Medio digital independiente fundado en la Ciudad de México en 2013. Se especializa en géneros como el punk rock, pop punk, ska punk, emo, rock, posthardcore, metal y demás vertientes.
Con una trayectoria marcada por controversias y desafíos, José Madero ha emprendido un viaje de redención que, sin duda, está resonando en acordes de éxito y aceptación.
Foto: facebook.com/maderovizcainojose
En la música, pocos nombres generan tanta controversia como José Madero. En el universo musical, los caminos de la redención son sinuosos y a menudo encumbrados, pero para el exvocalista de Pxndx, estos senderos parecen haberse convertido en el cimiento sólido de su resurgimiento artístico. A lo largo de más de dos décadas, Madero ha transitado por valles de polémicas y cimas de éxitos, pero en los últimos años, su narrativa ha tomado un giro inesperado hacia la madurez y la aceptación por parte del público.
El viaje de José Madero como solista ha sido una travesía de reinvención constante, y su más reciente álbum, “Giallo”, ha sido el catalizador de un renacimiento que ha capturado la atención de críticos y seguidores por igual. Es innegable que Madero ha enfrentado desafíos, desde los problemas relacionados con los plagios con su ex banda hasta el incidente en la firma de autógrafos que lo pusieron en el ojo del huracán mediático. Sin embargo, en lugar de dejarse definir por los errores del pasado, ha optado por escribir un nuevo capítulo, donde la música y la madurez ocupan roles principales, eclipsando las críticas que, hasta el momento, habían caracterizado su carrera.
El reciente logro de agotar las entradas para dos fechas consecutivas en el Auditorio Nacional es un testimonio palpable de este renacimiento. No solo logró un sold out cinco meses antes del concierto, sino que durante esas noches, desplegó un repertorio diverso que abarcó desde su más reciente creación hasta nostálgicos éxitos de Pxndx. Interpretar “Narcisista Por Excelencia” en conmemoración del décimo séptimo aniversario de su primera presentación en el Auditorio Nacional es un claro indicio de que Madero no teme enfrentarse a su propia historia.
Foto: facebook.com/maderovizcainojose
Las numerosas entrevistas que el músico ha ofrecido desde su etapa solista han sido otra herramienta con la que Madero ha construido puentes hacia una nueva percepción pública. En estas conversaciones, se vislumbra a un José Madero más reflexivo, aprendido de sus errores y comprometido con la evolución personal y artística. Es un artista que ha dejado atrás las sombras del pasado para concentrarse en un presente y futuro que parecen prometedores.
El público, alguna vez crítico y escéptico, ha empezado a prestar atención a la propuesta artística de Madero. Su destacada participación en festivales musicales, donde superó a bandas icónicas, es evidencia de que su música ha logrado prevalecer sobre los prejuicios iniciales. Basta con comparar el recibimiento que tenía hace unos años en redes sociales o en sus presentaciones en vivo, con comentarios y reacciones negativas frente al anuncio de sus próximos shows, con las de ahora llenas de halagos, emoción y una recepción mucho más positiva que la que tenía hasta hace poco.
En este punto, los seguidores de Madero y los críticos deben plantearse una pregunta intrigante: ¿necesita realmente el músico un regreso de Pxndxpara validar su éxito, o está a punto de alcanzar nuevas alturas como solista? El sold out en el Auditorio Nacional, la anticipación por su próximo álbum; aún sin nombre ni fecha de lanzamiento; y su próxima presentación en el festival Vive Latino 2024 revelan un futuro lleno de posibilidades para un José Madero que ha dejado atrás los estigmas y se erige como una figura destacada en la escena musical mexicana.
En este capítulo de la historia musical de José Madero, sus seguidores se encuentran en la encrucijada de valorar no solo su pasado, sino también el presente y el futuro que él construye. La redención de Madero no solo yace en la superación de los errores pasados, sino en la creación de una nueva narrativa, una sin las sombras del escándalo, donde la música resuena con fuerza y la controversia queda en segundo plano.
Enter Shikari, una banda británica que ha desafiado convenciones y fusionando géneros musicales como el post-hardcore, el electrónicore y el rock alternativo desde su formación en el año 2003.
Foto: facebook.com/entershikari/
En el siempre vibrante y enérgico universo del metalcore y el post-hardcore, pocas bandas han logrado alcanzar la prominencia y la admiración que ha recibido Enter Shikari a lo largo de los años.
Este cuarteto británico, compuesto por los talentosos músicos Chris Batten, Rou Reynolds, Rob Rolfe y Rory Clewlow, ha trascendido las barreras de los géneros musicales con su atrevida fusión de elementos electrónicos, letras cargadas de significado y una potencia sonora capaz de sacudir los cimientos de cualquier recinto.
Con su próxima visita a México en el horizonte, es el momento perfecto para adentrarnos en el fascinante mundo de Enter Shikari y descubrir 10 datos sobre la banda que posiblemente desconocías.
1. El Origen de Shikari:
Antes de convertirse en Enter Shikari, la banda se llamaba Hybryd. El nombre Shikari proviene del hindú y significa “cazador”. Esta elección se inspiró en un barco propiedad del tío de Rou Reynolds, líder de la banda.
2. Sello Discográfico Propio:
Enter Shikari no solo crea música revolucionaria, sino que también se encarga de su distribución. La banda fundó su propio sello discográfico, Ambush Reality, aunque han trabajado con sellos importantes para llegar a audiencias globales.
3. Mensajes Políticos:
Las letras de Enter Shikari abordan temas políticos, desde el cambio climático hasta la presidencia de Donald Trump y la privatización del Servicio Nacional de Salud del Reino Unido. También exploran cuestiones personales como la ansiedad y la autocompasión.
4. Shikari Sound System:
En 2013, la banda presentó un proyecto paralelo llamado Shikari Sound System, donde exploraron un enfoque más orientado a la música electrónica en vivo.
5. Dear Future Historians:
El líder de la banda, Rou Reynolds, lanzó un libro titulado “Dear Future Historians”, que ofrece un análisis lírico canción por canción de su trabajo, acompañado de fotografías.
6. Patrocinio Deportivo:
En un gesto admirable, Enter Shikari se convirtió en el patrocinador principal del St Albans City Football Club, equipo de fútbol con sede en St Albans, Hertfordshire, Inglaterra. Fue fundado en 1908 y juega sus partidos en casa en Clarence Park, a unos 800 metros del centro de la ciudad. El club actualmente compite en la Liga Nacional Sur (anteriormente conocida como Conferencia Sur), el sexto nivel del fútbol inglés.
7. Headliner Spaces:
En agosto de 2023, se anunció que Enter Shikari había establecido una colaboración con The Pioneer Club, el lugar donde dieron sus primeros conciertos, así como con Headliner Group, una empresa de medios de música y tecnología, con el propósito de crear Headliner Spaces. Esta iniciativa tiene dos objetivos principales: revitalizar The Pioneer Club como un destino dentro del circuito turístico y expandir su impacto en la comunidad.
8. Géneros Diversos:
El estilo musical de Enter Shikari abarca una amplia gama de géneros, desde post-hardcore hasta música electrónica, drum and bass, y más.
9. La Canción Más Corta:
Enter Shikari tiene una canción que dura solo 18 segundos, llamada ‘Interlude 3’, que aparece en su álbum debut, ‘Take To The Skies’.
10. Sold Out en el London Astoria:
En 2006, Enter Shikari se convirtió en la segunda banda sin contrato en agotar las entradas del London Astoria, un logro impresionante compartido solo con The Darkness.
La llegada de Enter Shikari a México, para promocionar “A Kiss for the Whole World” los próximos 29 y 30 de septiembre en Guadalajara y Ciudad de México, respectivamente, representa una oportunidad única para disfrutar de la potente y electrizante propuesta musical de esta banda británica.
“American Jesus” de Bad Religion, destaca al exponer la hipocresía y el nacionalismo en la intersección de la política y la religión en Estados Unidos.
En pleno apogeo del punk rock en los años 90, Bad Religion sobresalió como una voz valiente y crítica que se atrevió a desafiar las creencias y valores profundamente arraigados en la sociedad. A través de su canción “American Jesus”, la banda se erige como un valiente intento de poner en tela de juicio la actitud altiva del nacionalismo y la creencia en una supuesta bendición divina sobre Estados Unidos. Más allá de su música llena de energía y letras incisivas, esta canción proporciona una perspectiva crítica sobre la interconexión entre la religión, la política y la imagen que la nación tiene de sí misma.
La canción, lanzada en 1993 como parte del álbum “Recipe for Hate”, se erige como una respuesta directa al exabrupto del presidente estadounidense George Herbert Walker Bush durante la Guerra del Golfo. La afirmación audaz de Bush, declarando que Estados Unidos prevalecería debido a que Dios estaba de su lado, sirvió como catalizador para el proceso creativo detrás de “American Jesus”. Los miembros de Bad Religion, en especial el cantante principal Greg Graffin y el guitarrista Brett Gurewitz, vieron en esta afirmación una mezcla peligrosa entre religión y política, una fusión que siempre ha sido motivo de desconfianza.
Como banda, Bad Religion se ha caracterizado por adoptar un enfoque crítico hacia las convicciones religiosas y sociales. Su nombre mismo insinúa una crítica a la forma en que la religión puede distorsionar la verdad. “American Jesus” se alinea con esta tendencia, ridiculizando la idea de que una nación esté intrínsecamente bendecida por una fuerza divina.
El video musical, filmado con presupuesto limitado y una estética sepia distintiva, refuerza visualmente las ideas subyacentes. La banda recorre las calles de Los Ángeles mientras peatones cargan cruces, un simbolismo poderoso que sugiere la ceguera colectiva ante las verdades incómodas. La imagen de Graffin caminando solo por la ciudad resalta su papel como el observador consciente en medio de una narrativa distorsionada.
La colaboración con Eddie Vedder de Pearl Jam en los coros añade una dimensión adicional a la canción, consolidando la solidaridad entre bandas de la época que compartían una actitud crítica y desafiante. Esta unión musical se convierte en un grito colectivo contra la complacencia ciega y el pensamiento dogmático.
“American Jesus” de Bad Religion se destaca como un himno punk que desafía la idea de que una nación posee algún tipo de bendición divina sobre otras. Esta canción no solo es un legado en el catálogo de la banda californiana, sino también un recordatorio atemporal de la importancia de mantener una mirada crítica y una mente abierta en un mundo marcado por la complejidad ideológica.
Luke Brodie, quien fue parte de una escena que dejó una marca en toda una generación en los años 2000, ahora lidera experiencias innovadoras alrededor del mundo.
El mundo de la música está lleno de historias de artistas que, a través de su pasión y dedicación, logran trascender fronteras y dejar una marca. Un claro ejemplo de esta travesía es el caso del músico y cantautor canadiense, Luke Brodie, quien, aunque tuvo una breve carrera en la escena musical mexicana, encontró un nuevo camino en el mundo empresarial, llevando consigo la creatividad y la pasión que lo caracterizaron en el escenario.
Originario de Canadá, Luke Brodie descubrió su amor por la música desde temprana edad. Sin embargo, fue su breve período en la banda de pop punk Simple Plan lo que lo motivó a seguir creando música y llevar su talento más allá de las fronteras de su país natal.
El destino lo condujo a México, donde el pop punk y el emo estaban en su apogeo durante la década de 2000. Aquí, encontró una apasionada y creativa comunidad que lo recibió con los brazos abiertos. En México, Brodie comenzó a dar forma a su estilo musical, fusionando géneros aparentemente distintos como el folk, el emo y el pop punk.
Durante su estancia en México, lanzó dos álbumes de estudio: “Luke Brodie” en 2005, con el icónico sencillo “No Te Merezco”, y “El Único Demonio” en 2008, producido por Luis Cortés, líder de Tolidos. Compartir escenario con bandas como Pxndx, Canseco, Thermo, Finde y Tolidos, hizo que se convirtiera en parte de un grupo de bandas y proyectos que contribuyeron a la escena del pop punk y emo en México.
Tras su etapa en la escena musical, Luke Brodie regresó a su país. Más allá de los reflectores de los escenarios, descubrió una nueva pasión en la enseñanza y la innovación. Su recorrido musical le otorgó la habilidad de fusionar elementos aparentemente distintos, y esta destreza la aplicó en su trabajo actual. En la actualidad, como Master Facilitator, lidera experiencias educativas vanguardistas para líderes de empresas Fortune 500 alrededor del mundo.
Además de su empleo, Luke frecuentemente comparte su habilidad para asistir a otros mediante la enseñanza de técnicas centradas en las personas. Ha ofrecido conferencias sobre diseño orientado al cambio en algunas de las principales escuelas de negocios. También forma parte del equipo en The Creative School de la Universidad Metropolitana de Toronto, donde imparte cursos sobre procesos creativos y gestión del diseño.
Aunque su música aún no está disponible en plataformas digitales, en una entrevista reciente, Brodie expresó su deseo de que sus dos álbumes lanzados puedan ser disfrutados nuevamente por sus seguidores. Luke Brodie, el músico que cruzó fronteras geográficas y musicales, fue parte de una escena que dejó una huella en toda una generación en México durante la década de 2000.
“Pick It Up!” es un documental independiente que aborda el ascenso en popularidad de la música ska en la década de 1990, a menudo referida como la tercera ola del ska.
El documental “Pick It Up! Ska in the ’90s” es un homenaje vibrante a la época musical de los años 90 que transformó el panorama sonoro. Examina la tercera ola del ska, que emergió con fuerza en esa década, dejando una marca duradera en la música. Dirigido por Taylor Morden, este fascinante largometraje nos sumerge en el corazón de este fenómeno, explorando cómo un género pasó de la oscuridad a un breve momento de fama, desde los sótanos hasta la luz del estrellato.
“Pick It Up!” no es simplemente una crónica histórica, sino una declaración de amor apasionada a la música ska y a su irresistible atractivo. La película se adentra en los orígenes del género, desde su nacimiento en Jamaica, pasando por el movimiento “two-tone” británico en los años 80, hasta llegar a su apoteósico florecimiento en los 90, cuando resonó con un ritmo contagioso en todo el mundo.
El documental se erige como un testimonio de la interconexión única entre el ska y su comunidad de seguidores. Con sus raíces en el espíritu DIY, “Pick It Up!” teje una narrativa emotiva que muestra cómo este género underground ganó fuerza y cómo, por un fugaz instante, iluminó los escenarios y las ondas radiales. La película nos lleva por un viaje retrospectivo, con entrevistas exclusivas con figuras clave que dieron vida al fenómeno como The Aquabats, Big D and the Kids Table, blink-182, Desorden Público, Fishbone, Five Iron Frenzy, Goldfinger, Inspector, The Interrupters, Less Than Jake, LaMaldita Vecindad, The Mighty Mighty Bosstones, No Doubt, Reel Big Fish, The Specials, Streetlight Manifesto, Sublime, The Suicide Machines, Tokyo Ska Paradise Orchestra, Voodoo Glow Skulls y muchos otros.
Narrado con maestría por Tim Armstrong de Operation Ivy y Rancid, el documental captura la autenticidad y la esencia del ska en su máximo esplendor. La película evoca el palpitar de la multitud en conciertos inolvidables, la energía frenética de las pistas de baile y la singularidad de una época en la que la música dejó de ser una experiencia pasiva para transformarse en un ritual colectivo.
El metraje se expande para abrazar una comunidad global, destacando cómo el ska se manifestó en diferentes rincones del planeta. Desde la entrañable nostalgia de bandas británicas hasta el alegre caos de las agrupaciones latinoamericanas, el documental revela la manera en que el ska trascendió fronteras culturales y lingüísticas para unir a personas bajo un mismo ritmo contagioso.
El director Taylor Morden, quien recaudó fondos a través de Kickstarter, logra capturar la esencia de la tercera ola del ska y su influencia perdurable en la escena musical contemporánea. A pesar de que su resplandor en las listas de éxitos y en los medios de comunicación ha disminuido, “Pick It Up!” demuestra que el espíritu de esta ola sigue vibrando en los corazones de los fieles seguidores y en la música que continúa siendo su legado.
“Pick It Up! Ska in the ’90s” no es simplemente un documental, es un portal hacia una época en la que el ska resonó con una intensidad única.
Un encuentro inesperado que tomó por sorpresa a los seguidores de Intocable y My Chemical Romance nos brindó una historia entre dos músicos de géneros diferentes.
Foto: https://twitter.com/grupointocable
En el mundo de la música, los encuentros inesperados entre artistas de distintos géneros siempre han dado lugar a momentos mágicos e inolvidables. Así ocurrió en 2013, cuando Ricky Muñoz, líder de la banda de música texana Intocable, y Gerard Way, vocalista de My Chemical Romance, se cruzaron en un estudio de grabación, dejando a sus seguidores asombrados y llenos de emoción.
El encuentro entre estos dos músicos que parecen ser muy diferentes comenzó en el reconocido estudio de grabación Sonic Ranch, situado en el pueblo de Tornillo, Texas. Fue allí donde las carreras de Ricky Muñoz y Gerard Way se encontraron de forma sorprendente, creando una historia que sorprendería a los seguidores de ambos grupos.
La historia detrás de este encuentro singular agrega un toque de cercanía y humanidad. En una entrevista con los comediantes Franco Escamilla y La Mole, Ricky Muñoz compartió cómo este inusual encuentro se originó a partir del amor de su hijo menor por la música de My Chemical Romance. Con la separación de la banda de Way, la noticia resonó en los corazones de los fanáticos y también en el de Ricky, quien, por una especie de corazonada, presentía que algo especial estaba por suceder.
El destino intervino cuando un representante de Sonic Ranch informó al líder de Intocable sobre la visita del vocalista de My Chemical Romance al estudio. El representante mencionó: “Mañana vendrá un chavito que acaba de dejar un grupo”, a lo que Ricky, con una intuición única, respondió emocionado: “¿No me digas que se llama Gerard Way?”. La sorpresa y conexión compartidas en ese instante solo adelantaron lo que estaba por suceder.
Al día siguiente, el estudio de grabación se convirtió en el escenario de este memorable encuentro. Gerard Way recibió a Ricky Muñoz y a su hijo con una amabilidad que trascendía las diferencias musicales y generacionales. Juntos, compartieron momentos de música, intercambiaron experiencias y, lo más importante, construyeron un vínculo basado en el respeto mutuo y la pasión por la creación artística.
Ricky Muñoz recordó con cariño cómo Gerard Way les enseño algunas de las canciones en las que estaba trabajando, creando un ambiente de amistad y empatía. El gesto de Way hacia el hijo de Ricky, atendiéndolo con genuino interés, dejó una huella imborrable en la memoria de ambos músicos y reforzó la idea de que, en el mundo de la música, las barreras pueden caerse para dar paso a conexiones auténticas.
One Nine Nine Four presenta a los artistas, sellos discográficos, managers y productores que fueron piezas fundamentales en el éxito del punk rock en los años 90.
En un apasionante viaje a través del tiempo, el documental “One Nine Nine Four” dirigido por Jai Al-Attas, sumerge a los espectadores en la efervescente escena del punk rock durante los años 90. Esta producción de Robot Academy Films captura el nacimiento, crecimiento y trascendencia de un género musical que marcó una época y redefinió la música alternativa.
La película, narrada por el icónico Tony Hawk, presenta una combinación perfecta de entrevistas reveladoras y valioso material de archivo que transporta a los espectadores a los momentos clave de esta inolvidable era. “One Nine Nine Four” cuenta con testimonios de importantes figuras del punk rock como Fat Mike de NOFX, Billie Joe Armstrong de Green Day, Dexter Holland de The Offspring, Greg Graffin y Brett Gurewitz de Bad Religion, Tim Armstrong, Matt Freeman y Lars Fredriksen de Rancid, Mark Hoppus y Tom DeLonge de blink-182, Joey Cape de Lagwagon, Fletcher Dragge de Pennywise, Tony Sly de No Use for a Name, Joe Escalante de The Vandals y Kung Fu Records, entre otros.
El documental rinde homenaje a un período crucial en la historia del punk rock. En 1994, mientras el movimiento grunge enfrentaba la trágica pérdida de Kurt Cobain, una nueva ola de bandas emergió con fuerza. Green Day lanzó su álbum “Dookie”, que se convertiría en un éxito masivo vendiendo más de 19 millones de copias en todo el mundo. Simultáneamente, NOFX y Bad Religion lanzaban “Punk In Drublic” y “Stranger Than Fiction”, respectivamente. Por su parte, The Offspring, una banda relativamente desconocida de California, lanzaba “Smash”, convirtiéndose en el álbum independiente más vendido en la historia del sello Epitaph Records.
Este período marcó el renacimiento y la expansión del punk rock a nivel mundial. Bandas como Green Day, The Offspring, Rancid, Bad Religion, NOFX, Pennywise y blink-182, lideraron la vanguardia del género y llevaron su música a nuevas audiencias. Desde el resurgimiento de la escena punk en East Bay hasta el movimiento de surf y skate en el sur de California, “One Nine Nine Four” abarca todas las facetas de esta explosiva época.
El documental presenta a los artistas, sellos discográficos, managers y productores que fueron piezas fundamentales en el éxito del punk rock en los años 90. Sus historias y testimonios revelan la pasión, la energía y el espíritu innovador que impulsaron a este género musical a la cima de la industria.
Con su enfoque detallado y su narración envolvente, “One Nine Nine Four” se convierte en una obra indispensable para los amantes del punk rock y para aquellos que deseen comprender mejor su impacto cultural. El documental nos transporta a una época en la que el punk rock se alzó como una fuerza dominante en la escena musical, dejando un legado imborrable que aún resuena en la actualidad.
“One Nine Nine Four” es una ventana al pasado que nos permite revivir la energía, la rebeldía y la pasión que definió una década y que continúa influyendo en la música y la cultura contemporánea.
José Madero ha dejado huella en la escena musical, demostrando una gran versatilidad al colaborar con diversos músicos y géneros musicales.
Foto: facebook.com/maderovizcainojose / @bouqueh
José Madero Vizcaíno es una figura destacada del rock en México y ha dejado una huella imborrable en la escena musical nacional. Su participación en la emblemática banda Pxndx, así como su destacada carrera como solista, lo han consolidado como una de las voces más importantes del país. Además, su versatilidad para colaborar con artistas de diferentes géneros y nacionalidades ha contribuido a su éxito.
José ha trabajado con bandas de punk rock, rock alternativo, pop, cumbia y hasta regional mexicano, demostrando su habilidad para adaptarse a diferentes estilos y fusionarlos para crear algo nuevo y distintivo. Su carrera como solista ha sido un testimonio de su valentía para explorar nuevos sonidos y experimentar con diferentes géneros.
A pesar de su éxito y reconocimiento en la escena musical, a José Madero no lo consideran un artista muy querido, siendo etiquetado por muchos como un personaje polémico y controversial. Algunos lo consideran un genio musical, mientras que otros lo ven como alguien arrogante.
No obstante, su habilidad para colaborar con diversos músicos llevado a José a explorar y experimentar en distintos géneros musicales, demostrando su versatilidad como músico, productor y compositor. Desde sus primeras colaboraciones con bandas como Tolidos y Doble Dos, hasta su más reciente incursión en el regional mexicano con el sencillo “Yo si me veía contigo” de José Esparza, ha dejado claro que su talento y habilidades van más allá de un solo género musical.
En este artículo, exploráremos las colaboraciones de José Madero con otros músicos y géneros musicales.
Tolidos – “Melancolidos” – (2003)
La primera colaboración de José Madero se remonta al año 2003, cuando apareció en el último verso de la canción “Melancolidos” del álbum debut de la banda Tolidos titulado “Te Amo… Me Odias”. Esta colaboración fue el inicio de una larga lista de proyectos en los que ha participado el músico.
Doble Dos – “Tu amiga” (2004)
En el año 2004, Madero participó en la canción “Tu Amiga” de la banda regiomontana liderada por Alex Puya llamada Doble Dos. La canción formó parte del primer demo de la banda titulado “Todo empezó contigo”, que fue grabado en el home studio de Jorge Vázquez, mejor conocido como Kross, baterista de Pxndx.
Gold Stars – “Amigo Bronco” – Junto a Luis Cortés (Tolidos) y José Guadalupe Esparza (Bronco) (2007)
En el año 2007, como parte del Tributo a la agrupación de música regional mexicana Bronco llamado “Tributo al Mas Grande”, se formó una super banda llamada Gold Stars, conformada por José Madero, Luis Cortes, Adrian “Rojo” Treviño, Beto Ramos y Charly Castro, quienes junto a José Guadalupe Esparza interpretaron una nueva versión de “Amigo Bronco”.
Hermanos Caballero – “Somos Iguales” – (2011)
En 2011, los Hermanos Caballero, una banda regiomontana fundada por los hermanos Federico y Jorge, contó con la colaboración de José Madero en la canción “Somos Iguales”, la cual fue escrita por el propio Madero y en la que también prestó su voz. La canción forma parte del álbum debut de la banda titulado “Baila”.
Charming Liars – “Tumble” – (2015)
En 2015, José Madero tuvo su primera colaboración internacional con la banda inglesa Charming Liars, en la canción “Tumble”. La banda tuvo la oportunidad de abrir un concierto de Pxndx en el Auditorio Nacional, y esto dio lugar a una amistad que culminó en esta colaboración.
Allison – “Rómpase el Vidrio en Caso de Emergencia” (2016)
En 2016, José Madero colaboró con la banda de rock mexicana, Allison, en la canción “Rómpase el Vidrio en Caso de Emergencia”. La colaboración surgió mientras José y los Allison veían a Sum 41 en el festival Vivo x el Rock en Lima, Perú, tras haber finalizado sus respectivas presentaciones en el festival. La canción apareció en el cuarto álbum de estudio de Allison titulado “Todo está encendido”.
Andrés Canalla – “La Búsqueda del Tiempo Perdido” (2018)
En 2018, José Madero colaboró con el ex vocalista de Tungas, Andrés Canalla, en la canción “La Búsqueda del Tiempo Perdido”. José prestó su voz en la canción inspirada en el libro de Marcel Proust, “En busca del tiempo perdido”. El tema de la canción es la nostalgia y José Madero aportó su particular estilo musical y vocal para complementar la canción.
Serbia – “Instinto Animal” (2019)
José Madero se unió a la banda regiomontana Serbia en la canción “Instinto Animal”, la cual se incluyó en su primer álbum titulado “Secretos del Sol”. La producción de este álbum estuvo a cargo del guitarrista de Jumbo, Flip Tamez. José aportó su particular estilo vocal y musical prestando su voz en el puente de la canción. Posteriormente, como resultado de esta colaboración, José Madero comenzó a trabajar con Flip Tamez en la producción de sus siguientes álbumes como solista.
Dromedarios Mágicos – “Las Horas” – (2021)
Una de las colaboraciones fue con el músico mexicano Diego Puerta, más conocido como Dromedarios Mágicos, en la canción “Las Horas”. Este tema, que combina percusiones tropicales y guitarras melancólicas, es una balada con tintes de nostalgia que muestra una faceta diferente de ambos artistas, quienes demostraron una gran química en el dueto vocal. La canción, que surgió de una broma en un Instagram Live de Madero, terminó siendo una de las colaboraciones más esperadas de ese año y superó todas las expectativas.
Lasso – “De mí, de mí, de mí” – (2021)
La segunda colaboración de Madero en 2021 fue con el cantante y actor venezolano Lasso, en la canción “De mí, de mí, de mí”. Este tema, que cierra el álbum “Cuatro Estaciones” de Lasso, es una súplica a una traición del pasado que cuenta con la potente voz de ambos artistas y una gran emotividad. Lasso ha declarado que trabajar con José Madero era un sueño hecho realidad y que la canción era perfecta para su voz, lo que demuestra la admiración mutua entre ambos.
Cold Years – “Life With A View” – (2021)
En agosto de 2021, Madero colaboró con la banda escocesa Cold Years en una nueva versión de su sencillo “Life With A View”. La colaboración surgió a raíz de una recomendación que Madero hizo a través de su cuenta de Instagram, lo cual generó repercusión en algunos medios del Reino Unido. La banda escocesa mencionó que gracias a la recomendación de Madero, habían ganado cierta popularidad en México y posteriormente contactaron al cantante para invitarlo a colaborar en una de las canciones de su álbum. En la nueva versión de “Life With A View”, Madero tiene un papel destacado con su interpretación vocal que complementa la energía y pasión de la banda escocesa.
Kordelya – “- es + (Menos es Más)” – (2022)
El año pasado, Madero colaboró con su prima Kordelya en su nuevo sencillo, “- es + (menos es más)”. La canción es una mezcla de huapango tradicional con toques de pop, y habla sobre las relaciones humanas y cómo la gente puede fingir ser algo que no son para atraer a otros. La colaboración con Kordelya es otra muestra del eclecticismo musical de Madero, demostrando su habilidad para adaptarse a diferentes géneros y crear algo fresco y original en cada colaboración.
José Esparza – “Yo Si Me Veía Contigo” (2023)
Este año, José Madero sorprendió a todos sus seguidores con su colaboración con el cantante y compositor estadounidense de música regional José Esparza. La canción “Yo sí me veía contigo” es una canción de mariachi original del propio Esparza, y Madero, en su primer acercamiento al género regional mexicano, logra complementar perfectamente el estilo musical con su voz y su interpretación. La letra de la canción, que habla de un amor pasado, es conmovedora y emotiva.
BONUS: Grupo Pesado – “Ojala que te mueras” (2017)
En 2017, Madero tuvo una colaboración sorpresiva con el reconocido grupo de música norteña Grupo Pesado. Durante el festival Machaca en Monterrey, Madero apareció en el escenario para interpretar en vivo la canción “Ojalá que te mueras”. Aunque esta colaboración fue una sorpresa para los fans de ambos artistas, la interpretación en vivo no fue la mejor.
All Time Low, la banda de pop punk originaria de Baltimore, Maryland, está a punto de desatar su energía en México, en una serie de conciertos que prometen ser inolvidables para sus fanáticos en el país.
Foto: facebook.com/alltimelow
Prepárense para una explosión de energía y melodías pegajosas, porque All Time Low está a punto de desembarcar en tierras mexicanas. Esta aclamada banda de pop punk, originaria de Baltimore, Maryland, ha dejado una huella indeleble en la escena musical desde su formación en 2003. Ahora, tras una larga espera, los fanáticos mexicanos podrán deleitarse con su música en una serie de esperados conciertos en diferentes ciudades del país.
All Time Low ha construido una base de seguidores leales en todo el mundo, gracias a su estilo inconfundible y sus letras honestas y emocionales. Con una trayectoria de más de dos décadas, la banda ha logrado consolidarse como una de las principales exponentes del género, conquistando corazones y escenarios alrededor del globo. Ahora, México se prepara para recibir la arrolladora energía de All Time Low, mientras los fanáticos esperan ansiosos para cantar a todo pulmón sus himnos contagiosos.
A continuación te dejamos 10 datos que tal vez no conocías de la banda:
1. All Time Low se formó en 2003, mientras que los miembros de la banda aún estaban en secundaria y comenzaron tocando canciones de Green Day y Blink-182, banda con la que colaboraron más tarde en su carrera.
2. La banda obtuvo el nombre “All Time Low” por la canción “Head On Collision”, segundo sencillo del tercer álbum de estudio de New Found Glory, “Sticks and Stones” lanzado en 2002.
3. En 2004, firmaron con el sello discográfico Emerald Moon Records, y lanzaron su primer EP “The Three Words to Remember In Dealing With the End”. El vocalista Alex Gaskarth ha declarado que las “tres palabras para recordar” a las que se hace referencia en el título son “All Time Low” y “I love you”.
4. A finales de 2006, la banda realizó un showcase para John Janick, el fundador del sello discográfico Fueled by Ramen; sin embargo, no fueron firmados por el sello debido a que ya habían firmado a la banda Cute Is What We Aim For, por lo que no estaban en condiciones de contratar a otra banda en ese momento. Antes de graduarse de la preparatoria en ese mismo año, firmaron con Hopeless Records y re-grabaron las canciones de su álbum debut e incluyeron dos canciones nuevas en su EP “Put Up or Shut Up”.
5. El bajista Zack Merrick apareció una vez en un programa de citas de MTV llamado “Exposed”. Zack Merrick estaba pasando el rato en la playa cuando vio al azar un puesto de inscripción para participar en el programa. Se inscribió con un amigo como una broma, pero ambos terminaron siendo elegidos para estar en el programa.
6.- En 2008, All Time Low fue parte del Punk Goes Crunk, séptimo álbum recopilatorio en la serie Punk Goes… creada por el sello Fearless Records. La banda participó con su cover de “Umbrella”, tema que apareció en el tercer álbum de estudio de la cantante Rihanna.
7. En 2019, para conmemorar el décimo aniversario de su tercer álbum de estudio “Nothing Personal”, la banda regrabó el álbum en vivo y lo renombró “It’s Still Nothing Personal: A Ten Year Tribute”. El lanzamiento fue acompañado por documental de 45 minutos grabado en los Red Bull Studios en Los Ángeles, California donde la banda cuenta la historia detrás del álbum.
8. En 2010, participaron en el soundtrack de la película “Alice in Wonderland” de Tim Burton junto a otras bandas y artistas como Avril Lavigne, The All American Rejects, Plain White T’s, Motion City Soundtrack, Mark Hoppus y Pete Wentz, Robert Smith, entre otros. La banda participó con su canción “Painting Flowers”.
9. Originalmente, Pierre Bouvier y Chuck Comeau de Simple Plan escribieron la canción “Time Bomb”; sin embargo, durante el proceso de escritura la consideraron más como una “canción de All Time Low” y permitieron que la banda tuviera la canción. A cambio, Alex Gaskarth participó en la canción “Freaking Me Out” del cuarto álbum de los canadienses “Get Your Heart On!”.
10. En enero de 2021, su canción “Dear Maria, Count Me In”se volvió viral en TikTok y también apareció en la lista de reproducción “Viral Hits” de Spotify . La canción ganó un gran impulso en la aplicación cuando un usuario publicó un video de sí mismo escuchando la canción en el auto y declarando: “¡Mamá, nunca fue una fase, es un estilo de vida!” Esto inició la tendencia viral de “no es una fase”, que vio a los usuarios citar la línea mientras escuchaban “Dear Maria, Count Me In”para enfatizar su continuo aprecio por el pop punk y el emo pop de la década de 2000.
All Time Low se presentará en la Ciudad de México el próximo 22 de junio en el Pepsi Center WTC junto a Mayday Parade.
La próxima edición del Hell and Heaven Metal Fest está a la vuelta de la esquina y las expectativas están muy altas para la edición de este año que se realizará en el mes de noviembre.
Foto: Alex Soto
El Hell & Heaven Metal Fest 2023 se acerca y las expectativas por el cartel completo de artistas que estarán presentes este año son cada vez mayores. La edición del 2022 fue un rotundo éxito y dejó a los fanáticos con ganas de más, por lo que la organización del festival ha decidido adelantar algunas bandas que ya han sido confirmadas.
Entre los nombres que ya se han revelado se encuentran Amon Amarth, Emperor, Ill Niño, Vreid, Metal Church, Batushka y GBH. No obstante, la lista aún no está completa y los headliners siguen siendo una sorpresa. Además de estas bandas, hay algunas que nos gustaría ver en el Hell and Heaven Metal Fest 2023 y que podrían hacer de este festival una experiencia aún más completa.
Aún quedan muchas sorpresas por revelar, por lo que los fans del festival han comenzado a hacer sus apuestas sobre qué bandas podrían unirse al lineup de este año.
Aquí te presentamos una lista de las 10 bandas que nos gustaría ver en el festival:
– Avenged Sevenfold
Avenged Sevenfold es una de las bandas que nos gustaría ver en el Hell & Heaven Metal Fest 2023. Con su nuevo álbum a punto de ser lanzado, el festival podría ser el marco perfecto para su regreso a México después de nueve años desde su último concierto en la CDMX.
– Rancid
Rancid es otra de las bandas que nos encantaría ver en el Hell & Heaven Metal Fest 2023. Después de su visita en 2017 y la cancelación del festival Domination de 2020, sería genial verlos de vuelta en México presentando su nuevo álbum “Tomorrow Never Comes”.
– Sum 41
Sum 41 es una de ellas. La banda canadiense tenía previsto tocar en el Foro Indie Rocks antes de su presentación en el festival en 2020, pero debido a la pandemia de Covid-19, el concierto fue cancelado. Una presentación en el Hell & Heaven Metal Fest sería una oportunidad perfecta para que Sum 41 se reivindique con sus fans mexicanos.
– Anti-Flag
Anti-Flag es otra de las bandas que nos gustaría ver en el festival. Han pasado cuatro años desde su última visita a México y acaban de lanzar su nuevo álbum “Lies They Tell Our Children”.
– Pennywise
Pennywise se suma a la lista bandas que nos gustaría ver de vuelta en México, después de siete años de su última visita. El Hell & Heaven Metal Fest podría ser el escenario perfecto para su regreso y celebrar su 35 aniversario.
– Flogging Molly
Otra banda que nos encantaría ver es Flogging Molly, la banda irlandesa-estadounidense de punk celta podría regresar con su nuevo álbum “Anthem”, lanzado el año pasado. A cinco años de su primera visita a México, estamos seguros de que el público mexicano recibiría con los brazos abiertos su música y su energía en el escenario.
– Fever 333
El proyecto liderado por Jason Aalon Butler es otra de las bandas que nos encantaría ver en México. Por diferentes circunstancias, su debut en México se ha retrasado, por lo que el Hell & Heaven Metal Fest podría ser el momento perfecto para que se presenten en nuestro país.
– Hot Water Music
Hot Water Music es una banda que nunca ha visitado México, por lo que sería emocionante verlos en el Hell & Heaven Metal Fest 2023 presentando su nuevo álbum “Feel the Void”.
– Bad Omens
Bad Omens también es una banda que podríamos ver debutar en México durante el festival. La banda estadounidense de Richmond, Virginia, podría presentar su nuevo álbum “The Death of Peace of Mind” y hacer una presentación que será recordada por mucho tiempo.
– AFI
AFIcierra nuestra lista de deseos. Con 9 años desde su último concierto en México y el 20 aniversario del lanzamiento de su álbum “Sing the Sorrow”, su regreso sería una oportunidad perfecta para celebrar y disfrutar de su música.
En definitiva, el Hell & Heaven Metal Fest 2023 promete ser una de las ediciones más emocionantes hasta la fecha, con un cartel que promete más de 100 bandas y la posibilidad de ver a algunas de las bandas más representativas del punk rock y el metal en vivo. ¿Cuáles serán las próximas confirmaciones? Solo el tiempo lo dirá, pero mientras tanto, soñamos con ver a estas 10 bandas en el escenario del Foro Pegaso en noviembre de este año.
![FEVER 333 - BURN IT [OFFICIAL VIDEO]](https://i.ytimg.com/vi/HuNLJuSUDqo/hqdefault.jpg)
