Año nuevo, sonidos nuevos: 10 bandas mexicanas a seguir en 2024

El año 2023 ha llegado a su fin, pero en el ámbito musical, las luces continúan brillando, apuntando hacia el horizonte futuro.


Aunque el telón ha caído sobre el 2023, la escena musical mexicana ya está enfocada en el porvenir, anticipando lo que nos depara en este nuevo año. Con la rica diversidad de estilos que caracteriza a esta escena, hemos seleccionado diez bandas emergentes que prometen cautivar nuestros oídos y conquistar el panorama musical en el 2024.

Gracias a una mezcla de sonidos frescos, letras cautivadoras y la pasión de músicos comprometidos, el 2024 se vislumbra como una página en blanco, lista para ser llenada con los acordes y las historias de estas bandas mexicanas que, sin duda, conquistarán nuestros oídos.

En este contexto, resaltamos diez bandas emergentes que no les debes perder la pista en este nuevo año:

1.- 13 ANCLAS

Con apenas un año en el escenario, la banda capitalina 13 Anclas está preparada para zarpar con su EP debut, “Los Últimos en Morir”. Fusionando influencias que van desde el punk rock clásico hasta el oi!, el psychobilly y el espíritu crudo de la calle, este cuarteto de amigos promete una travesía musical audaz. Su sencillo “Adiós Los Sueños” ya anticipa la fuerza que traen consigo.

2. -BUDDHA!

Con raíces plantadas en 2018, BUDDHA! es una banda de punk rock melódico que ha forjado su camino a través de la amistad y una diversidad de influencias. Inspirados por NOFX, Millencolin, No Use For A Name y Lagwagon, este cuarteto trabaja actualmente en su primer material de estudio bajo la producción de Cesar “Kar” Cossio, líder y guitarrista de Insite.

3.- LYVONIA

El rugir de la escena musical emergente se hace presente con Lyvonia, la banda oriunda de Martínez de la Torre, Veracruz. Después de un arduo trabajo durante el 2023, este grupo influenciado por el hardcore, post hardcore y math rock se prepara para escalar aún más alto en el 2024. Lyvonia es, sin duda, una de las propuestas más sólidas y emocionantes que México tiene para ofrecer.

4.- DVAL

Debutando a mediados del 2023, DVAL ha captado la atención con sus sencillos “Póker de Corazones”, “¿Felices para Siempre?” y “Red3s”. Integrada por miembros y exintegrantes de bandas como Save Atlantis, NUNO y Fuimos Héroes, esta banda de pop punk llegó para quedarse, ofreciendo una propuesta fresca que vale la pena seguir de cerca.

5.- MONDE

Entre lanzamientos y colaboraciones destacadas, MONDE se erige como uno de los proyectos más trabajados del 2023. Originario de Aguascalientes, este músico ha dejado una marca única fusionando Trap, Emo y Metal. Con colaboraciones con músicos reconocidos como KAKTOV, 4 y Medio, y Barney Gombo, MONDE promete seguir posicionándose como uno de los proyectos más prometedores del panorama musical mexicano en el 2024.

6.- Proyecto Soledad

Proyecto Soledad, oriundos de Morelia, Michoacán, cerraron el 2023 con el lanzamiento de su primer álbum de larga duración. Integrada por Juan Luis Pérez, Gilberto del Campo y Herman Estrada, la banda fusiona géneros en un álbum conceptual que invita a reflexionar sobre la decadencia existencial y el inevitable enfrentamiento con el pasado. Con una propuesta fresca y ecléctica, Proyecto Soledad se consolida como una de las bandas a seguir en este nuevo año.

7.- Diezell

Desde su surgimiento, Diezell ha enfrentado comparaciones inevitables con Pxndx, pero con el lanzamiento de su álbum debut “Caótico”, la banda regiomontana está lista para brillar con luz propia en todo el país durante el 2024. Originarios de Monterrey, la banda está destinada a resonar desde los confines del norte hasta el sur del país, consolidando su lugar en la escena musical con su sonido distintivo.

8.- Niñoz Perdidoz

Tras un 2023 en el que Ricardo Sandoval, también conocido como Richo the Lost Boy, revitalizó su proyecto Niñoz Perdidoz con los sencillos “Superman” y “Ella (es mi héroe)”, la banda promete seguir conquistando corazones con su lírica sencilla y su inconfundible sonido pop punk nostálgico. Un viaje musical que vale la pena emprender durante el 2024.

9.- Jay Feckless

El 2023 marcó el nacimiento de Jay Feckless, liderado por Jorge Angulo, músico y compositor con más de 15 años de carrera. Influenciado por artistas que van desde José Madero hasta Dashboard Confessional, Angulo se prepara para el lanzamiento de su primer EP, “De block de notas y notas de voz”. Con sencillos como “No Se Tú”, “Ojos Claros” y “Esto Va A Mejorar”, Jay Feckless se presenta como un proyecto maduro que marcará pauta en 2024.

10.- Pedro y El Lobo

Surgiendo en plena pandemia, el dúo capitalino Pedro y El Lobo, conformado por Pedro Regalado Pulido y Pablo Garay Regalado, trae consigo la esencia del pop punk de los 2000s. Tras un 2023 lleno de lanzamientos, el 2024 se perfila como un año crucial para la banda, que promete continuar su ascenso en la escena musical nacional.

Mantén tus oídos atentos, porque estas bandas mexicanas emergentes están listas para definir el sonido del 2024.

2024: 10 bandas que nos gustaría ver en México y Sudamérica

Explorando las expectativas: ¿Qué bandas nos gustaría ver en México y Sudamérica el próximo año?.


El telón ha caído sobre el escenario del 2023, dejando tras de sí una estela de emociones y memorias musicales que resonarán en la memoria de los fans latinoamericanos. Pero, como suele suceder en el mundo del espectáculo, la atención ahora se dirige hacia el futuro, y las expectativas para el 2024 ya han alcanzado niveles eufóricos con la confirmación de visitas de algunas de las bandas más icónicas del panorama internacional.

En un 2024 que promete superar todas las expectativas, México y Sudamérica se preparan para recibir a una serie de bandas y artistas que prometen transformar cada concierto en una experiencia inolvidable. Entre las confirmaciones más destacadas hasta el momento se encuentran nombres que abarcan décadas de influencia musical, desde el regreso de Underoath hasta la primera visita de Bikini Kill, pasando por leyendas como Bad Religion y el regreso triunfal de blink-182, Sum 41 y The Offspring.

Aquí presentamos las 10 bandas que esperamos ver en el 2024 por la región, desde despedidas épicas hasta regresos triunfales: 

1.- NOFX

La noticia de la última gira mundial de la banda liderada por Fat Mike, ha dejado a sus seguidores con el corazón en la mano. Después de más de 40 años de trayectoria, la banda podría hacer una parada en México y algunos países de Sudamérica, ofreciendo a sus fans la oportunidad de presenciar sus últimas actuaciones en vivo. Sería el adiós de una leyenda, un momento que ningún verdadero amante del punk querría perderse.

2.- GREEN DAY

El trío californiano, Green Day, regresa con un nuevo álbum titulado “Savious”. Tras su anunciada gira por Norteamérica y Europa, la pregunta flota en el aire: ¿será México y Sudamérica la próxima parada para presentar las nuevas melodías que marcarán una generación? Los seguidores latinoamericanos esperan ansiosos una respuesta afirmativa.

3.- BRING ME THE HORIZON

Después de su arrolladora visita al Palacio de los Deportes en la Ciudad de México en 2022, los rumores apuntan a que el cuarteto británico liderado por Oliver Sykes regresará en 2024, posiblemente como parte de una gira por Latinoamérica. La pregunta persiste: ¿qué sorpresas nos tienen preparadas en su siguiente paso por la región?

4.- BAD OMENS

Tras su debut en México en 2023 como parte del festival Hell & Heaven Open Air, Bad Omens podría regresar para una serie de conciertos propios en Latinoamérica. Con su poderoso metalcore y una actuación que dejó a los fans con ganas de más, la banda estadounidense podría estar preparando su regreso triunfal a nuestros escenarios.

5.- RANCID

El 2024 marcará el séptimo aniversario desde la última visita de Rancid a México durante el Vive Latino 2017. Con su recién estrenado álbum “Tomorrow Never Comes”, la banda liderada por Tim Armstrong, Matt Freeman, Lars Frederiksen y Branden Steineckert podría regresar a México y Latinoamérica. Además, teniendo en cuenta su próxima gira junto a Green Day por Norteamérica, el próximo año promete ser un festín para los fanáticos del punk.

6.- ALKALINE TRIO

El trío liderado por Matt Skiba, Dan Andriano y el recién llegado Atom Willard, Alkaline Trio, nunca ha iluminado los escenarios mexicanos. El lanzamiento de su próximo álbum, “Blood, Hair And Eyeballs”, podría ser el pretexto perfecto para que la banda finalmente realice su tan esperada visita a México y su regreso a Sudamérica.

7.- FALL OUT BOY

Tras cinco años de silencio, Fall Out Boy ha vuelto con su nuevo álbum “So Much (For) Stardust”, desatando una gira fenomenal en los Estados Unidos y Europa. La pregunta que se encuentra en el aire es: ¿podremos ver a Patrick Stump y compañía en vivo en México y Sudamérica el próximo año? Las expectativas están en alza para que esta banda ilumine los escenarios de la región.

8.- NECK DEEP

El 2024 se presenta prometedor para Neck Deep, la banda galesa que se embarcará en una gira por Estados Unidos y Europa con el lanzamiento de su nuevo álbum homónimo. ¿Será este el año en que finalmente se presenten por primera vez en México y Sudamérica? El entusiasmo de los fans latinoamericanos está en su punto más alto, haciendo de Neck Deep una de las bandas más esperadas de los últimos años.

9.- THE GASLIGHT ANTHEM

El cuarteto oriundo de New Jersey, The Gaslight Anthem, está listo para escribir un nuevo capítulo en su historia con el reciente lanzamiento de “History Books”. Aunque aún no han explorado los escenarios mexicanos y sudamericanos, las vibraciones de su nuevo álbum podrían llevarlos a estas tierras en el próximo año.

10.- YELLOWCARD

El 2023 marcó oficialmente el regreso de Yellowcard con su EP “Childhood Eyes”. Con este nuevo capítulo, liderado por William Ryan Key, surge la posibilidad de que la banda realice una parada en México y Sudamérica como parte de su retorno triunfal. Los fans esperan con ansias la oportunidad de revivir los clásicos y descubrir nuevas joyas musicales de la mano de Yellowcard.

El 2024 se perfila como un año lleno de promesas musicales, y aunque solo el tiempo dirá qué bandas cruzarán las fronteras, no podemos evitar emocionarnos con la idea de ver a estos artistas en vivo, llevando sus vibraciones a cada rincón de México y Sudamérica.

Ciao Giallo: La redención de José Madero

Con una trayectoria marcada por controversias y desafíos, José Madero ha emprendido un viaje de redención que, sin duda, está resonando en acordes de éxito y aceptación.

Foto: facebook.com/maderovizcainojose

En la música, pocos nombres generan tanta controversia como José Madero. En el universo musical, los caminos de la redención son sinuosos y a menudo encumbrados, pero para el exvocalista de Pxndx, estos senderos parecen haberse convertido en el cimiento sólido de su resurgimiento artístico. A lo largo de más de dos décadas, Madero ha transitado por valles de polémicas y cimas de éxitos, pero en los últimos años, su narrativa ha tomado un giro inesperado hacia la madurez y la aceptación por parte del público.

El viaje de José Madero como solista ha sido una travesía de reinvención constante, y su más reciente álbum, “Giallo”, ha sido el catalizador de un renacimiento que ha capturado la atención de críticos y seguidores por igual. Es innegable que Madero ha enfrentado desafíos, desde los problemas relacionados con los plagios con su ex banda hasta el incidente en la firma de autógrafos que lo pusieron en el ojo del huracán mediático. Sin embargo, en lugar de dejarse definir por los errores del pasado, ha optado por escribir un nuevo capítulo, donde la música y la madurez ocupan roles principales, eclipsando las críticas que, hasta el momento, habían caracterizado su carrera.

El reciente logro de agotar las entradas para dos fechas consecutivas en el Auditorio Nacional es un testimonio palpable de este renacimiento. No solo logró un sold out cinco meses antes del concierto, sino que durante esas noches, desplegó un repertorio diverso que abarcó desde su más reciente creación hasta nostálgicos éxitos de Pxndx. Interpretar “Narcisista Por Excelencia” en conmemoración del décimo séptimo aniversario de su primera presentación en el Auditorio Nacional es un claro indicio de que Madero no teme enfrentarse a su propia historia.

Foto: facebook.com/maderovizcainojose

Las numerosas entrevistas que el músico ha ofrecido desde su etapa solista han sido otra herramienta con la que Madero ha construido puentes hacia una nueva percepción pública. En estas conversaciones, se vislumbra a un José Madero más reflexivo, aprendido de sus errores y comprometido con la evolución personal y artística. Es un artista que ha dejado atrás las sombras del pasado para concentrarse en un presente y futuro que parecen prometedores.

El público, alguna vez crítico y escéptico, ha empezado a prestar atención a la propuesta artística de Madero. Su destacada participación en festivales musicales, donde superó a bandas icónicas, es evidencia de que su música ha logrado prevalecer sobre los prejuicios iniciales. Basta con comparar el recibimiento que tenía hace unos años en redes sociales o en sus presentaciones en vivo, con comentarios y reacciones negativas frente al anuncio de sus próximos shows, con las de ahora llenas de halagos, emoción y una recepción mucho más positiva que la que tenía hasta hace poco.

En este punto, los seguidores de Madero y los críticos deben plantearse una pregunta intrigante: ¿necesita realmente el músico un regreso de Pxndx para validar su éxito, o está a punto de alcanzar nuevas alturas como solista? El sold out en el Auditorio Nacional, la anticipación por su próximo álbum; aún sin nombre ni fecha de lanzamiento; y su próxima presentación en el festival Vive Latino 2024 revelan un futuro lleno de posibilidades para un José Madero que ha dejado atrás los estigmas y se erige como una figura destacada en la escena musical mexicana.

En este capítulo de la historia musical de José Madero, sus seguidores se encuentran en la encrucijada de valorar no solo su pasado, sino también el presente y el futuro que él construye. La redención de Madero no solo yace en la superación de los errores pasados, sino en la creación de una nueva narrativa, una sin las sombras del escándalo, donde la música resuena con fuerza y la controversia queda en segundo plano.

Enter Shikari en México: 10 Datos que posiblemente no conocías

Enter Shikari, una banda británica que ha desafiado convenciones y fusionando géneros musicales como el post-hardcore, el electrónicore y el rock alternativo desde su formación en el año 2003.

Foto: facebook.com/entershikari/

En el siempre vibrante y enérgico universo del metalcore y el post-hardcore, pocas bandas han logrado alcanzar la prominencia y la admiración que ha recibido Enter Shikari a lo largo de los años.

Este cuarteto británico, compuesto por los talentosos músicos Chris Batten, Rou Reynolds, Rob Rolfe y Rory Clewlow, ha trascendido las barreras de los géneros musicales con su atrevida fusión de elementos electrónicos, letras cargadas de significado y una potencia sonora capaz de sacudir los cimientos de cualquier recinto.

Con su próxima visita a México en el horizonte, es el momento perfecto para adentrarnos en el fascinante mundo de Enter Shikari y descubrir 10 datos sobre la banda que posiblemente desconocías.

1. El Origen de Shikari:

Antes de convertirse en Enter Shikari, la banda se llamaba Hybryd. El nombre Shikari proviene del hindú y significa “cazador”. Esta elección se inspiró en un barco propiedad del tío de Rou Reynolds, líder de la banda.

2. Sello Discográfico Propio:

Enter Shikari no solo crea música revolucionaria, sino que también se encarga de su distribución. La banda fundó su propio sello discográfico, Ambush Reality, aunque han trabajado con sellos importantes para llegar a audiencias globales.

3. Mensajes Políticos:

Las letras de Enter Shikari abordan temas políticos, desde el cambio climático hasta la presidencia de Donald Trump y la privatización del Servicio Nacional de Salud del Reino Unido. También exploran cuestiones personales como la ansiedad y la autocompasión.

4. Shikari Sound System:

En 2013, la banda presentó un proyecto paralelo llamado Shikari Sound System, donde exploraron un enfoque más orientado a la música electrónica en vivo.

5. Dear Future Historians:

El líder de la banda, Rou Reynolds, lanzó un libro titulado “Dear Future Historians”, que ofrece un análisis lírico canción por canción de su trabajo, acompañado de fotografías.

6. Patrocinio Deportivo:

En un gesto admirable, Enter Shikari se convirtió en el patrocinador principal del St Albans City Football Club, equipo de fútbol con sede en St Albans, Hertfordshire, Inglaterra. Fue fundado en 1908 y juega sus partidos en casa en Clarence Park, a unos 800 metros del centro de la ciudad. El club actualmente compite en la Liga Nacional Sur (anteriormente conocida como Conferencia Sur), el sexto nivel del fútbol inglés.

7. Headliner Spaces:

En agosto de 2023, se anunció que Enter Shikari había establecido una colaboración con The Pioneer Club, el lugar donde dieron sus primeros conciertos, así como con Headliner Group, una empresa de medios de música y tecnología, con el propósito de crear Headliner Spaces. Esta iniciativa tiene dos objetivos principales: revitalizar The Pioneer Club como un destino dentro del circuito turístico y expandir su impacto en la comunidad.

8. Géneros Diversos:

El estilo musical de Enter Shikari abarca una amplia gama de géneros, desde post-hardcore hasta música electrónica, drum and bass, y más.

9. La Canción Más Corta:

Enter Shikari tiene una canción que dura solo 18 segundos, llamada ‘Interlude 3’, que aparece en su álbum debut, ‘Take To The Skies’.

10. Sold Out en el London Astoria:

En 2006, Enter Shikari se convirtió en la segunda banda sin contrato en agotar las entradas del London Astoria, un logro impresionante compartido solo con The Darkness.

La llegada de Enter Shikari a México, para promocionar “A Kiss for the Whole World” los próximos 29 y 30 de septiembre en Guadalajara y Ciudad de México, respectivamente, representa una oportunidad única para disfrutar de la potente y electrizante propuesta musical de esta banda británica.

Cuestionando el nacionalismo divino: La historia detrás de ‘American Jesus’ de Bad Religion”

“American Jesus” de Bad Religion, destaca al exponer la hipocresía y el nacionalismo en la intersección de la política y la religión en Estados Unidos.


En pleno apogeo del punk rock en los años 90, Bad Religion sobresalió como una voz valiente y crítica que se atrevió a desafiar las creencias y valores profundamente arraigados en la sociedad. A través de su canción “American Jesus”, la banda se erige como un valiente intento de poner en tela de juicio la actitud altiva del nacionalismo y la creencia en una supuesta bendición divina sobre Estados Unidos. Más allá de su música llena de energía y letras incisivas, esta canción proporciona una perspectiva crítica sobre la interconexión entre la religión, la política y la imagen que la nación tiene de sí misma.

La canción, lanzada en 1993 como parte del álbum “Recipe for Hate”, se erige como una respuesta directa al exabrupto del presidente estadounidense George Herbert Walker Bush durante la Guerra del Golfo. La afirmación audaz de Bush, declarando que Estados Unidos prevalecería debido a que Dios estaba de su lado, sirvió como catalizador para el proceso creativo detrás de “American Jesus”. Los miembros de Bad Religion, en especial el cantante principal Greg Graffin y el guitarrista Brett Gurewitz, vieron en esta afirmación una mezcla peligrosa entre religión y política, una fusión que siempre ha sido motivo de desconfianza.

Como banda, Bad Religion se ha caracterizado por adoptar un enfoque crítico hacia las convicciones religiosas y sociales. Su nombre mismo insinúa una crítica a la forma en que la religión puede distorsionar la verdad. “American Jesus” se alinea con esta tendencia, ridiculizando la idea de que una nación esté intrínsecamente bendecida por una fuerza divina.

El video musical, filmado con presupuesto limitado y una estética sepia distintiva, refuerza visualmente las ideas subyacentes. La banda recorre las calles de Los Ángeles mientras peatones cargan cruces, un simbolismo poderoso que sugiere la ceguera colectiva ante las verdades incómodas. La imagen de Graffin caminando solo por la ciudad resalta su papel como el observador consciente en medio de una narrativa distorsionada.

La colaboración con Eddie Vedder de Pearl Jam en los coros añade una dimensión adicional a la canción, consolidando la solidaridad entre bandas de la época que compartían una actitud crítica y desafiante. Esta unión musical se convierte en un grito colectivo contra la complacencia ciega y el pensamiento dogmático.

“American Jesus” de Bad Religion se destaca como un himno punk que desafía la idea de que una nación posee algún tipo de bendición divina sobre otras. Esta canción no solo es un legado en el catálogo de la banda californiana, sino también un recordatorio atemporal de la importancia de mantener una mirada crítica y una mente abierta en un mundo marcado por la complejidad ideológica.

¿Qué fue de Luke Brodie?: Del folk punk a la innovación global

Luke Brodie, quien fue parte de una escena que dejó una marca en toda una generación en los años 2000, ahora lidera experiencias innovadoras alrededor del mundo.


El mundo de la música está lleno de historias de artistas que, a través de su pasión y dedicación, logran trascender fronteras y dejar una marca. Un claro ejemplo de esta travesía es el caso del músico y cantautor canadiense, Luke Brodie, quien, aunque tuvo una breve carrera en la escena musical mexicana, encontró un nuevo camino en el mundo empresarial, llevando consigo la creatividad y la pasión que lo caracterizaron en el escenario.

Originario de Canadá, Luke Brodie descubrió su amor por la música desde temprana edad. Sin embargo, fue su breve período en la banda de pop punk Simple Plan lo que lo motivó a seguir creando música y llevar su talento más allá de las fronteras de su país natal.

El destino lo condujo a México, donde el pop punk y el emo estaban en su apogeo durante la década de 2000. Aquí, encontró una apasionada y creativa comunidad que lo recibió con los brazos abiertos. En México, Brodie comenzó a dar forma a su estilo musical, fusionando géneros aparentemente distintos como el folk, el emo y el pop punk.

Durante su estancia en México, lanzó dos álbumes de estudio: “Luke Brodie” en 2005, con el icónico sencillo “No Te Merezco”, y “El Único Demonio” en 2008, producido por Luis Cortés, líder de Tolidos. Compartir escenario con bandas como Pxndx, Canseco, Thermo, Finde y Tolidos, hizo que se convirtiera en parte de un grupo de bandas y proyectos que contribuyeron a la escena del pop punk y emo en México.

Tras su etapa en la escena musical, Luke Brodie regresó a su país. Más allá de los reflectores de los escenarios, descubrió una nueva pasión en la enseñanza y la innovación. Su recorrido musical le otorgó la habilidad de fusionar elementos aparentemente distintos, y esta destreza la aplicó en su trabajo actual. En la actualidad, como Master Facilitator, lidera experiencias educativas vanguardistas para líderes de empresas Fortune 500 alrededor del mundo.

Además de su empleo, Luke frecuentemente comparte su habilidad para asistir a otros mediante la enseñanza de técnicas centradas en las personas. Ha ofrecido conferencias sobre diseño orientado al cambio en algunas de las principales escuelas de negocios. También forma parte del equipo en The Creative School de la Universidad Metropolitana de Toronto, donde imparte cursos sobre procesos creativos y gestión del diseño.

Aunque su música aún no está disponible en plataformas digitales, en una entrevista reciente, Brodie expresó su deseo de que sus dos álbumes lanzados puedan ser disfrutados nuevamente por sus seguidores. Luke Brodie, el músico que cruzó fronteras geográficas y musicales, fue parte de una escena que dejó una huella en toda una generación en México durante la década de 2000.

Pick It Up! Ska in the ’90s: El documental que revela el ska de los años 90

“Pick It Up!” es un documental independiente que aborda el ascenso en popularidad de la música ska en la década de 1990, a menudo referida como la tercera ola del ska.


El documental “Pick It Up! Ska in the ’90s” es un homenaje vibrante a la época musical de los años 90 que transformó el panorama sonoro. Examina la tercera ola del ska, que emergió con fuerza en esa década, dejando una marca duradera en la música. Dirigido por Taylor Morden, este fascinante largometraje nos sumerge en el corazón de este fenómeno, explorando cómo un género pasó de la oscuridad a un breve momento de fama, desde los sótanos hasta la luz del estrellato.

“Pick It Up!” no es simplemente una crónica histórica, sino una declaración de amor apasionada a la música ska y a su irresistible atractivo. La película se adentra en los orígenes del género, desde su nacimiento en Jamaica, pasando por el movimiento “two-tone” británico en los años 80, hasta llegar a su apoteósico florecimiento en los 90, cuando resonó con un ritmo contagioso en todo el mundo.

El documental se erige como un testimonio de la interconexión única entre el ska y su comunidad de seguidores. Con sus raíces en el espíritu DIY, “Pick It Up!” teje una narrativa emotiva que muestra cómo este género underground ganó fuerza y ​​cómo, por un fugaz instante, iluminó los escenarios y las ondas radiales. La película nos lleva por un viaje retrospectivo, con entrevistas exclusivas con figuras clave que dieron vida al fenómeno como The Aquabats, Big D and the Kids Table, blink-182, Desorden Público, Fishbone, Five Iron Frenzy, Goldfinger, Inspector, The Interrupters, Less Than Jake, La Maldita Vecindad, The Mighty Mighty Bosstones, No Doubt, Reel Big Fish, The Specials, Streetlight Manifesto, Sublime, The Suicide Machines, Tokyo Ska Paradise Orchestra, Voodoo Glow Skulls y muchos otros.

Narrado con maestría por Tim Armstrong de Operation Ivy y Rancid, el documental captura la autenticidad y la esencia del ska en su máximo esplendor. La película evoca el palpitar de la multitud en conciertos inolvidables, la energía frenética de las pistas de baile y la singularidad de una época en la que la música dejó de ser una experiencia pasiva para transformarse en un ritual colectivo.

El metraje se expande para abrazar una comunidad global, destacando cómo el ska se manifestó en diferentes rincones del planeta. Desde la entrañable nostalgia de bandas británicas hasta el alegre caos de las agrupaciones latinoamericanas, el documental revela la manera en que el ska trascendió fronteras culturales y lingüísticas para unir a personas bajo un mismo ritmo contagioso.

El director Taylor Morden, quien recaudó fondos a través de Kickstarter, logra capturar la esencia de la tercera ola del ska y su influencia perdurable en la escena musical contemporánea. A pesar de que su resplandor en las listas de éxitos y en los medios de comunicación ha disminuido, “Pick It Up!” demuestra que el espíritu de esta ola sigue vibrando en los corazones de los fieles seguidores y en la música que continúa siendo su legado.

“Pick It Up! Ska in the ’90s” no es simplemente un documental, es un portal hacia una época en la que el ska resonó con una intensidad única.

La historia detrás de la foto entre Ricky Muñoz y Gerard Way de My Chemical Romance

Un encuentro inesperado que tomó por sorpresa a los seguidores de Intocable y My Chemical Romance nos brindó una historia entre dos músicos de géneros diferentes.

Foto: https://twitter.com/grupointocable

En el mundo de la música, los encuentros inesperados entre artistas de distintos géneros siempre han dado lugar a momentos mágicos e inolvidables. Así ocurrió en 2013, cuando Ricky Muñoz, líder de la banda de música texana Intocable, y Gerard Way, vocalista de My Chemical Romance, se cruzaron en un estudio de grabación, dejando a sus seguidores asombrados y llenos de emoción.

El encuentro entre estos dos músicos que parecen ser muy diferentes comenzó en el reconocido estudio de grabación Sonic Ranch, situado en el pueblo de Tornillo, Texas. Fue allí donde las carreras de Ricky Muñoz y Gerard Way se encontraron de forma sorprendente, creando una historia que sorprendería a los seguidores de ambos grupos.

La historia detrás de este encuentro singular agrega un toque de cercanía y humanidad. En una entrevista con los comediantes Franco Escamilla y La Mole, Ricky Muñoz compartió cómo este inusual encuentro se originó a partir del amor de su hijo menor por la música de My Chemical Romance. Con la separación de la banda de Way, la noticia resonó en los corazones de los fanáticos y también en el de Ricky, quien, por una especie de corazonada, presentía que algo especial estaba por suceder.

El destino intervino cuando un representante de Sonic Ranch informó al líder de Intocable sobre la visita del vocalista de My Chemical Romance al estudio. El representante mencionó: “Mañana vendrá un chavito que acaba de dejar un grupo”, a lo que Ricky, con una intuición única, respondió emocionado: “¿No me digas que se llama Gerard Way?”. La sorpresa y conexión compartidas en ese instante solo adelantaron lo que estaba por suceder.

Al día siguiente, el estudio de grabación se convirtió en el escenario de este memorable encuentro. Gerard Way recibió a Ricky Muñoz y a su hijo con una amabilidad que trascendía las diferencias musicales y generacionales. Juntos, compartieron momentos de música, intercambiaron experiencias y, lo más importante, construyeron un vínculo basado en el respeto mutuo y la pasión por la creación artística.

Ricky Muñoz recordó con cariño cómo Gerard Way les enseño algunas de las canciones en las que estaba trabajando, creando un ambiente de amistad y empatía. El gesto de Way hacia el hijo de Ricky, atendiéndolo con genuino interés, dejó una huella imborrable en la memoria de ambos músicos y reforzó la idea de que, en el mundo de la música, las barreras pueden caerse para dar paso a conexiones auténticas.

One Nine Nine Four: El documental que revive la época dorada del punk rock

One Nine Nine Four presenta a los artistas, sellos discográficos, managers y productores que fueron piezas fundamentales en el éxito del punk rock en los años 90.


En un apasionante viaje a través del tiempo, el documental “One Nine Nine Four” dirigido por Jai Al-Attas, sumerge a los espectadores en la efervescente escena del punk rock durante los años 90. Esta producción de Robot Academy Films captura el nacimiento, crecimiento y trascendencia de un género musical que marcó una época y redefinió la música alternativa.

La película, narrada por el icónico Tony Hawk, presenta una combinación perfecta de entrevistas reveladoras y valioso material de archivo que transporta a los espectadores a los momentos clave de esta inolvidable era. “One Nine Nine Four” cuenta con testimonios de importantes figuras del punk rock como Fat Mike de NOFX, Billie Joe Armstrong de Green Day, Dexter Holland de The Offspring, Greg Graffin y Brett Gurewitz de Bad Religion, Tim Armstrong, Matt Freeman y Lars Fredriksen de Rancid, Mark Hoppus y Tom DeLonge de blink-182, Joey Cape de Lagwagon, Fletcher Dragge de Pennywise, Tony Sly de No Use for a Name, Joe Escalante de The Vandals y Kung Fu Records, entre otros.

El documental rinde homenaje a un período crucial en la historia del punk rock. En 1994, mientras el movimiento grunge enfrentaba la trágica pérdida de Kurt Cobain, una nueva ola de bandas emergió con fuerza. Green Day lanzó su álbum “Dookie”, que se convertiría en un éxito masivo vendiendo más de 19 millones de copias en todo el mundo. Simultáneamente, NOFX y Bad Religion lanzaban “Punk In Drublic” y “Stranger Than Fiction”, respectivamente. Por su parte, The Offspring, una banda relativamente desconocida de California, lanzaba “Smash”, convirtiéndose en el álbum independiente más vendido en la historia del sello Epitaph Records.

Este período marcó el renacimiento y la expansión del punk rock a nivel mundial. Bandas como Green Day, The Offspring, Rancid, Bad Religion, NOFX, Pennywise y blink-182, lideraron la vanguardia del género y llevaron su música a nuevas audiencias. Desde el resurgimiento de la escena punk en East Bay hasta el movimiento de surf y skate en el sur de California, “One Nine Nine Four” abarca todas las facetas de esta explosiva época.

El documental presenta a los artistas, sellos discográficos, managers y productores que fueron piezas fundamentales en el éxito del punk rock en los años 90. Sus historias y testimonios revelan la pasión, la energía y el espíritu innovador que impulsaron a este género musical a la cima de la industria.

Con su enfoque detallado y su narración envolvente, “One Nine Nine Four” se convierte en una obra indispensable para los amantes del punk rock y para aquellos que deseen comprender mejor su impacto cultural. El documental nos transporta a una época en la que el punk rock se alzó como una fuerza dominante en la escena musical, dejando un legado imborrable que aún resuena en la actualidad.

“One Nine Nine Four” es una ventana al pasado que nos permite revivir la energía, la rebeldía y la pasión que definió una década y que continúa influyendo en la música y la cultura contemporánea.

Mira el documental a continuación:

La versatilidad musical de José Madero: Un recorrido por sus colaboraciones

José Madero ha dejado huella en la escena musical, demostrando una gran versatilidad al colaborar con diversos músicos y géneros musicales.

Foto: facebook.com/maderovizcainojose / @bouqueh

José Madero Vizcaíno es una figura destacada del rock en México y ha dejado una huella imborrable en la escena musical nacional. Su participación en la emblemática banda Pxndx, así como su destacada carrera como solista, lo han consolidado como una de las voces más importantes del país. Además, su versatilidad para colaborar con artistas de diferentes géneros y nacionalidades ha contribuido a su éxito.

José ha trabajado con bandas de punk rock, rock alternativo, pop, cumbia y hasta regional mexicano, demostrando su habilidad para adaptarse a diferentes estilos y fusionarlos para crear algo nuevo y distintivo. Su carrera como solista ha sido un testimonio de su valentía para explorar nuevos sonidos y experimentar con diferentes géneros.

A pesar de su éxito y reconocimiento en la escena musical, a José Madero no lo consideran un artista muy querido, siendo etiquetado por muchos como un personaje polémico y controversial. Algunos lo consideran un genio musical, mientras que otros lo ven como alguien arrogante.

No obstante, su habilidad para colaborar con diversos músicos llevado a José a explorar y experimentar en distintos géneros musicales, demostrando su versatilidad como músico, productor y compositor. Desde sus primeras colaboraciones con bandas como Tolidos y Doble Dos, hasta su más reciente incursión en el regional mexicano con el sencillo “Yo si me veía contigo” de José Esparza, ha dejado claro que su talento y habilidades van más allá de un solo género musical.

En este artículo, exploráremos las colaboraciones de José Madero con otros músicos y géneros musicales.

Tolidos – “Melancolidos” – (2003)

La primera colaboración de José Madero se remonta al año 2003, cuando apareció en el último verso de la canción “Melancolidos” del álbum debut de la banda Tolidos titulado “Te Amo… Me Odias”. Esta colaboración fue el inicio de una larga lista de proyectos en los que ha participado el músico.

Doble Dos – “Tu amiga” (2004)

En el año 2004, Madero participó en la canción “Tu Amiga” de la banda regiomontana liderada por Alex Puya llamada Doble Dos. La canción formó parte del primer demo de la banda titulado “Todo empezó contigo”, que fue grabado en el home studio de Jorge Vázquez, mejor conocido como Kross, baterista de Pxndx.

Gold Stars – “Amigo Bronco” – Junto a Luis Cortés (Tolidos) y José Guadalupe Esparza (Bronco) (2007)

En el año 2007, como parte del Tributo a la agrupación de música regional mexicana Bronco llamado “Tributo al Mas Grande”, se formó una super banda llamada Gold Stars, conformada por José Madero, Luis Cortes, Adrian “Rojo” Treviño, Beto Ramos y Charly Castro, quienes junto a José Guadalupe Esparza interpretaron una nueva versión de “Amigo Bronco”.

Hermanos Caballero – “Somos Iguales” – (2011)

En 2011, los Hermanos Caballero, una banda regiomontana fundada por los hermanos Federico y Jorge, contó con la colaboración de José Madero en la canción “Somos Iguales”, la cual fue escrita por el propio Madero y en la que también prestó su voz. La canción forma parte del álbum debut de la banda titulado “Baila”.

Charming Liars – “Tumble” – (2015)

En 2015, José Madero tuvo su primera colaboración internacional con la banda inglesa Charming Liars, en la canción “Tumble”. La banda tuvo la oportunidad de abrir un concierto de Pxndx en el Auditorio Nacional, y esto dio lugar a una amistad que culminó en esta colaboración.

Allison – “Rómpase el Vidrio en Caso de Emergencia” (2016)

En 2016, José Madero colaboró con la banda de rock mexicana, Allison, en la canción “Rómpase el Vidrio en Caso de Emergencia”. La colaboración surgió mientras José y los Allison veían a Sum 41 en el festival Vivo x el Rock en Lima, Perú, tras haber finalizado sus respectivas presentaciones en el festival. La canción apareció en el cuarto álbum de estudio de Allison titulado “Todo está encendido”.

Andrés Canalla – “La Búsqueda del Tiempo Perdido” (2018)

En 2018, José Madero colaboró con el ex vocalista de Tungas, Andrés Canalla, en la canción “La Búsqueda del Tiempo Perdido”. José prestó su voz en la canción inspirada en el libro de Marcel Proust, “En busca del tiempo perdido”. El tema de la canción es la nostalgia y José Madero aportó su particular estilo musical y vocal para complementar la canción.

Serbia – “Instinto Animal” (2019)

José Madero se unió a la banda regiomontana Serbia en la canción “Instinto Animal”, la cual se incluyó en su primer álbum titulado “Secretos del Sol”. La producción de este álbum estuvo a cargo del guitarrista de Jumbo, Flip Tamez. José aportó su particular estilo vocal y musical prestando su voz en el puente de la canción. Posteriormente, como resultado de esta colaboración, José Madero comenzó a trabajar con Flip Tamez en la producción de sus siguientes álbumes como solista.

Dromedarios Mágicos – “Las Horas” – (2021)

Una de las colaboraciones fue con el músico mexicano Diego Puerta, más conocido como Dromedarios Mágicos, en la canción “Las Horas”. Este tema, que combina percusiones tropicales y guitarras melancólicas, es una balada con tintes de nostalgia que muestra una faceta diferente de ambos artistas, quienes demostraron una gran química en el dueto vocal. La canción, que surgió de una broma en un Instagram Live de Madero, terminó siendo una de las colaboraciones más esperadas de ese año y superó todas las expectativas.

Lasso – “De mí, de mí, de mí” – (2021)

La segunda colaboración de Madero en 2021 fue con el cantante y actor venezolano Lasso, en la canción “De mí, de mí, de mí”. Este tema, que cierra el álbum “Cuatro Estaciones” de Lasso, es una súplica a una traición del pasado que cuenta con la potente voz de ambos artistas y una gran emotividad. Lasso ha declarado que trabajar con José Madero era un sueño hecho realidad y que la canción era perfecta para su voz, lo que demuestra la admiración mutua entre ambos.

Cold Years – “Life With A View” –  (2021)

En agosto de 2021, Madero colaboró con la banda escocesa Cold Years en una nueva versión de su sencillo “Life With A View”. La colaboración surgió a raíz de una recomendación que Madero hizo a través de su cuenta de Instagram, lo cual generó repercusión en algunos medios del Reino Unido. La banda escocesa mencionó que gracias a la recomendación de Madero, habían ganado cierta popularidad en México y posteriormente contactaron al cantante para invitarlo a colaborar en una de las canciones de su álbum. En la nueva versión de “Life With A View”, Madero tiene un papel destacado con su interpretación vocal que complementa la energía y pasión de la banda escocesa.

Kordelya – “- es + (Menos es Más)” –  (2022)

El año pasado, Madero colaboró con su prima Kordelya en su nuevo sencillo, “- es + (menos es más)”. La canción es una mezcla de huapango tradicional con toques de pop, y habla sobre las relaciones humanas y cómo la gente puede fingir ser algo que no son para atraer a otros.  La colaboración con Kordelya es otra muestra del eclecticismo musical de Madero, demostrando su habilidad para adaptarse a diferentes géneros y crear algo fresco y original en cada colaboración.

José Esparza – “Yo Si Me Veía Contigo” (2023)

Este año, José Madero sorprendió a todos sus seguidores con su colaboración con el cantante y compositor estadounidense de música regional José Esparza. La canción “Yo sí me veía contigo” es una canción de mariachi original del propio Esparza, y Madero, en su primer acercamiento al género regional mexicano, logra complementar perfectamente el estilo musical con su voz y su interpretación. La letra de la canción, que habla de un amor pasado, es conmovedora y emotiva.

BONUS: Grupo Pesado – “Ojala que te mueras” (2017)

En 2017, Madero tuvo una colaboración sorpresiva con el reconocido grupo de música norteña Grupo Pesado. Durante el festival Machaca en Monterrey, Madero apareció en el escenario para interpretar en vivo la canción “Ojalá que te mueras”. Aunque esta colaboración fue una sorpresa para los fans de ambos artistas, la interpretación en vivo no fue la mejor.

Salir de la versión móvil