El vocalista de la banda estadounidense habla sobre su conexión con el público mexicano, sus influencias musicales y los próximos conciertos en Guadalajara y Ciudad de México.
La banda estadounidense llevará su energía post-hardcore a los escenarios latinoamericanos con su primera gira en la región, en la que promocionará su álbum “RUCKUS!”.
Niklas Almqvist habla sobre la energía de los fans mexicanos y su próxima presentación en el Palacio de los Deportes.
Foto: Moisés Castillo
El Palacio de los Deportes de la Ciudad de México se prepara para vibrar con la arrolladora energía de The Hives el próximo 8 de octubre. La banda sueca, reconocida por su estilo explosivo y su poderosa presencia en vivo, regresa al país como parte de su gira “The Death of Randy Fitzsimmons Tour”. El concierto promete ser una experiencia inolvidable para sus seguidores, quienes además disfrutarán de la presencia de The Damned, lo que eleva aún más las expectativas para su show en solitario en la capital mexicana.
The Hives regresan a tierras mexicanas tras sus memorables presentaciones en el House of Vans México y el Corona Capital en 2023. Su objetivo es claro: deslumbrar nuevamente a su fiel audiencia con su último trabajo discográfico, “The Death of Randy Fitzsimmons”. Previo a su presentación en el Palacio de los Deportes, Niklas Almqvist, guitarrista de la banda, habló sobre el regreso de la agrupación a este recinto y la energía que conecta a la banda con el público mexicano.
Han pasado 16 años desde la última vez que The Hives se presentaron en el Palacio de los Deportes, en aquella ocasión como parte de la final de Rockampeonato Telcel. Almqvist expresó su entusiasmo por volver a este escenario, y comentó que espera una noche cargada de energía y euforia. “Siempre esperamos lo que los fans esperan: un gran espectáculo. The Hives son conocidos por ser una gran banda en vivo, y esperamos lo mejor de nuestros seguidores mexicanos. Estoy esperando una noche salvaje”, afirmó. Su expectativa es clara: un intercambio intenso de energía entre el grupo y el público que caracteriza cada uno de sus shows en México.
Recordando sus recientes presentaciones en México, Almqvist destacó la intensidad de la energía que los fans mexicanos aportan en cada evento. “El público mexicano es increíble”, asegura el guitarrista. “Siempre hemos tenido grandes shows aquí, y las multitudes nunca decepcionan. Hay una consistencia en la energía que es difícil de encontrar en otros lugares”. A diferencia de otras partes del mundo donde los conciertos pueden variar en intensidad, Almqvist señala que en México el nivel siempre es alto, creando una atmósfera única que hace que cada show sea especial.
La conexión entre The Hives y sus fans mexicanos no se limita a las presentaciones en vivo. A través de las redes sociales, los seguidores han creado una serie de memes y bromas internas que han capturado la atención de la banda. Aunque Almqvist admite que no pasa mucho tiempo en redes sociales, confiesa que disfruta de los memes que ha visto: “Son divertidos, tienen un estándar bastante alto. No paso mucho tiempo en las redes, pero cada vez que veo un meme, me hacen reír”. Este tipo de interacción demuestra el vínculo especial que la banda ha construido con su audiencia en México, un reflejo de cómo la cultura digital también juega un papel en la relación banda-fan.
Cuando se le pregunta sobre la influencia de la cultura mexicana en la música y presentaciones de The Hives, Almqvist destaca aspectos particulares: “La ropa y la comida mexicana, especialmente los tacos, han sido una inspiración”, comenta entre risas. Aunque pueda parecer una respuesta ligera, refleja la admiración que la banda tiene por los pequeños detalles de la cultura mexicana, que se han convertido en parte de su experiencia al visitar el país.
La preparación para el show en el Palacio de los Deportes no es muy distinta a la de otros grandes espectáculos, según Almqvist. Sin embargo, señala que hay algo especial en tocar en lugares más pequeños, como el House of Vans México, donde la interacción con el público es más rápida y directa. “En los lugares grandes, a veces es más difícil mantener el ritmo con el público, pero en los shows más íntimos la gente reacciona mucho más rápido a las bromas y a la música. Es algo que realmente disfruto”. Para el concierto en el Palacio de los Deportes, Almqvist promete una combinación de los grandes éxitos de la banda y material de su nuevo disco, asegurando que los fans pueden esperar un setlist que abarque lo mejor de The Hives.
En cuanto al setlist para este concierto, Almqvist explica que aunque la banda no suele cambiar mucho la lista de canciones entre conciertos, siempre hay ajustes sutiles. “No sacamos los grandes éxitos, esas canciones como ‘Tick Tick Boom’ y ‘Come On’ siempre estarán ahí, porque son las favoritas del público y las que más disfrutamos tocar”. Aun así, el guitarrista insinúa que habrá algunas sorpresas en la secuencia de canciones y que los fans pueden esperar escuchar una buena porción de su nuevo disco en el setlist.
Al hablar de su visión musical y las bandas que han influido en The Hives, Almqvist sueña con la posibilidad de organizar su propio festival, encabezado por leyendas como James Brown, Little Richard y Chuck Berry. “Sería difícil elegir quién cerraría el show, pero sería un festival increíble”, afirma entusiasta. También mencionó bandas que lo han influenciado desde sus inicios, como los Dead Kennedys, Bad Brains y Misfits, entre otras.
Reflexionando sobre los álbumes que lo han marcado como artista, Almqvist no puede reducir la lista a tres, optando por mencionar cuatro discos clave: “For Those About to Rock” de AC/DC, “Rising Force” de Yngwie Malmsteen, “Destroy Your Boy” de New Bomb Turks y “Popular Favorites” de The Oblivians. Estos discos, asegura, fueron fundamentales para definir su estilo como músico y moldear el sonido de The Hives.
Para Almqvist, definir el mejor álbum de punk rock de todos los tiempos es una tarea complicada, pero “Destroy Your Boy” de New Bomb Turks se destaca como uno de los más importantes para él. “Es un disco sólido, lleno de energía, y me gusta el material rápido”, comenta. Además, menciona “Rock for Light” de Bad Brains como otro disco clave que lo ha acompañado a lo largo de su carrera.
The Hives están listos para ofrecer una presentación inolvidable en el Palacio de los Deportes. Los fans pueden esperar una noche de clásicos, nuevas canciones, y la misma energía arrolladora que ha caracterizado a la banda durante más de dos décadas.
El guitarrista de Alexisonfire trae “THE ONLY EMO NIGHT EVER” a México, ofreciendo una experiencia única y nostálgica para los fanáticos del género.
Fotos: Angélica Rincón
Con más de dos décadas de trayectoria, Wade MacNeil ha dejado una huella en la escena mundial, conocido por su papel como guitarrista principal de Alexisonfire, vocalista de Gallows y fundador de Black Lungs. Ahora, MacNeil se aventura en un nuevo proyecto: “THE ONLY EMO NIGHT EVER”. Este innovador concepto de fiesta emo ha llegado a México, prometiendo una noche llena de nostalgia y música que marcó a toda una generación.
MacNeil explicó que la idea detrás de “THE ONLY EMO NIGHT EVER” surgió de su deseo de compartir la música que ha acumulado a lo largo de los años, ya sea de bandas con las que ha compartido escenario o recomendaciones de amigos. “No tengo una carrera como DJ, simplemente es una experiencia distinta, pasarla bien con música que la gente conecte. No se trata de buscar canciones desconocidas, sino éxitos que los hagan cantar y disfrutar”, afirmó.
La esencia de “THE ONLY EMO NIGHT EVER” radica en ofrecer una selección de éxitos que, al igual que a MacNeil, emocionen a los asistentes y les brinden una experiencia inolvidable. Con una colección de canciones que ha sido cuidadosamente curada a lo largo de muchos años, MacNeil promete “una noche increíble para todos”.
El término “emo” ha sido objeto de debate y reinterpretación a lo largo de los años, pero para MacNeil, el verdadero espíritu del emo en la música y la cultura se refleja en la oportunidad de que su música llegue a un público más amplio. Recordó cómo bandas como Mineral y American Football influyeron en el movimiento, permitiendo que otros géneros como el screamo y el hardcore también fueran reconocidos. “Siempre he creído que ese ha sido el objetivo: que nuestra música llegue más allá, y más que marcarnos, fue una oportunidad que nos abrió muchas puertas. Siempre que hay un movimiento dentro de la música, este es criticado o no aceptado, pero es abrirse paso. Dentro de poco estaremos con blink-182 en Toronto, tocando en un estadio. Como lo dije antes, más que marcarnos, nos está llevando a que más gente pueda disfrutar de lo que hacemos”, comentó. Esta filosofía es la que MacNeil lleva a su evento, buscando abrir puertas y conectar con más personas.
En cuanto al repertorio musical de “THE ONLY EMO NIGHT EVER”, MacNeil selecciona las canciones basándose en sus experiencias y recomendaciones a lo largo de los años. Recordó momentos clave, como cuando le presentaron a Taking Back Sunday, una banda que describió como una mezcla explosiva de influencias que dejó una impresión duradera en él. Los asistentes pueden esperar escuchar éxitos de bandas como Paramore, garantizando una noche llena de himnos emocionales conocidos y queridos. “Lo que vas a escuchar no es algo desconocido de algún disco, sino éxitos de bandas como Paramore”, destacó.
La gira por Latinoamérica, especialmente la parada en México, genera grandes expectativas tanto para MacNeil como para los fanáticos. Aunque esta es su primera oportunidad de presentarse en México, MacNeil está emocionado por la energía y la pasión que sabe que encontrará en el público latinoamericano. “Muchos ya me lo han dicho, hasta ahora no se había dado la oportunidad de poder estar en México, por ejemplo. Solo quiero que se la pasen increíble y puedan recibir la misma emoción que yo siento de poder estar aquí con ustedes”, expresó.
Reflexionando sobre la evolución del género emo, MacNeil señaló que la música está en constante cambio, pero que es emocionante ver cómo bandas que se separaron hace años ahora están resurgiendo y encontrando nuevos públicos. “Hay mucha gente que no conocía a muchas de las bandas de este género u otras relacionadas, pero hoy pueden estar en festivales o shows donde muchos los están descubriendo”, comentó.
Para los jóvenes músicos y emprendedores que buscan crear sus propios eventos o proyectos creativos en la industria musical, MacNeil ofreció un consejo claro: “Que no se preocupen por la maldita industria musical, que salgan a tocar, que busquen su propia identidad. Que no tengan miedo a soñar como las bandas que admiran. Así es este camino, seguir lo que te apasiona y te gusta”. Enfatizó la importancia de seguir lo que apasiona y compartirlo, aprovechando la era del “hazlo tú mismo” (DIY) para llevar su música tan lejos como sea posible.
Wade MacNeil, con su vasta experiencia y amor por la música, promete que “THE ONLY EMO NIGHT EVER” será una celebración inolvidable del género que ha definido a tantas personas. Los fanáticos latinoamericanos pueden esperar una noche llena de energía, recuerdos y, sobre todo, buena música.
Alexia Roditis, la líder y vocalista de Destroy Boys, comparte sus pensamientos sobre la evolución de la banda, su incursión en el español y el compromiso político en la música, previo a su primer concierto en la Ciudad de México.
Foto: instagram.com/destroyboysband/
En el mundo del punk rock, la potencia, la rebeldía y las voces genuinas han construido un camino único a lo largo del tiempo. En este mundo de sonidos, Destroy Boys, la banda de Sacramento, California, ha destacado por su autenticidad y rebeldía desde que se formaron en 2015. Con su estilo lleno de energía y letras provocadoras, han ganado seguidores leales en todo el mundo. Ahora, están emocionados por su primera actuación en México el 15 de octubre en el Lunario del Auditorio Nacional de la Ciudad de México.
Desde que comenzaron como un proyecto adolescente liderado por Alexia Roditis y Violet Mayugba, Destroy Boys ha tenido un rápido ascenso en la escena del punk rock. Su primer álbum, “Sorry Mom”, se ha convertido en un clásico para sus seguidores, y su música ha seguido evolucionando con lanzamientos notables como “Make Room” y “Open Mouth, Open Heart”. Han firmado con Hopeless Records y trabajado con el productor Will Yip, lo que ha añadido brillo a su catálogo.
Con influencias que abarcan desde clásicos del punk rock de los años 80 hasta iconos contemporáneos, Destroy Boys ha moldeado su propio sonido distintivo, que abarca géneros como punk rock, garage punk, hardcore punk, garage rock y riot grrrl. Su diversidad musical y letras directas los convierten en una banda que rompe barreras y desafía las normas. Hablamos con Alexia Roditis, la líder y vocalista de Destroy Boys, sobre su esperado concierto en México, la evolución de la banda y el estado actual del punk rock.
La banda no se limita a las etiquetas convencionales. Alexia Roditis, la mente maestra detrás de la banda, comparte su visión de un género que ella denomina “Rock Lunar”. Esta nomenclatura sugiere un enfoque en la subconciencia, el crecimiento y la regeneración, en sintonía con las fases cambiantes de la luna. La música de Destroy Boys se caracteriza por su dinamismo, influencias que van más allá de la música y una esencia que abraza lo “lunar”, un término que Roditis prefiere en lugar de “femenino” debido a su asociación con la multiplicidad y la psicología.
“Hace como un mes que he estado pensando en un término que se llama “Rock Lunar”. Me gusta mucho la idea de que el rock, por ser el rock, ese estilo de música que ya es un género en sí mismo. Es una categoría de música muy amplia. Para mí, hay algo relacionado con el título ‘lunar’. Cuando digo eso, estoy pensando en la subconciencia, en el crecimiento y la muerte. También pienso en la regeneración y en las diferentes fases de la luna. He notado que nuestra música, así como la de otras bandas amigas, es dinámica. No se limita solo a la música. Estamos tomando notas de diferentes bandas, estilos de música, formas de arte como películas, pinturas, lecturas y más. Terminamos con una música que refleja mucho nuestro mundo interno, pero que también tiene una esencia femenina que considero importante y no quiero eliminar, aunque no me guste mucho el término ‘femenino’. Prefiero ‘lunar’ porque es femenino, ¿sabes? La luna y el sol son conceptos que me gustan más para describir a los humanos cuando hablamos de las diversas cualidades que poseen. ‘Lunar’ implica ser dinámico y tener múltiples facetas. Y también se relaciona con la psicología”.
La evolución de Destroy Boys es un testimonio de su apertura a la experimentación y la diversidad. Comenzando como un dúo acústico, la banda rápidamente buscó expandirse y reclutar miembros para formar una banda de punk rock completa. A lo largo de los años, han explorado diversos géneros y estilos, destacando su compromiso con la creación de canciones únicas. La llegada de nuevos miembros y la voluntad de probar diferentes sonidos han sido fundamentales en la evolución de la banda.
“Desde entonces, ha habido muchos cambios. Desde el principio, como mencionaste, éramos un dúo acústico, pero sabíamos que queríamos expandirnos y tener más miembros para formar una banda de punk rock. Así que al principio, éramos más una banda. Cuando conseguimos una baterista y más tarde un bajista, comenzamos a cambiar. Éramos muy punk, o mejor dicho, muy rock. A lo largo de los años, hemos estado explorando diferentes tipos de música y estilos. Una característica de nuestra banda es que siempre buscamos que cada canción tenga su propio sonido único. Nos gusta una amplia gama de estilos musicales y a todos nos interesa experimentar con diferentes géneros. Creo que la mayor evolución ha sido nuestra disposición a probar diferentes estilos, ya sean más duros o más hardcore, así como cosas más oscuras e intensas, como PJ Harvey y otros artistas similares”.
Uno de los aspectos más destacados de su álbum “Open Mouth, Open Heart” lanzado en 2021, es la inclusión de canciones en español, un paso significativo para conectarse con un público más diverso y representativo. Roditis compartió su motivación para cantar en español, enfatizando la importancia de representar a la comunidad latina y latinoamericana, así como desafiar la predominancia del inglés en la industria musical.
“Siempre quise escribir en español. Cuando comenzamos con la banda, no hablaba tanto castellano, así que tenía miedo de componer en español debido a la falta de práctica en ese entonces. Siempre deseé incluir una canción en español, y la banda apoyó plenamente esa idea. Esto es significativo tanto a nivel personal como por mis lazos familiares en Argentina. Cada idioma tiene sus propias connotaciones y estilos, y cantar en español es diferente de hacerlo en inglés, tanto vocal como técnicamente. Además, considero importante representar a nuestros seguidores latinos y latinoamericanos, ya que tienen un lugar especial en mi corazón. Es molesto que la mayoría de la música en el mundo sea en inglés, lo que se relaciona con cuestiones de colonización histórica. Quiero cambiar un poco el panorama del rock al ofrecer una canción en español sin traducirla al inglés”.
La decisión de firmar con Hopeless Records en 2021 proporcionó a Destroy Boys un impulso significativo en su carrera. La banda valora el apoyo y los recursos que la disquera ha brindado, permitiéndoles centrarse en su música y en la conexión con sus seguidores. A pesar de las presiones y la necesidad de seguir un calendario, la experiencia ha sido en su mayoría positiva, brindándoles una plataforma más amplia para su música.
“Para nosotras, esto significó (Firmar con Hopeless Records) que teníamos apoyo de otras personas, que no teníamos que hacerlo todo solas y que estábamos trabajando con un sello discográfico. Estar con una disquera nos proporcionó muchas personas con las que hablar y, ya sabes, otros recursos. Por ejemplo, ‘¿Necesitas hacer un video? Aquí tienes $5,000 para hacerlo’, lo que eliminó gran parte de nuestras preocupaciones al respecto. Además, nos dio la oportunidad de conectarnos con otras bandas que también estaban en la discográfica en ese momento. Sin embargo, ha sido interesante, ya que ahora tenemos que seguir un calendario, y personalmente, no me gusta operar de esa manera. Esto puede conllevar ciertas presiones que son parte del negocio al estar en una discográfica. No estoy segura de cuánto, pero en definitiva, son beneficiosas. Son muy competentes y tienen muchos recursos, por lo que en general, ha sido una experiencia positiva”.
La ideología punk siempre ha llevado consigo un mensaje político y social. Alexia Roditis y Destroy Boys son fieles a esta tradición, expresando sus ideas y valores a través de su música. Su compromiso con la música con un propósito político es evidente en su música y en sus discursos antes de los conciertos. La banda abraza la diversidad y el feminismo como lentes a través de los cuales crean su música, y su objetivo es inspirar a sus seguidores a cuestionar y desafiar la norma.
“Bueno, yo soy la más política de la banda, y trato de incorporar eso en todas las formas posibles. Para mí, es fundamental que la música transmita un mensaje político, ya que esto es lo que me ha atraído del punk: la capacidad de enviar un mensaje y tener un propósito. Encierra la idea de que, si algo está mal y no lo queremos, podemos cambiarlo. Me entusiasma la idea de que podemos generar cambios y crear los espacios que deseamos, incluso si el gobierno o la escena musical mainstream no lo hacen. Lo hacemos por nosotros mismos. Creo que hemos cultivado ese espíritu en nuestros seguidores, la mayoría de los cuales son queer y personas diversas y artísticas.
“Me gusta tener ese momento político antes del espectáculo, antes de que comencemos y también durante el espectáculo. En ese momento, puedo expresar mis ideas, pero la mayor parte del tiempo se trata de entretenimiento y diversión. Antes, tenía la idea de hacer que el espectáculo fuera más político, pero después hablé con los miembros de mi banda y ellos mencionaron que bandas como IDLES, cuyas canciones son en su mayoría políticas o filosóficas, tocan su música en concierto sin hablar de política. Mi baterista me dijo algo interesante: que la gente viene a los espectáculos para escapar de la política, de lo controvertido, y quieren disfrutar del espectáculo, centrarse en divertirse. Por eso, hicimos un compromiso de hablar menos durante el espectáculo y enfocarnos en que sea más sobre diversión y entretenimiento. Esto es importante, no solo como parte de los movimientos sociales, sino también porque disfrutamos de esa sección política que tanto me apasiona”.
El concierto en el Lunario de la Ciudad de México marca un hito importante en la carrera de Destroy Boys. Su primera visita a México promete ser una noche llena de energía y música frenética. La banda ha sido seleccionada como banda abridora para la legendaria banda punk, blink-182, en su gira por los Estados Unidos, lo que demuestra la notoriedad que han ganado a nivel internacional.
“Estamos muy emocionados, muy, muy emocionados por ir a tocar. Yo especialmente porque nunca hemos tocado en un lugar donde se hable español, así que el hecho de subir al escenario y hablar en español va a ser muy divertido y que mi banda no tenga idea de lo que está pasando mientras digo cosas en español. Estamos realmente emocionados por visitar la Ciudad de México y encontrarnos con el público allí. Siempre hemos notado que nuestra audiencia, las personas que vienen a nuestros shows, son muy interesantes y alternativas en cada país que visitamos. Así que estoy emocionada por ver cómo se visten y cuál es el estilo de todos nuestros fans. Además, estoy emocionada por lo que pueden esperar de nosotros. Lo que pueden esperar es un espectáculo divertido y ruidoso, una especie de liberación. Nuestros shows siempre están llenos de energía, a veces caóticos, pero en última instancia, una celebración del caos perfecto”, finalizó Alexia Roditis.
El próximo 15 de octubre, la Ciudad de México será testigo de una noche llena de energía y música frenética cuando Destroy Boys se presente en el Lunario. La banda abridora, Las Pijamas, se unirá a ellos para ofrecer una experiencia única llena de punk y diversión desenfrenada.
Así que, si aún no tienes tu boleto, no pierdas la oportunidad de ser parte de esta explosión de música frenética en el corazón de la Ciudad de México. La cuenta regresiva ha comenzado, y el Lunario del Auditorio Nacional será testigo de una noche épica que no puedes perderte. ¡Corre por tus boletos y prepárate para el caos controlado de Destroy Boys!
La banda británica Enter Shikari está lista para conquistar nuevamente a sus leales seguidores en México con sus dos presentaciones.
Foto: facebook.com/entershikari
La intensidad y la pasión del rock alternativo están a punto de tomar por asalto una vez más los escenarios mexicanos. La banda británica Enter Shikari, conocida por su líder y vocalista Rou Reynolds, se encuentra lista para cautivar a sus leales seguidores en México. Con más de dos décadas de experiencia en la industria musical y una reputación de innovación, la banda está de vuelta para presentar su séptimo álbum de estudio, “A Kiss for the Whole World”, en dos emocionantes conciertos programados para el 29 y 30 de septiembre en Ciudad de México y Guadalajara, respectivamente.
En el mundo del rock alternativo, el nombre de Rou Reynolds resuena con un peso y una influencia considerable. Con 20 años en la industria musical, Reynolds ha liderado Enter Shikari hacia la cima del género. Ahora, con una carrera llena de éxitos y momentos innovadores, la banda se prepara para regresar a México, donde dejaron una huella imborrable en el corazón de los fanáticos en su debut en el Knot Fest Mexico de 2016. Desde entonces, la expectación por su regreso ha ido en constante aumento.
Pero eso no es todo. Enter Shikari tiene un regalo especial para sus seguidores mexicanos. Su nuevo álbum, titulado “A Kiss for the Whole World”, está listo para ser presentado en vivo en México. Este material promete una experiencia auditiva que desafía los límites del género y refleja la evolución constante que ha marcado la carrera de la banda.
Previo a su llegada a México, tuvimos la oportunidad de conversar con Rou Reynolds sobre este esperado regreso. El líder de Enter Shikari compartió detalles sobre su próxima visita, del proceso creativo detrás de “A Kiss for the Whole World” y cómo la banda ha logrado mantenerse en la vanguardia de la escena musical durante más de dos décadas.
Regresando a México con sus primeros shows propios
El regreso de Enter Shikari a México con sus primeros shows propios ha sido una larga espera para sus leales seguidores mexicanos. Rou Reynolds nos confiesa que se siente contento por esta oportunidad y emocionado por conocer a su audiencia en México de manera más cercana. Tras su única presentación en el Knotfest, están ansiosos por saber si realmente han conquistado a los corazones mexicanos. “Me siento aliviado. Creo que, sabes, esto es algo que hemos querido hacer durante años y años. Y desde que se programó esto, hemos estado muy emocionados, finalmente tocando nuestros propios shows en México. No sabemos qué esperar, sabes. Hicimos solo un show en Knotfest, lo que fue hace unos años. Y no estamos seguros, ya sabes, cuando tocas en festivales, asumimos que la mayoría de las personas están allí solo para ver a Slipknot, no sabemos si alguien realmente disfrutó de nuestro set. Pero creo que estos son nuestros propios shows, así que realmente vamos a conocer México. Vamos a conocer a nuestra audiencia en México y veremos si hay emoción por nuestra banda y si deberíamos intentar regresar mucho más seguido esta vez. Así que sí, estamos muy emocionados”, comenta Reynolds. Este regreso representa una oportunidad única para Enter Shikari de profundizar su relación con la audiencia mexicana y posiblemente convertirse en visitantes regulares.
Evolución Constante
Con “A Kiss for the Whole World”, Enter Shikari continúa su evolución musical. Cada álbum de la banda ha sido una exploración de nuevos territorios sonoros, y este no es la excepción. Rou Reynolds explica que la evolución es natural para la banda, que ve la música como una exploración constante. “Realmente veo la música y el arte en general como una exploración. Creo que como seres humanos eso es lo que hacemos. Nos encanta crear. Nos encanta explorar. Somos curiosos, eso es lo que somos. Y creo que como banda, somos muy afortunados de haber tenido libertad creativa. Nuestra audiencia acepta que nuestra música cambia, es muy diversa, tiene diferentes instrumentaciones, ideas, sonidos y texturas. Me siento agradecido de que todavía podamos hacerlo. Esa es la exploración, eso es lo que lo mantiene emocionante. Eso es lo que lo mantiene genuino para nosotros, porque si solo estuviéramos haciendo el mismo tipo de música, los mismos álbumes una y otra vez, no sería real. La pasión comenzaría a disiparse, perderíamos entusiasmo, aunque sea un poco. Pero eso simplemente no sucede con nosotros porque podemos seguir intentando cosas nuevas, seguir avanzando, seguir tratando de transmitir diferentes ideas, emociones y experiencias. Así que sí, eso es algo que siempre haremos y estamos muy agradecidos de poder hacerlo”, dice. La libertad creativa que han tenido ha permitido a Enter Shikari seguir innovando y manteniendo la pasión y la autenticidad en su música. El nuevo álbum ha sido aclamado por la crítica por su energética mezcla de géneros, fusionando elementos del punk, la electrónica y el post hardcore.
Compromiso con la Comunidad
Enter Shikari también se ha destacado por su compromiso con la comunidad. Rou Reynolds habla sobre su apoyo al equipo de fútbol St Albans City Football Club y la iniciativa reciente con el Pioneer Club. Para la banda, la comunidad es esencial y sienten que le deben mucho a su entorno local. “Siempre nos ha interesado mucho la comunidad, la idea de comunidad. Siento que le debemos mucho a nuestra comunidad local. Fue una ciudad tan vibrante con tantos estilos de música diferentes que nos inspiraron, tantos aspectos de la vida que se sentían comunitarios. Así que el fútbol es una forma. El fútbol local, creo que el gran fútbol ha sido completamente distorsionado por el capitalismo. Pero el fútbol local se trata de la comunidad. Es donde personas de todos los ámbitos de la vida se unen para apoyar a su equipo. Es algo bastante hermoso. Así que esa es la razón por la que quisimos colaborar con nuestro equipo local. Y lo mismo con nuestro club juvenil local. Es donde crecimos tocando shows. Solíamos organizar nuestros propios shows y hemos tenido muchas batallas con nuestro consejo local, muchas políticas locales que son muy difíciles porque la ciudad en sí suele ser bastante conservadora y realmente no apoya la cultura juvenil en absoluto, lo cual es muy triste. Así que, sí, es algo que sentimos, ahora que hemos tenido cierto grado de éxito, fue agradable poder volver y apoyar este lugar local que realmente nos creó o tuvo algún grado de influencia en lo que es Enter Shikari”, comenta Reynolds. Su conexión con la comunidad se remonta a los primeros días de la banda, cuando solían tocar en su ciudad natal.
El Desafío de la Industria Musical Actual
Hablando sobre los desafíos de la industria musical actual, Rou Reynolds señala la presión que las redes sociales y la constante promoción ejercen sobre las bandas. “Sí, en este momento las cosas están avanzando casi incesantemente. Es difícil saber cómo promocionarte. Realmente siento lástima por las bandas y artistas que están comenzando ahora. Creo que es un paisaje muy diferente. Cuando comenzamos, era principalmente hacer música y dar shows, y si tus shows eran emocionantes, eso era suficiente. Mientras que ahora, la música es solo ¿es incluso la mitad? ¿Es el 50% de lo que tienes que hacer? El otro 50% de tu tiempo debes dedicarlo a tu estética, a todos tus perfiles en redes sociales. Debes descubrir cuál es tu historia, cómo te vendes a ti mismo, cómo destacas entre el ruido y la publicidad. Sí, es muy, muy difícil hoy en día. Y, ya sabes, es difícil para nosotros porque no somos nativos en esto, no crecimos con TikTok, por ejemplo, como una plataforma básica. Esto es algo a lo que nos hemos sumado. Así que es muy interesante ver cómo van las cosas. Pero, no recuerdo cuál era la palabra que buscaba. Sí, básicamente, estoy contento de que no estemos empezando ahora porque es difícil”, dice. La música ya no es solo un 50% de la ecuación; la otra mitad se destina a la promoción y la gestión de la presencia en las redes sociales. Esto plantea un desafío constante para las bandas, especialmente para las que están comenzando en este nuevo paisaje musical. Enter Shikari se siente afortunado de no haber comenzado en esta era y valora la libertad creativa que han tenido a lo largo de los años.
Un Mensaje para los Fanáticos Mexicanos
Finalmente, Rou Reynolds envía un mensaje a los fanáticos mexicanos que esperan con ansias los conciertos de Enter Shikari. “Lamento que haya tomado tanto tiempo. Es ridículo. Deberíamos haber hecho esto hace mucho, mucho tiempo. Para ser justos, lo hemos estado intentando, pero simplemente nunca funcionó. Pero sí, estamos muy emocionados de finalmente venir y tocar nuestros propios shows en México. Tenemos un nuevo repertorio. Estamos emocionados por la nueva música. Estamos emocionados por la música antigua. Tocaremos un set variado para todos y simplemente tendremos una fiesta, básicamente. Y sí, esperamos que la gente lo disfrute y que podamos volver mucho más seguido”, comenta con humildad. La banda está emocionada por presentar su nuevo repertorio y tocar tanto música nueva como antigua. Esperan que los fanáticos disfruten de la fiesta y que puedan regresar a México con mayor frecuencia en el futuro.
La llegada de Enter Shikari a México para promocionar “A Kiss for the Whole World” promete ser un acontecimiento imperdible. La energía y la pasión de la banda británica están listas para cautivar una vez más a su audiencia mexicana, consolidándolos como una de las agrupaciones más relevantes de la escena musical actual. Los conciertos se llevarán a cabo el 29 de septiembre en el Foro Indie Rocks de la Ciudad de México y el 30 de septiembre en el C3 Stage de Guadalajara, Jalisco. Los fanáticos están listos para dejarse llevar por la poderosa propuesta musical de Enter Shikari y disfrutar de una experiencia sin igual.
Mike Hranica, vocalista de The Devil Wears Prada, comparte su emoción y perspectivas sobre la evolución de la banda y su regreso a México.
Foto: facebook.com/tdwp
La atmósfera en la Ciudad de México está cargada de anticipación y emoción a medida que se acerca rápidamente la fecha del 12 de agosto. En un evento esperado por la comunidad de seguidores del metalcore y post-hardcore, dos gigantes del género, Silverstein y The Devil Wears Prada, se preparan para un encuentro inolvidable en el Frontón México. La larga espera de los fanáticos mexicanos finalmente llega a su fin, marcando el regreso de estas icónicas bandas a tierras mexicanas después de años de ausencia.
Hace más de una década, The Devil Wears Prada hizo temblar el escenario mexicano en el Circo Volador, compartiendo el escenario con Whitechapel y presentando su cuarto álbum de estudio, “Dead Throne”. Ahora, después de 11 años, regresan con un nuevo material bajo el brazo: “Color Decay”.
Su más reciente material discográfico es un testimonio de esta evolución musical. Con doce cautivadores temas, el álbum equilibra hábilmente la turbulencia metálica, el espíritu hardcore, el lirismo provocativamente elocuente y el exorcismo melódico característico de la banda.
The Devil Wears Prada ha dejado una marca significativa en la escena musical desde su aparición a mediados de la década de 2000. La banda de metalcore, compuesta por Mike Hranica, Jeremy DePoyster, Kyle Sipress, Jonathan Gering, Giuseppe Capolupo y Mason Nagy, ha evolucionado constantemente su estilo, creando composiciones que combinan la pesadez del metalcore, la melancolía y letras poéticas.
Recordando su última visita a la Ciudad de México hace más de una década, Mike Hranica, líder y vocalista de The Devil Wears Prada, compartió su entusiasmo por el regreso. “Estoy muy emocionado. Ha pasado mucho tiempo y Silverstein, unos grandes amigos nuestros desde hace mucho tiempo. No podríamos pedir mejores circunstancias para regresar a la Ciudad de México. Estoy muy emocionado y realmente esperamos mucho este momento”, expresó con una sonrisa.
Desde su última aparición en México, la banda ha evolucionado en su sonido y estilo, algo que Mike describe como una maduración constante y la perfección de sus habilidades. “Creo que escribir canciones es bastante similar, aprender de errores, aprender a hacer las cosas mejor. Y creo que eso es bastante evidente al observar la evolución del arte de la composición de Prada”, compartió Mike mientras explorábamos el desarrollo musical de la banda.
La evolución de su sonido es palpable en su último lanzamiento, “Color Decay”, un álbum que combina la turbulencia del metalcore con letras poéticas y melodías cautivadoras. Mike nos reveló algunos secretos detrás de la creación de este trabajo. “Fue completamente autoproducido, algo que nunca antes había hecho, en el desierto cerca de Palm Springs, lo cual fue muy divertido y un entorno diferente al que estamos acostumbrados, pero realmente lo disfrutamos y probablemente será un medio o una configuración que utilicemos nuevamente en el futuro.”, dijo Mike, destacando cómo el entorno influyó en el resultado del álbum.
“Color Decay” ha sido aclamado por la crítica, y Mike compartió su gratitud por la respuesta positiva. “Los comentarios han sido maravillosos y estamos realmente agradecidos por eso. Creo que al comparar “Color Decay” con el álbum anterior, “The Act”, específicamente, creo que hay varios elementos que están más afinados. Creo que se presta más atención a las sensibilidades que aportamos en términos de los coros y los versos. Oh sí, eso. Y cuando llegó la pandemia, nosotros también lo hicimos y replanteamos cómo íbamos a comenzar a crear canciones nuevamente. John simplemente es el cerebro maestro y el manipulador de la creación de estas canciones, y lo hace de la mejor manera, creo.”, señaló, resaltando la evolución en la atención a los detalles de la composición.
La canción “Salt” se alza como una representación clave del álbum. “Creo que ‘Salt’ es definitivamente una canción que resume mucho de lo que hicimos en ‘Color Decay’. Es pegajosa, tiene un gran coro, es animada. Sí. Creo que ‘Salt’ es la que ejemplifica ‘Color Decay'”, compartió Mike.
Reflexionando sobre la escena musical actual, Mike habló del éxito del metalcore y su avance hacia el mainstream. “Creo que es increíble lo que están haciendo las bandas. Bandas como Architects y Bring Me the Horizon han explotado de una manera impresionante. Ver a bandas como A Day to Remember tocando Breakdowns para miles y miles de personas. El Metalcore está tratando de colarse y hacer una carrera en lo que es el rock activo o lo que solía ser el nu metal, como en los finales de los 90, cuando estaba llegando a la mayoría de edad en mis años de adolescencia y buscaba música que me gustara. Creo que el Metalcore está en un gran lugar en este momento en cuanto a su avance hacia el mainstream y su reproducción en la radio y todo eso. Y es increíble. Estoy realmente agradecido, y The Devil Wears Prada busca aprovechar eso”, comentó Mike, subrayando la relevancia y la emocionante evolución del género.
Hablando sobre su larga carrera en la industria, Mike compartió lecciones valiosas aprendidas al compartir el escenario con bandas icónicas. “Siempre tratamos de mantener un alto nivel de profesionalismo para no meternos en problemas, tomando en serio el componente profesional. Y creo que eso se nota cuando ves a grandes bandas legadas que han estado matándolo durante mucho tiempo. Tocar en una banda es lo que quieres, pero muchas veces, según tu propio juicio, es lo que subraya la profesionalidad y tratar a los demás como te gustaría que te traten. Hay una frase que alguna vez escuché sobre cómo tratar a las personas, como cuando vamos a lugares como la Ciudad de México. Es súper genial poder ir allí y tratarlo como si estuviéramos de vacaciones o siendo turistas. Esa es mi perspectiva al respecto. Y estoy seguro de que tocar los shows y espero no arruinarlo demasiado. Así que mis expectativas son simplemente que será un viaje divertido”, dijo Mike, enfatizando la importancia de mantener la integridad y tratar a los demás con respeto.
Después de más de 15 años en la escena, The Devil Wears Prada se ha ganado su lugar como una de las principales representantes del metalcore. Mike expresó con orgullo: “Oh, creo que lo llevamos con orgullo. Sé que el título y el género tienen algunas connotaciones negativas. Sé que algunas bandas intentan decir: “No nos llamen así”. Pero para nosotros, lo tomamos casi como un halago y lo abrazamos. Creo que lo que el Metalcore significaba para mí cuando tenía 16 años es definitivamente diferente a lo que significa ahora. Pero, ya sabes, es música pesada, tiene riffs de metal, breakdowns, Hardcore, y combina sensibilidades pop en los coros y cosas así. Eso es lo que hacemos activamente. Y creo que, no sé, simplemente no hay parte de mí que trate de evitar ese título. Creo que Prada lo lleva con orgullo”, cuando se refirió al género y al título de la banda.
La conversación también tocó temas sobre el cambio en la industria musical debido al auge del streaming y las redes sociales. “Sí. Es un negocio. Cualquier negocio que trate de captar la atención de la gente en Instagram o cualquier otra plataforma sigue muchos de los mismos principios que intentamos aplicar para hacer crecer a la banda en este momento. Me siento un poco fuera de eso. Jeremy y Paul, nuestro manager, se encargan de muchas de esas cosas y lo hacen mucho mejor de lo que yo podría hacerlo. Así que estoy un poco al margen, haciendo lo que mejor sé hacer, que es no estar al tanto de todos los aspectos del negocio en torno a la banda. Pero, ya sabes, el streaming y las listas de reproducción son muy importantes para intentar crecer. Tener un fuerte seguimiento en línea es muy importante para crecer, y se trata simplemente de descifrar el algoritmo, al igual que lo hace un influencer o un bar o restaurante local. No tengo todas las respuestas, pero estoy agradecido de tener personas en torno a Prada y en Prada que pueden controlar eso mejor que yo”, compartió Mike, reconociendo la importancia de adaptarse a los cambios tecnológicos.
Fuera del mundo de la música, Mike reveló sus pasiones por la carpintería, el hockey sobre hielo y la literatura, que influyen en su creatividad. “Me considero un aficionado en cuanto a que me gusta involucrarme en todo tipo de actividades y aficiones. En general, me gusta trabajar la madera. Me gusta hacer remodelaciones por mi cuenta en mis hogares o lugares donde vivo. Soy un gran fanático del hockey. Me encantan los deportes, pero en particular el hockey sobre hielo, algo que ocupa mucho de mi tiempo durante el día y esta mañana patiné. Es una de mis cosas absolutamente favoritas en el mundo junto con la literatura. Creo que saco más de la lectura que de cualquier otra cosa en términos de llevarlo a Prada o llevarlo a mi proceso creativo. Solía escuchar bandas y pensar: “Oh, quiero hacer algo como eso”. Pero ahora, es más la lectura y tomar la literatura y traducirla en letras, creo que es uno de los aspectos más importantes de mi creatividad”, compartió.
Con el tiempo, la banda ha enfrentado altibajos, cambios y evoluciones. Mike reflexionó sobre la perseverancia de la banda y su compromiso con la música. “Sí, creo que todos hemos envejecido juntos. Cualquier banda quiere ganar nuevos seguidores, nuevos fanáticos jóvenes, y cosas así. Pero los fanáticos acérrimos que nos han acompañado durante 15 años, todos están trabajando. Ya no viven con sus padres, tienen hijos y sus hijos van a los shows si tienen la edad suficiente, ya sabes. Y creo que lo que realmente vemos es el aspecto de la edad. Y es genial. Realmente nunca tuve aspiraciones de tocar música en primer lugar. Así que el hecho de que todavía estemos haciendo esto desde que tenía 16 años y que la gente envejezca al igual que nosotros o cualquier otra persona es genial.”, compartió Mike, reconociendo el valor de los seguidores leales.
Al cerrar la entrevista, Mike envió un mensaje emocionado a los fanáticos en México: “Realmente no puedo expresar lo emocionados que estamos. Va a ser muy divertido. Nos veremos pronto”.
El regreso de The Devil Wears Prada y Silverstein a la Ciudad de México promete una noche de poderoso metalcore, emociones intensas y conexión genuina con los fanáticos. Con su evolución constante y su pasión incansable, The Devil Wears Prada sigue marcando su lugar en la historia de la música, listos para cautivar y conquistar una vez más.
Después de su aplaudida participación en el Corona Capital 2021, All Time Low está de regreso en la capital mexicana junto a Mayday Parade en una noche que promete ser inolvidable.
Foto: facebook.com/alltimelow
La espera ha llegado a su fin para los fanáticos mexicanos de All Time Low. La banda estadounidense oriunda de Maryland, se prepara para deslumbrar una vez más en tierras aztecas, en esta ocasión acompañados por los talentosos Mayday Parade.
All Time Low ha dejado una huella indeleble en la escena musical desde su formación en 2003. Compuesta por Alex Gaskarth, Jack Barakat, Zack Merrick y Rian Dawson, la agrupación de pop punk ha cautivado a audiencias de todo el mundo con su estilo inconfundible y sus letras honestas y pegadizas. Tomando su nombre de la letra de la canción “Head on Collision” de New Found Glory, All Time Low ha sabido mantenerse fiel a sus raíces mientras evoluciona constantemente, consolidándose como una fuerza influyente en la música contemporánea.
Después de un triunfal paso por el festival Corona Capital 2021 en la Ciudad de México, All Time Low regresa a tierras mexicanas. El próximo 22 de junio, el Pepsi Center WTC será testigo de una noche inolvidable cuando ambas bandas se unan en el escenario en el marco de la gira “TELL ME I’M ALIVE On Tour”, en apoyo a su más reciente álbum de estudio, “Tell Me I’m Alive”.
Su gira estadounidense está llegando a su fin, pero aún quedan tres fechas para el fin de semana. Después de unos días de descanso, y previo a su concierto de la Ciudad de México tuvimos la oportunidad de conversar vía Zoom con Alex Gaskarth y Jack Barakat, vocalista y guitarrista de la agrupación, respectivamente. Ambos se mostraron muy entusiasmados y agradecidos por el apoyo que siempre han recibido en México, y nos contaron algunos detalles sobre su proceso creativo, sus influencias y sus expectativas.
Hablando sobre su regreso a la Ciudad de México después de dos años, los músicos expresaron su emoción. Recordaron su actuación en el Corona Capital, que se destacó como uno de los conciertos favoritos que habían dado recientemente. Están encantados de tener la oportunidad de tocar en México nuevamente con un concierto propio y esperan ofrecer un espectáculo memorable en el Pepsi Center WTC.
“Muy emocionados. El Corona Capital fue realmente memorable. Fue realmente, como si se destacara como uno de mis conciertos favoritos que tocamos recientemente. Nos encanta tocar en festivales, y ver a tanta gente allí para nosotros fue increíble. Nos hizo sentir como estrellas de rock. Sí, fue especial. No hemos ido a México como headliners en mucho tiempo, así que es muy bueno estar haciendo nuestro propio concierto como cabezas de cartel”, afirmó Alex.
La conexión con sus fans mexicanos es algo que Alex y Jack aprecian enormemente. Admiran el amor y apoyo que reciben en México y siempre esperan con ansias cada visita. Para ellos, los fanáticos mexicanos son apasionados y entusiastas, y su respuesta los ha sorprendido gratamente desde la primera vez que estuvieron en el país. La oportunidad de volver a conectarse con sus seguidores mexicanos es algo que esperan con entusiasmo.
“Estamos emocionados. México nos ha mostrado tanto amor a lo largo de los años, y hay tanto como que los fanáticos son tan apasionados y siempre muestran mucho entusiasmo y una gran cantidad de apoyo cada vez que venimos. Y para ser honesto, realmente no hemos podido ir tanto como nos gustaría, así que cada vez que venimos y tocamos en México, es un placer. Y, sí, estoy deseando que llegue. Y el hecho de que lo estamos haciendo es que realmente solo hemos tocado en la Ciudad de México, creo, así que esta vez para venir, encabezar la Ciudad de México, luego ir a Monterey y tocar en el festival también. Es realmente agradable llegar a pasar un par de días allí por una vez”, expresó Alex.
El nuevo álbum de All Time Low, “Tell Me I’m Alive”, fue un tema importante en la conversación. Los músicos explicaron que el título del álbum surgió como un recordatorio de que la vida sigue adelante, con o sin uno mismo. El disco explora temas de soledad, aislamiento y tiene un tono más pesado y oscuro en comparación con su anterior trabajo.
“Creo que el título surgió de esta idea de solo necesitar un recordatorio de que la vida sigue avanzando contigo o sin ti. Y creo que el disco trata muchos temas de soledad, aislamiento, y es un disco más pesado y oscuro que “Wake Up, Sunshine”, pero creo que realmente está destinado a servir como un mensaje de motivación de, como, no estás muerto todavía, aún no estás bajo tierra, como, ve a vivir tu vida. Y creo que los temas en el disco son algo así como aceptar eso, lidiar con eso, lidiar con eso, levantarse uno mismo. Sí. Volviendo después de eso”, explicó Alex.
Cuando se les preguntó qué canción del álbum consideraban más representativa, Alex y Jack encontraron difícil elegir una sola. Explicaron que el álbum era una amalgama de diferentes influencias y vibraciones, reflejando las diferentes etapas de All Time Low en ese momento. Mencionaron que “Tell Me I’m Alive”y “Sleepwalking” representaban dos lados del álbum y su dualidad.
“El álbum es muy parecido a ¿cuál es la palabra? Como una amalgama de bastante tiempo dedicado a escribir. Así que hay algunos discos que hemos hecho que son muy concisos y se sienten muy juntos, y es un cuerpo de trabajo, algo así como “Wake Up Sunshine”, no te asustes, esos me vienen a la mente. Este disco se siente como una expresión de todas las diferentes caminatas en las que se encontraba All Time Low en ese momento. Así que hay muchas ideas y vibraciones diferentes en el disco, por lo que es difícil reducirlo a una sola canción. Supongo que diría que de alguna manera, como “Tell Me I’m Alive” y luego “Sleepwalking” son una especie de caminar por los dos lados del disco. Veo mucho que haya una especie de dualidad en el álbum, y esos son los dos lados”.
La carrera de All Time Low ha estado llena de momentos memorables, y los músicos compartieron algunos de sus favoritos. Conocer a blink-182 y girar por Europa y Australia fue especialmente significativo para ellos, ya que consideraban que no existirían como banda sin la influencia del trío californiano.
“Creo que conocer a blink-182 e ir de gira por Europa y Australia fue algo muy importante para nosotros, en realidad fue algo muy importante para nosotros porque no creo que All Time Low exista sin esa banda”, comentó Jack.
Además, se siente honrados de ser una inspiración para otras bandas y encontraban surrealista estar en ese papel. Aunque a veces tienen síndrome del impostor, están orgullosos del legado que han creado y del impacto que habían tenido en otros artistas.
“Es muy surrealista. Cada vez que alguien, como un artista, aparece y dice que lo inspiramos o influimos en él, es como una experiencia fuera del cuerpo, porque hablamos sobre nuestro comienzo y nuestros primeros días y nuestra inspiración e impulso como Jack hablando con Blink en ese momento, todavía nos vemos a nosotros mismos de esa manera. Así que es difícil percibirte como si hubieras cruzado a este otro lugar donde representas eso para otra persona”, continuó.
La evolución musical de All Time Low también fue un tema de discusión. Desde sus inicios, la banda ha buscado superar sus propios límites y probar cosas nuevas, manteniéndose fieles a su esencia pero incorporando influencias frescas.
“Creo que cuando empezamos, solo se trataba de tocar rápido y fuerte y pasar un buen rato en el escenario, y todas esas cosas siguen siendo ciertas. Pero cuantos más discos hacemos, más queremos superar nuestros límites y probar cosas nuevas y encontrar formas de mantenernos fieles a todos los tiempos, pero traer suficiente influencia e inspiración nuevas para que no se sienta obsoleto”, dijo Alex.
Jack añadió: “Aunque también les gusta separarse de la cantidad de artistas que hay ahora mismo. Grandes artistas. Cuando llegamos, había muchas bandas, pero siento que ahora hay probablemente más que nunca. Es como, ya sabes, tratamos de hacer lo que acaba de decir Alex y seguir adelante y crear cosas nuevas que sean únicas, pero también tratando de estar siempre bajo. Es difícil, pero lo mantiene interesante y nos mantiene interesados en lo que hacemos”.
La conversación se movió hacia los consejos que tendrían para aquellos que están comenzando en la industria de la música. Alex enfatizó la importancia de mantenerse fiel a uno mismo y ser una buena persona en el proceso.
“Creo que uno de los consejos más importantes es mantenerse fiel a tu sonido y a ti mismo como artista, hacer lo que sientas que te representa mejor en ese momento”, aconsejó. “Ser una buena persona, intentar serlo, es importante. Hacer conexiones valiosas y no pisotear a los demás para alcanzar tus metas”, expresó Alex.
Jack apoyó las palabras de Alex y enfatizó la importancia de levantar a las personas de tu comunidad en lugar de competir de manera destructiva.
“Creo que todos hemos crecido y tenido más éxito porque las bandas cercanas a nosotros nos han ayudado mientras nosotros intentábamos ayudarlas. Y eso es realmente importante. Bandas como Mayday Parade y The Maine, bandas a las que seguimos admirando hasta el día de hoy”, compartió Jack.
Cuando se mencionó la posibilidad de colaborar con artistas mexicanos o explorar la música latina, Alex admitió no estar muy familiarizado con artistas mexicanos, pero mostró su entusiasmo por la idea de colaborar con ellos. Además, destacó la importancia de aprender y tomar algo de cada colaboración.
“Para ser honesto, no estoy muy familiarizado, pero me encantaría. Sería realmente genial, muy inspirador. Cada vez que colaboramos con alguien, siempre hay algo que aprender y tomar de ese artista. Entonces, sí, creo que sería muy interesante traer no solo inspiración de una cultura diferente, sino también de un idioma diferente. Sería muy genial. ¿Con quién deberíamos colaborar?”
También se les preguntó sobre sus futuras colaboraciones soñadas, ambos mencionaron diferentes artistas, como Miley Cyrus, The Weekend y Post Malone. Expresaron su interés en trabajar con artistas fuera de su género y descubrir nuevas formas de crear música.
“Hay muchas cosas que amamos, pero creo que lo más importante es cómo naturalmente se han juntado muchas de las colaboraciones que hemos hecho. Desde aquí, me encantaría colaborar con Miley Cyrus, The Weekend. The Weekend sería increíble. Post Malone sería increíble. Principalmente, me gusta hacer colaboraciones dentro del género, como las que hemos hecho antes, han sido geniales, pero creo que aún más importante es salir de tu género y hacer cosas con personas que están fuera de él y que están haciendo su propia música, creo que eso puede resultar en algo realmente especial. Sí, definitivamente hemos puesto énfasis en tratar de colaborar y trabajar con personas que están un poco fuera de lo común y con quienes tal vez la gente no esperaría que trabajáramos, sabes, creo que la colaboración con Black Bear y Demi fue algo realmente divertido que surgió porque la gente dijo, espera, ¿qué? Fue, creo que esa naturaleza sorprendente de ello es realmente divertida.
Hablando sobre su presentación en la Ciudad de México, ambos músicos se mostraron emocionados por la oportunidad de tocar un set más amplio y dinámico en comparación con un festival. También destacaron la importancia de compartir el escenario con Mayday Parade, una banda con la que han tenido una larga relación. Recordaron con cariño los primeros años de giras juntos y cómo esta oportunidad de reunirse era un testimonio de la fuerza de ambas bandas y sus fanáticos.
“Significa mucho. Mayday Parade fue una de las primeras bandas con las que giramos cuando éramos más jóvenes. Empezamos a girar con ellos cuando teníamos 19 o 20 años, y poder hacer esto todavía después de 15 años, tanto para ellos como para nosotros, es un testimonio de nuestros fans y de nuestras bandas. Hacerlo con tus amigos hace que sea mucho más divertido. Ellos fueron la primera banda que invitamos, así que estábamos muy felices cuando dijeron que sí. Además, es una especie de continuación genial de esta gira, porque esta gira termina y luego, como 3 o 4 días después, vamos a México”, mencionó Jack.
Finalmente, Alex y Jack enviaron un mensaje a sus fans mexicanos que asistirán a su concierto en el Pepsi Center. Expresaron su cariño, entusiasmo y la importancia de mantener la energía arriba durante el concierto.
Sin duda, los fanáticos mexicanos podrán disfrutar de un show enérgico y lleno de emociones el próximo 22 de junio en la Ciudad de México.
Silverstein regresa a la Ciudad de México después de seis años para ofrecer un espectáculo inolvidable junto a sus amigos de The Devil Wears Prada.
Fotos: facebook.com/silversteinmusic
En la atmósfera cargada de anticipación en la Ciudad de México, los corazones de los fanáticos del post-hardcore laten al ritmo del inminente concierto de Silverstein. La legendaria banda canadiense, formada en Burlington, Ontario en el año 2000, está lista para desatar su energía frenética y cautivadora en el emblemático escenario del Frontón México el próximo 12 de agosto.
Silverstein, cuyo nombre honra al célebre autor de literatura infantil Shel Silverstein, ha forjado un camino singular en el panorama del post-hardcore. Con Shane Told liderando el grupo con su poderosa voz, y respaldado por el talento arrollador de Paul Marc Rousseau y Josh Bradford en las guitarras, Billy Hamilton en el bajo y Paul Koehler en la batería, la banda ha creado una discografía impresionante que abarca once álbumes de estudio, siete EP y un álbum en vivo.
La última vez que Silverstein se presentó en México fue en 2017, lo que hace de este evento una ocasión especial para los fanáticos mexicanos. Durante estos años, la banda lanzó “Dead Reflection” en 2017, “A Beautiful Place to Drown” en 2020 y su álbum más reciente, “Misery Made Me”, un trabajo en el que exploran la oscuridad y la soledad que surgieron durante los tiempos difíciles de la pandemia. Su último lanzamiento producido por Sam Guaiana, ha dejado su huella en los corazones de sus fanáticos con su poder emocional y colaboraciones con artistas como Andrew Neufeld de Comeback Kid, Trevor Daniel, Mike Hranica de The Devil Wears Prada y nothing,nowhere.
Para conocer más detalles sobre este tan esperado evento, tuvimos la oportunidad de platicar con Shane Told, líder y vocalista de Silverstein. El entusiasmo se percibe en su voz mientras habla sobre el regreso a México y la oportunidad de compartir el escenario con The Devil Wears Prada.
Shane Told, con su característico carisma, nos dice: “No puedo esperar, hombre. México ha sido increíble para nosotros a lo largo de los años y, ya sabes, no es un lugar al que podamos ir todos los días o todos los años, así que para nosotros, poder regresar con nuestro propio concierto allí de nuevo, es realmente emocionante, muy emocionante”.
La emoción se intensifica cuando le preguntamos sobre las expectativas para este espectáculo junto a The Devil Wears Prada. Shane nos da una idea de lo que podemos esperar: “Bueno, la gente por tu zona, Enrique, está absolutamente loca. La pasión es real. Y, ya sabes, creo que el hecho de que no hayamos estado allí en mucho tiempo, probablemente muchas personas nunca nos hayan visto antes. Es muy emocionante. Solo espero un absoluto caos y locura. Sabes, más energía de la que se puede contener en una habitación y el público… Sí, vamos a ir con nuestros mejores amigos del mundo, The Devil Wears Prada, también es genial. Así que es un espectáculo impresionante, impresionante que hemos preparado y estamos muy emocionados”.
La conversación se adentra en la relación especial que Silverstein ha establecido con el público latinoamericano, y Shane Told nos comenta sobre la energía desenfrenada que caracteriza a los fans en esta región: “Absolutamente. México es muy similar al resto de América Latina en el sentido de que es pura locura. Es un caos absoluto. Cada persona está enloquecida, prácticamente durante todo el espectáculo, y es genial, ¿sabes? Ves a todos muy comprometidos, todos escuchan, todos están como pendientes de cada palabra, de cada acorde”.
Comenzamos a discutir sobre su álbum más reciente, “Misery Made Me”. Shane nos habló sobre la inspiración detrás de este trabajo y cómo se reflejó en las letras y el sonido del mismo.
El álbum fue escrito y grabado durante los tiempos tumultuosos de la pandemia, cuando Canadá estaba experimentando un alto número de casos graves y cierres. Shane explicó que la soledad fue un tema central en las canciones, reflejando el estado de ánimo oscuro de aquellos tiempos difíciles: “Fue un álbum escrito y grabado durante la pandemia, en pleno apogeo de la misma, y aquí en Canadá tuvimos muchos casos graves y muchos cierres, por lo que no pudimos vernos en la banda durante mucho tiempo. Así que escribimos estas canciones principalmente sobre la soledad y son canciones bastante oscuras”.
Sin embargo, encontraron un contraste interesante al reunirse en el estudio, ya que estaban emocionados y felices de estar juntos. Fuera del estudio, disfrutaban de actividades como jugar golf, baloncesto y compartir comidas. Luego, en el estudio, trabajaban en las canciones oscuras y deprimentes. Esta dualidad fue intrigante para la banda y contribuyó a la experiencia de crear el álbum.
Cuando mencionamos que este contraste también se percibía en las interpretaciones en vivo, Shane estuvo de acuerdo. Expresó que estar en el escenario siempre le brinda una gran felicidad, ya que es una de las mejores sensaciones que se pueden experimentar: “Cuando toco en un concierto siempre estoy feliz de estar ahí. Actuar en el escenario es una de las mejores sensaciones que puedes experimentar, Y poder expresarte y todo eso. Quiero decir, se siente tan bien, pero luego cuando piensas en lo que estás diciendo y en lo que es, es doloroso, es cierto. Estás reviviendo traumas del pasado y cosas así. Así que creo que eso es realmente porque la música sana y porque cura a las personas, incluyéndome a mí mismo”.
No obstante, también reconoció que las letras y el contenido de las canciones a menudo tocan temas dolorosos y traumas pasados. A pesar de esto, Shane encuentra consuelo en la música, ya que le permite expresarse y aprender de sus experiencias. Para él, escribir y expresarse a través de la música es una forma de terapia y curación.
Continuamos la conversación adentrándonos en el proceso de escribir sobre experiencias personales profundas y oscuras, y cómo se siente compartir estas historias con el público. Shane reveló que al principio de su carrera, escribía las letras principalmente para sí mismo, como una forma de terapia personal. Sin embargo, se dio cuenta de que muchas personas se identificaban con sus letras y encontraban consuelo en ellas: “Escribí esas letras porque significaban algo para mí, y eran mi propia versión de terapia, ya sabes, y lo que fue realmente interesante fue que justo en ese momento, cuando lanzamos ese primer álbum, la cantidad de personas que me dijeron: “vaya, puedo identificarme totalmente con esto”. Como “todo lo que estás diciendo es lo que me pasó a mí”, y empecé a darme cuenta y he comprendido a lo largo de los años que muchos de nosotros pasamos por las mismas cosas y experimentamos los mismos tipos de problemas y sentimientos, porque todos somos seres humanos, ¿sabes? Y creo que cuanto más sincero seas al respecto cuando escribes, más honesto eres. Y justo ahí en ese momento, al comienzo de mi carrera, decidí que nunca lo simplificaría. Siempre diré lo que quiero decir. Y creo que eso ha sido realmente importante. Y creo que eso ha marcado, ya sabes, nuestras letras de alguna manera.
Cuando discutimos si “Misery Made Me” representa una nueva era en el sonido de Silverstein, Shane afirmó que sí, mencionando: “Creo que nos habíamos impuesto algunas reglas estúpidas sobre lo que se suponía que debíamos hacer, porque, ya sabes… “Esto no es punk o lo que sea” y luego te das cuenta a lo largo de los años de que a nadie le importa. ¿Por qué nos importaría? ¿Sabes? Y muchas bandas hacen esto y hacen grandes álbumes. Entonces, ¿por qué nosotros, por qué nos limitamos con las herramientas? Y una vez que nos dimos cuenta de que el cielo es el límite, creo que se sintió realmente liberador, sinceramente, que podíamos hacer cualquier cosa. Y sabes, algunas de las canciones que hicimos de esa manera fueron realmente geniales por eso”.
Este álbum tiene una sensación diferente en comparación con sus trabajos anteriores, especialmente en cuanto a la producción. La banda se aventuró a utilizar sintetizadores, teclados y baterías programadas, rompiendo las reglas que previamente se habían impuesto. Esta liberación les permitió explorar nuevas posibilidades musicales y crear un álbum diverso y emocionante.
Con el álbum ya presentado en vivo, le preguntamos a Shane sobre la reacción de los fanáticos. Él compartió que han tocado varias canciones en conciertos, y ha sido una experiencia genial. Mencionó que canciones como “Bankrupt” y “The After Mary” han recibido una respuesta especialmente positiva de la audiencia. La diversidad en el álbum ha sido destacada, ya que abarca desde canciones pesadas hasta acústicas, mostrando la versatilidad de Silverstein.
Antes de finalizar la entrevista, se abordó el tema de cómo Silverstein ha logrado mantenerse relevante y atraer a nuevas generaciones de fanáticos a lo largo de los años, Shane atribuyó esto a la dedicación de la banda para crear canciones increíbles y grabar discos de calidad: “Es difícil de saber, especialmente cuando estás en el medio como yo. Pero creo que siempre hemos puesto nuestras canciones primero y hemos intentado hacer que cada canción sea increíble y grabar discos increíbles. Y sabes, cuando miras nuestros álbumes, tenemos un historial realmente bueno. Y creo que eso es algo que creo que es bastante especial y bastante impresionante para una banda que ha estado en el medio tanto tiempo como nosotros”.
Como último detalle, Shane recomendó a la audiencia explorar la lista de reproducción “All New Punk” en Spotify, en lugar de destacar una banda emergente en particular. Esta lista contiene una gran variedad de bandas nuevas, incluyendo algunas locales, y es una excelente fuente para descubrir música fresca y emocionante.
Shane Told nos deja un mensaje final para los fans mexicanos: “Quiero agradecerles a todos por el amor y el apoyo que nos han brindado a lo largo de los años. Estamos más que emocionados de regresar a la Ciudad de México y compartir esta noche inolvidable con ustedes. Prepárense para una explosión de energía y pasión desbordante. Nos vemos el 12 de agosto en el Frontón México, ¡no se lo pueden perder!”.
Con estas palabras llenas de entusiasmo, la anticipación por el esperado concierto de Silverstein y The Devil Wears Prada en la Ciudad de México se eleva a nuevos niveles. La fecha está marcada, los fans están listos y la emoción es palpable. ¡No hay duda de que será una noche épica llena de música intensa y conexión emocional!
Recuerden, el concierto de Silverstein y The Devil Wears Prada en la Ciudad de México será el 12 de agosto en el Frontón México. ¡Preparen sus voces y sus corazones para una experiencia musical que quedará grabada en sus memorias!
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