bull en Oakland, California, bar en donde el líder de Green Day es copropietario.
Además de estos proyectos, Billie Joe Armstrong también ha lanzado dos álbumes en solitario, “Foreverly” junto a Norah Jones y “No Fun Mondays” (2020), este último presenta covers de canciones de otros artistas que el músico grabó durante la pandemia de COVID-19.
Travis Barker, baterista de blink-182, ha sufrido numerosas lesiones y accidentes a lo largo de su carrera musical.
Foto: facebook.com/travisbarkerofficial
Travis Barker es uno de los bateristas más influyentes e icónicos de la música moderna, conocido por su estilo de batería único y energético. Sin embargo, a lo largo de su carrera el músico ha experimentado una serie de lesiones y accidentes que han afectado su salud y su capacidad para tocar la batería.
A continuación, repasamos algunos de los incidentes más desafortunados que ha sufrido el baterista de 47 años.
1.- Fractura pie derecho (2004)
En marzo de 2004, el músico se fracturó el pie derecho tras resbalar después de un concierto en Melbourne, Australia y tuvo que ser llevado fuera del escenario en una camilla. El médico de Travis Barker le informó que no solo él rompió el pie, sino también se rompió los tendones y ligamentos, lesión descrita por Hoppus como “el tipo de lesión que la gente se hace en los accidentes de motocicleta”. La banda se vio obligada a cancelar varios shows en Australia y Japón, reapareciendo hasta sus fechas del 22 y 23 de abril en México.
2.- Se rompió el brazo izquierdo (2006)
Dos años después de su accidente en Australia, Barker se rompió el brazo izquierdo mientras filmaba un video musical para una canción de +44, banda que formó junto a Mark Hoppus después de que blink-182 se separará por primera vez en 2005.
3.- Accidente aéreo (2008)
En 2008, Travis Barker y DJ-AM tuvieron un accidente en un vuelo privado. Ellos fueron los únicos dos en escapar del avión y fueron capaces de informar a los socorristas que había otras cuatro personas en el avión. Travis sufrió quemaduras de segundo y tercer grado que cubrieron aproximadamente un tercio de su cuerpo y tuvo que someterse a 26 cirugías reconstructivas para recuperarse.
4.- Fractura pie derecho (2016)
Después de haber estado de gira por Estados Unidos en apoyo a su álbum “California”, el baterista reveló que, sin saberlo, había estado tocando las últimas dos semanas con un pie roto. Mediante sus redes sociales, el músico reveló unas radiografías que mostraban su pie derecho fracturado.
5.- Accidente automovilístico (2018)
En julio de 2018, Travis Barker y sus hijos estuvieron involucrados en un accidente automovilístico con un autobús escolar en Calabasas, California. El baterista se recuperó rápidamente después del accidente.
Foto: TMZ
6.- Coágulos de sangre en ambos brazos (2018)
En 2018, el baterista de blink-182 aterrizó en el hospital después de que los médicos encontraran una infección por estafilococos y coágulos de sangre en ambos brazos, por lo que la banda tuvo que posponer su residencia en Las Vegas.
7.- Se rompió el tobillo (2019)
En abril de 2019, mediante sus redes sociales reveló que se había roto el tobillo, comentando: “Desafortunadamente, no es una broma de April Fools. Seguiré tocando en todos los espectáculos reservados y esto será simplemente un bache en el camino durante los próximos dos meses”.
8.- Se rompió un tendón de la mano (2021)
Mediante una entrevista con la revista GQ, el baterista de blink-182 reveló que se sometería a una cirugía luego de romperse un tendón en la mano.
9.- Pancreatitis (2022)
En Julio de 2022, se prendieron las alarmas luego de que se diera a conocer que el baterista de blink 182 fue trasladado en camilla en compañía de su esposa Kourtney Kardashian al hospital de especialidades Centro Médico Cedars-Sinai en Los Ángeles, California derivado de una severa pancreatitis que puso en riesgo la vida de Travis Barker.
10.- Se rompió un dedo del pie (2022)
Unos días después de que Travis Barker celebrara su cumpleaños número 47, mediante sus redes sociales compartió que se había roto un dedo del pie. “Me rompí el maldito dedo del pie”, tuiteó el baterista de Blink-182.
11.- Dedo anular de su mano izquierda (2023)
El pasado 8 de febrero, Travis Barker sufrió un accidente en el dedo anular de su mano izquierda mientras se encontraba en los ensayos de la próxima gira de blink 182. Días después, el músico dio a conocer que nuevamente se había lastimado el dedo, por lo que el baterista tuvo que someterse a una cirugía.
Travis Barker ha sufrido numerosas lesiones a lo largo de su carrera, pero ha demostrado una increíble determinación y resiliencia al seguir tocando a pesar de las adversidades. A pesar de los desafíos que ha enfrentado, Barker continúa haciendo giras y grabando música con blink-182 y otros proyectos musicales.
Su dedicación a su arte es verdaderamente impresionante, y su legado en la música siempre será recordado como uno de los músicos más influyentes y destacados de su generación.
Rise Against se presentará México por tercera ocasión para presentar su última producción discográfica “Nowhere Generation”: conoce 10 datos curiosos de la banda a propósito de su regreso.
Fotos: facebook.com/riseagainst
Rise Against, la agrupación estadounidense conformada por Tim McIlrath, Zach Blair, Joe Principe, y Brandon Barnes, regresa a México por tercera ocasión como parte de su gira mundial para presentar su última producción discográfica, “Nowhere Generation”, álbum con el que ya recorrieron gran parte de Europa el año pasado y este 2023 llegará a Latinoamérica y Oceanía.
A lo largo de su trayectoria, la banda originaria de Chicago ha creado una relación muy especial con el público mexicano, desde aquella mítica presentación como parte del festival Vive Latino 2010, hasta su primer show en solitario en el Pabellón Cuervo en 2017.
Rise Against se presentará en Monterrey, Nuevo León el 11 de marzo y un día después llegarán al Pabellón Oeste del Palacio de los Deportes con una buena dosis de música para brincar y cantar hasta el cansancio.
Aquí te dejamos unos datos curiosos sobre la banda que quizá no conocías:
1. Primera alienación y primer nombre de la banda
Rise Against se formó bajo el nombre de Transistor Revolt en 1999 por exmiembros de las bandas 88 Fingers Louie y Baxter. La primera alineación de la banda estaba conformada por Tim McIlrath (voz), Joe Principe (bajo y voz), Toni Tintari (batería), Kevin White (guitarra) y Dan Wleklinski (guitarra y voz), con la que publicaron un demo homónimo en el año 2000.
2. Fat Wreck Chords y salida de integrantes
Tras el éxito local que logró su primer EP y llamar la atención de Fat Mike, este les ofreció firmar un contrato con su sello Fat Wreck Chords, con la condición de que cambiaran su nombre; la banda finalmente decidió llamarse Rise Against.
Después de firmar con Fat Wreck Chords, Toni Tintari (batería), Kevin White (guitarrista) dejaron la banda.
3. Brandon Barnes, nuevo baterista
Luego de la salida de Tony Tintari, los miembros restantes se dedicaron a buscar a su reemplazo. Durante este período, Good Riddance, quienes también estaban en la búsqueda de un baterista, le enviaron a Rise Against la cinta de audición de su elección número dos: Brandon Barnes.
Después de dejar su banda anterior, Pinhead Circus, Barnes se unió a Rise Against en el 2000. Ya con su alineación establecida, la banda comenzó a trabajar en su primer álbum “The Unraveling”.
4.- Straight Edge
Además de ser vegetarianos, todos los miembros de Rise Against, con la excepción de Brandon Barnes, son Straight Edge; es decir, se abstienen de consumir alcohol, tabaco, drogas recreativas y duras.
5.- Ideales Políticos
La banda es conocida por sus francos comentarios sobre temas sociales, que cubren una amplia temática como la injusticia política, derechos de los animales, humanitarismo y ambientalismo, apoyando a organizaciones como Amnesty International, It Gets Better Project y PETA.
6.- Punkvoter y Rock Against Bush
Durante las elecciones presidenciales de Estados Unidos de 2004, Rise Against participó activamente como parte de Punkvoter, una coalición de bandas, músicos y sellos discográficos de punk liderado por Fat Mike, Brett Gurewitz y Jello Biafra. Punk Voter tenía como objetivo educar y energizar a la juventud estadounidense sobre el proceso político e inspirarlos a involucrarse para cambiar la sociedad y dar forma al futuro de la unión americana. Además, la banda fue parte de la compilación “Rock Against Bush” de Fat Wreck Chords.
7.- Premio Best Animal-Friendly Band
En 2009, recibieron el premio Best Animal-Friendly Band otorgado durante los Premios Libby anuales de PETA, al respecto la banda comentó: “¡Rise Against acaba de ser votada como la mejor banda amiga de los animales por PETA! Gracias a todos los que se tomaron el tiempo de votar en línea, no lo esperábamos, pero lo apreciamos mucho. Los verdaderos héroes aquí son PETA y los defensores de los derechos de los animales en todo el mundo. La lucha continúa y planeamos seguir siendo la voz de los que no tienen voz junto con todos nuestros fanáticos y seguidores”.
8.- Apoyo a Barack Obama
Durante las elecciones presidenciales de Estados Unidos de 2008, los miembros de la banda apoyaron la candidatura de Barack Obama, quien posteriormente se convertiría en el presidente número 44 y en el primer presidente afroamericano de los Estados Unidos.
9.- Controversia con la estación de radio BUZZ103
En 2009, Rise Against canceló su participación en el Buzz Bake Sale, un festival anual organizado por la estación de radio Buzz 103 con sede en West Palm Beach, Florida. La agrupación liderada por Tim McIlrath descubrió que el escenario donde se presentaría estaba patrocinado por el departamento de reclutamiento del Ejército de los Estados Unidos, pero como una banda política que expresa sus creencias, no solo en sus canciones sino también en su vida diaria, decidieron que sería “hipócrita e inapropiado” presentarse en el festival.
Tras la decisión, el propietario y los locutores de la estación hicieron pública la decisión de Rise Against, discutiendo la situación al aire, donde acusaron a la banda de tener ‘actitudes antiestadounidenses’.
Por su parte, la banda emitió un comunicado en su página oficial donde defendió sus valores, comentando: “Rise Against está en contra de la guerra. Rise Against no está en contra de los militares”.
10.- Covers de Rise Against
A lo largo de su trayectoria, la agrupación conformada por Tim McIlrath, Zach Blair, Joe Principe, y Brandon Barnes, ha realizado covers de distintas bandas como: No Use for a Name, Jawbreaker, Minor Threat, Descendents, The Ramones, Black Flag, y recientemente Creedence Clearwater Revival.
¿Shakira y Piqué qué? La separación más dolorosa ocurrió en 2005 y Mark Hoppus escribió una canción sobre eso y la plasmó en “No, It Isn’t”, la emotiva canción de su proyecto alterno +44.
Por: Kather Islas
La separación de blink-182 de 2005 marcó la vida de muchos fans quienes vieron, sin poder hacer nada, como el barco que alguna vez fue uno de los tríos más imponentes en la industria musical se hundía de manera épica en un mar de incertidumbre. ¿Era el fin definitivo? ¿No había nada más por hacer? ¿Era cierto que Tom DeLonge, guitarrista y vocalista de la banda, ya no soportaba más a sus compañeros? Demasiadas preguntas en ese tiempo y ninguna respuesta.
Pero si creíamos que para los fans fue una noticia difícil de asimilar, no podemos siquiera imaginar cómo fue para Mark Hoppus, y Travis Barker, quienes no podían expresar abiertamente que la banda había terminado porque la disquera los obligaba a decir que estaban en un “hiautos indefinido”.
“La única razón por la que estábamos siendo cool y lo llamábamos “hiauts indefinido” fue porque es lo que nos decía este idiota al frente de nuestro sello discográfico. Es ahí donde descubres que todos estaban conspirando contra ti”, comentó Barker en alguna ocasión.
Mientras Travis y Mark se sentían defraudados por una decisión que no había sido suya, Tom DeLonge comenzaba un nuevo viaje musical de la mano de Angels & Airwaves, banda confirmada por David Kennedy (Hazen Street), Ryan Sinn (The Distillers) y Atom Willard (The Offspring) con quienes lanzó su álbum debut “We Don´t Need To Whisper”.
Y en lo que Tom se enfocaba en este nuevo proyecto que él definía como “la mayor revolución del rock and roll para esta generación”, Mark y Travis formaban +44 junto a los guitarristas de Mercy Killers: Shane Gallagher y Craig Fairbaugh. Nombraron así a la banda porque ese es el número de marcación internacional para el Reino Unido; sin embargo, aún había muchos sentimientos (no todos agradables) por la repentina pausa obligatoria de blink-182.
Fueron estos sentimientos los que llevaron al nacimiento de “No, It Isn’t”. Originalmente, esta canción no estaba planeada para aparecer en el álbum debut de la banda “When Your Heart Stops Beating”.
“(La canción) se trata de salir un año después y decir la verdad, obviamente no íbamos a decir nada malo de él mientras grabábamos nuestro disco, pero ahora que está hecho, vamos a hablar de ello”, dijo Barker en 2006.
La canción escrita por Mark Hoppus trata sobre blink-182, y la ruptura de la agrupación de 2005. La letra de la canción se refiere en gran medida a Tom DeLonge, y también abarca sentimientos de traición por parte de amigos y ejecutivos del sello Geffen Records.
“Originalmente, iba a esconderme detrás de otra cosa cuando la gente me preguntará de qué se trataba la canción. Obviamente me preguntarían si se trataba de Tom y yo iba a decir, “No, no lo es (No, it isn’t de ahí el título), se trata de una chica con la que solía salir,” o algo así. Pero a todos nos encanta tanto la canción que pensé, “¿Por qué me escondería detrás de algo más que no sea lo que siento?” Así que en realidad fue mucho más significativo y liberador decir sí de eso se trata la canción”, relató Mark Hoppus.
El demo de la canción fue lanzado al mundo de manera digital el 13 de diciembre de 2005, día en el en que Tom DeLonge cumplía 30 años y, a su vez, lanzaba algo con su nueva banda. La versión original de la canción incluía la participación de Carol Heller (Get the Girl), sin embargo, cuando grabaron la versión final para el disco, Carol ya no apareció.
Ahora, para fortuna de los fans, las cosas ya están mejor entre los tres y Tom DeLonge volvió a ser el frontman de blink-182. La banda se presentará en nuestro país los días 28, 29 y 30 marzo. Y “No it ins’t” quedará para la posteridad como un recuerdo lejano de aquellos momentos difíciles.
“Adheridos Separados” fue el segundo sencillo de “Poetics”, el álbum más ambicioso en la carrera de Pxndx hasta ese momento, y es una de las canciones más personales de José Madero con una curiosa historia de amor detrás.
A tres años de haber publicado su álbum “Amantes Sunt Amentes” y dos años después del lanzamiento de su primer álbum en vivo “Sinfonía Soledad”, José Madero emprendió un viaje en solitario a Camden, pueblo ubicado en el condado de Knox en el estado de Maine, en Estados Unidos, para componer las canciones que formarían parte del quinto álbum de estudio de Pxndx.
“Yo quería hacer un disco de 20 canciones, pero eso no lo iba a poder realizar aquí en Monterrey, iba a tener que escaparme de todo el bullicio que representa la vida diaria aquí, por lo que decidí irme a Maine. Soy ferviente fan de la obra de Stephen King, y casi la mayoría de sus historias, novelas, cuentos y demás están ubicados en ese estado de la Unión Americana”, comentó José en su libro “Pensándolo Bien, Pensé Mal”
“Poetics”fue un álbum conceptual de 20 canciones dividido en dos actos, que narra una historia basada en la interacción de un hombre con el diablo de nombre Abigail, así como la autodestrucción del ser humano por sus propias decisiones y los siete pecados capitales.
“El resultado del disco fue excelente para mi gusto, y si me preguntan cuál es el disco más completo de la banda, te diría que este. El tema central fue cambiando un poco mientras lo iba escribiendo; al final se convirtió mas en un ensayo sobre la decadencia del ser humano, sobre cómo destruye su propio mundo, su espíritu, su ser. De eso acabo tratando “Poetics”, claro que con aquellos elementos originales inspirados por el último libro de la biblia y por los pecados más significativos que el humano puede cometer”.
Su primer sencillo fue “Sólo A Terceros” y fue lanzado en las estaciones de radio el 22 de julio de 2009, obteniendo buenas críticas por parte de sus fans y de la prensa especializada. La cancion rápidamente se posicionó en los primeros lugares de las listas de popularidad de México y Sudamérica.
Antes de finalizar el 2009, Pxndx lanzó “Adheridos Separados” como segundo sencillo del álbum; una canción que narra una historia de amor a distancia, y de las de las pocas canciones que trata sobre la vida personal del vocalista José Madero.
“Es una de las pocas canciones que habla de mí. Toda mi estancia allá en Maine (mientras componía Poetics) fue muy dolorosa para Julieta (su entonces pareja). Cada que hablaba con ella se ponía a llorar, me decía que me extrañaba muchísimo y que estaba muy lejos de ella, que no podía soportar el que solo pudiera saber de mi cuando yo le marcara por Skype, y que no tenía ni fuerzas para hacer su vida sin mí. Tenía que hacer algo al respecto, pero lo malo era que lo único que podía hacer no iba a tener un efecto inmediato en ella para calmar su dolor o melancolía. Le escribí una canción, “Adheridos Separados”.
La canción escrita para la entonces pareja de José Madero no tuvo el éxito del primer sencillo, y eso fue un factor para que frenará el impulso que llevaba el disco, que a pesar de todo logró vender más de 60.000 copias.
“Es de mis temas favoritos del disco, y es por eso que la escogí como segundo sencillo, lo cual fue un error grave. La canción al parecer no le gusto ni a los fans, ni a los escuchas casuales, ni a los programadores de radio, ni a la disquera, ni a los managers, y creo que ni a mis compañeros de banda. Y de hecho, este fue el sencillo que estancó el disco. Tanto odio le tienen mis compañeros a esta canción que ya ni la quieren tocar en vivo, en verdad nos perjudicó y les he perdido perdón en innumerables ocasiones por ello”, recordó José.
Tras “Poetics”, Pxndx lanzó dos discos de estudio más antes de separarse en 2016, y de que José Madero emprendiera su carrera como solista; sin embargo, aquél disco quedó como uno de los favoritos tanto del músico como de los fans, pues, incluso en su nueva faceta musical, Madero incluyó temas como “Amnistía”, “Nuestra Aflicción, o “Solo a Terceros” en sus presentaciones en vivo. No obstante, a pesar de tocar temáticas que podrían resultar sensibles en las diferentes etapas emocionales de los seres humanos; como una ruptura; José Madero ha recalcado que la mayor parte de sus canciones son ficticias, por lo que no se volvió a tocar el tema detrás de “Adheridos Separados”.
Recientemente, por medio de fotos en redes sociales, se confirmó que José Madero regresó a una relación sentimental con Julieta (nombre ficticio de su expareja en su libro). En 2021, en algunos de sus conciertos ahora como solista, José incluyó en su setlist una versión acústica de la canción; sin embargo, el pasado 4 de febrero el músico regiomontano interpretó la canción en su versión original durante su concierto como solista en la Arena Ciudad de México, siendo la primera vez en siete años que la canción se tocaba en su versión original desde el último concierto de Pxndx.
Ese mismo día también sonó en vivo “Los Malaventurados No Lloran”, una de las canciones más populares de Pxndx; sin embargo, tras los rumores de su nueva faceta amorosa y la historia detrás de “Adheridos Separados”, la interpretación de este mal querido sencillo resultó más significativo de lo que parecería durante su presentación en la Arena Ciudad de México.
Gerard Way siempre ha utilizado el arte dramático como forma de expresarse, y la última gira mundial fue un claro ejemplo de ello, lo vimos vestido de porrista, enfermera, vampiro y demás… ¿quieres saber cuáles fueron nuestros outfits favoritos?
Por: Kather Islas
El pasado 18 de noviembre, My Chemical Romance cerró su primera gira mundial, después de su regreso a la escena musical, en el festival Corona Capital en la Ciudad de México.
Aunque tuvimos que esperar un par de años para poder ver esta gira debido a las restricciones de la pandemia, la espera valió la pena, ya que los conciertos vinieron de la mano con algunas sorpresas. La primera fue “The Foundations of Decay”, canción inédita lanzada en mayo del año pasado y solo unos días antes de su primera presentación en el Reino Unido; la segunda fue que cada concierto contó con un setlist diferente haciendo que cada uno de ellos fuera especial e irrepetible; la tercera es que, al igual que el setlist, la batería tenía escrito algo diferente en cada fecha; y la última y la más llamativa de todas fueron los originales vestuarios de Gerard Way.
El vocalista de 45 años nacido en New Jersey siempre ha sido muy fan del teatro y ha tratado de involucrar dicho arte en la banda; desde los álbumes conceptuales hasta la imagen misma del ahora cuarteto. Solo basta recordar su épica presentación en el 2007 donde la banda salió a escena con maquillaje de calaveras y los trajes del The Black Parade para brindar el último show de esa etapa de la banda; más que un concierto fue como ver una representación teatral de los últimos momentos del paciente y cómo llegó el desfile negro por él en su momento de morir. Y es que Gerard ha hablado en varias ocasiones de como interpretar a Peter Pan en una obra escolar marcó un antes y un después en su vida y, es precisamente el tour que acaba de terminar una clara muestra de ello.
Si tuviéramos que ponerles un orden y dividirlos por categorías, podrían quedar de la siguiente manera: cultura pop, cine y comics, referencias a anteriores discos de la banda y un pequeño tributo a mujeres importantes en la historia del mundo.
Así que acompáñanos a dar un pequeño recorrido por algunos de los outfits que vistió Gerard Way durante sus presentaciones:
Calentando motores
La gira comenzó en el Reino Unido y sus outfits fueron bastante sencillos, solo dando algunas referencias al pasado y sus proyectos alternos, que podrían pasar desapercibidos si no estas muy al corriente de ellos; como el guiño a su cómic y, ahora serie de Netflix “The Umbrella Academy”, o al vestir una playera de unicornio en honor a su esposa Lindsey Way, lo cual nos hizo recordar cuando los dos músicos vistieron dichas playeras en un festival donde se presentaban las bandas de ambos (My Chemical Romance y Mindless Self Indulgence) para darle a conocer al mundo que estaban en una relación.
Sin embargo, el vestuario más llamativo de esa parte del tour fue el del 19 de mayo, donde nuestro vocalista favorito salió al escenario con un traje color blanco que nos recordaba mucho al uniforme utilizado por los guardias de BL Industries, aquella malvada empresa a la que debían enfrentarse los Killjoys, e incluso la sangre en su rostro parecía dar a entender que acaba de tener un enfrentamiento con ellos.
¿Quién no les tiene miedo a los payasos?
Durante su presentación en Berlín el vestuario de esa fecha fue la de un payaso que nos provocó un escalofrío en la espalda, sobre todo aquellos que crecimos durante los 90 ya que fue imposible no pensar en el macabro Pennywise y más cuando el traje era de color amarillo, como aquel impermeable que tenía puesto Georgie en el día de su encuentro mortal con dicho payaso.
El regreso a casa y las grandes ligas
Después de terminar su gira por Europa, tocó el turno a Norte América. Fue aquí donde las cosas se empezaron a poner más interesantes, ya que Gerard empezó a colaborar con Marina Toybina, una diseñadora de modas que ha sido seis veces ganadora del Emmy por mejor vestuario y ha vestido a celebridades como Ariana Grande, Katy Perry, Taylor Swift, o Pink, por mencionar algunas. Su trabajo puede verse tanto en los videos musicales, las alfombras rojas, así como en los respectivos tours; de igual manera, ha participado en un par de películas y en varios programas de televisión como The X Factor. Ella fue la responsable del tan icónico vestuario de porrista que nos hizo recordar al vídeo de Teenagers, y la misma diseñadora escribió en su cuenta de Instagram el siguiente mensaje:
“A los 21 su música sanó mi alma. A los 40 éste brillante humano/ícono hizo mis sueños creativos realidad…y como dicen, todo en la vida es posible si tú lo crees, manifiéstalo y sueña en grande.
Sí, ese es Gerard Way en un uniforme vintage de porrista”.
El uniforme tuvo que ser adaptado y rearmado para que Gerard pudiera vestirlo, ya que originalmente era un uniforme femenino en talla 4, pero Marina y su equipo hicieron un trabajo excelente en personalizar dicha prenda para que Way pudiera usarla en el escenario.
Halloween todo el tiempo
Durante sus presentaciones en Canadá y algunas ciudades de Estados Unidos, lo vimos vestir varios disfraces, siendo quizás los más destacables: Calavera, Gato, Black Swan, Enfermera, Moda de los 60, Moda de los 70, Murciélago, Fantasma, Chica Manson, Princesa Diana, etc.
Enfermera
Una vez más de la mano de Marina Toybina para la presentación de Detroit, Gerard salió a escena vestido de enfermera, haciendo un homenaje a todo el personal de salud y agradeciendo el trabajo arduo durante los años de pandemia, pero también en un claro homenaje a Heath Ledger y su inolvidable Joker (no es la primera vez que salía a escena haciendo referencia a dicho personaje, ya que con anterioridad había portado un maquillaje similar).
Chica Manson
Haciendo una clara referencia a las chicas de la Familia Manson y su vestimenta durante el juicio por el asesinato de Sharon Tate, Jay Sebring, Voytek Frykowski, Abigail Folger,y Steven Parent. Gerard vistió en el show de Houston un vestido y sueter similares a aquellos usados por las chicas en 1969.
Princesa Diana
Otro homenaje a un personaje femenino de la historia, y nuevamente de la mano de Marina, Gerard portó el tan famoso suéter “oveja negra” que vistió la princesa para un partido de polo en 1980.
Drácula
Como sabemos Gerard es fan del cine de horror así que no podía faltar un homenaje al vampiro más importante para la literatura y el cine: Drácula. La inspiración fue el actor Béla Lugosi y la versión cinematográfica de 1931.
MCR 50 años después…
Three Cheers for Sweet Revenge, su segundo álbum de estudio fue el responsable de catapultarlos a la fama mundial. Todos recordamos el vestuario de Helena, los trajes negros, las corbatas rojas, el maquillaje pálido. Para la segunda fecha del festival When We Were Young celebrado en Las Vegas, la banda salió a escena caracterizados como su versión anciana. Esta fue la primera y única ocasión en la que la banda entera participó en los disfraces; pudimos ver la versión más vieja de Gerard, Frank y Ray, por otro lado, nos enteramos que Mickey no puede envejecer porque es un vampiro.
Juana de Arco
Muchas fueron las especulaciones sobre qué vestuario usaría en nuestro país, las apuestas eran sobre algo relacionado a nuestra cultura: quizás un catrín o un mariachi, pero su último outfit de la gira también fue un homenaje a una mujer importante en la historia: Juana de Arco. Considerada una heroína en la historia francesa por ayudar al rey Carlos VII a liberar a Francia de la dominación inglesa durante la guerra de los cien años, Juana de Arco fue quemada en la hoguera en 1431. Esto lo confirmó la diseñadora, ya que, una vez más, el vestuario corrió a cargo de Marina Toybina quien se despidió de la banda diciendo lo siguiente:
“Crear arte juntos ha sido una ÉPICA e inolvidable experiencia durante los últimos meses, por lo que estaré eternamente agradecida.
Gracias a la entera familia de MCR por ser tan increíbles y por ayudarnos a traer estas ideas a la vida, esto es algo para los libros… Hasta la próxima vez ;)”
Y hasta aquí nuestra recopilación de los mejores outfits de la gira, estos fueron nuestros favoritos ¿Cuáles fueron los tuyos?
![My Chemical Romance - Helena [Official Music Video]](https://i.ytimg.com/vi/UCCyoocDxBA/hqdefault.jpg)
![Sweet Children/Green Day: Live at House of Blues [Cleveland, Ohio, USA | April 16, 2015]](https://i.ytimg.com/vi/J4p0FLf08Y0/hqdefault.jpg)
![The Network - Roshambo Live [Disease Is Punishment 2003]](https://i.ytimg.com/vi/O9OIvUae5Cw/hqdefault.jpg)
![Billie Joe Armstrong of Green Day - I Think We're Alone Now [Cover Video]](https://i.ytimg.com/vi/oHNkfUaIrkI/hqdefault.jpg)
