Categoría: ENTREVISTAS

Entrevista con Alexia Roditis: Destroy Boys listos para su primer concierto en México

Alexia Roditis, la líder y vocalista de Destroy Boys, comparte sus pensamientos sobre la evolución de la banda, su incursión en el español y el compromiso político en la música, previo a su primer concierto en la Ciudad de México.

Foto: instagram.com/destroyboysband/

En el mundo del punk rock, la potencia, la rebeldía y las voces genuinas han construido un camino único a lo largo del tiempo. En este mundo de sonidos, Destroy Boys, la banda de Sacramento, California, ha destacado por su autenticidad y rebeldía desde que se formaron en 2015. Con su estilo lleno de energía y letras provocadoras, han ganado seguidores leales en todo el mundo. Ahora, están emocionados por su primera actuación en México el 15 de octubre en el Lunario del Auditorio Nacional de la Ciudad de México.

Desde que comenzaron como un proyecto adolescente liderado por Alexia Roditis y Violet Mayugba, Destroy Boys ha tenido un rápido ascenso en la escena del punk rock. Su primer álbum, “Sorry Mom”, se ha convertido en un clásico para sus seguidores, y su música ha seguido evolucionando con lanzamientos notables como “Make Room” y “Open Mouth, Open Heart”. Han firmado con Hopeless Records y trabajado con el productor Will Yip, lo que ha añadido brillo a su catálogo.

Con influencias que abarcan desde clásicos del punk rock de los años 80 hasta iconos contemporáneos, Destroy Boys ha moldeado su propio sonido distintivo, que abarca géneros como punk rock, garage punk, hardcore punk, garage rock y riot grrrl. Su diversidad musical y letras directas los convierten en una banda que rompe barreras y desafía las normas. Hablamos con Alexia Roditis, la líder y vocalista de Destroy Boys, sobre su esperado concierto en México, la evolución de la banda y el estado actual del punk rock.

La banda no se limita a las etiquetas convencionales. Alexia Roditis, la mente maestra detrás de la banda, comparte su visión de un género que ella denomina “Rock Lunar”. Esta nomenclatura sugiere un enfoque en la subconciencia, el crecimiento y la regeneración, en sintonía con las fases cambiantes de la luna. La música de Destroy Boys se caracteriza por su dinamismo, influencias que van más allá de la música y una esencia que abraza lo “lunar”, un término que Roditis prefiere en lugar de “femenino” debido a su asociación con la multiplicidad y la psicología.

“Hace como un mes que he estado pensando en un término que se llama “Rock Lunar”. Me gusta mucho la idea de que el rock, por ser el rock, ese estilo de música que ya es un género en sí mismo. Es una categoría de música muy amplia. Para mí, hay algo relacionado con el título ‘lunar’. Cuando digo eso, estoy pensando en la subconciencia, en el crecimiento y la muerte. También pienso en la regeneración y en las diferentes fases de la luna. He notado que nuestra música, así como la de otras bandas amigas, es dinámica. No se limita solo a la música. Estamos tomando notas de diferentes bandas, estilos de música, formas de arte como películas, pinturas, lecturas y más. Terminamos con una música que refleja mucho nuestro mundo interno, pero que también tiene una esencia femenina que considero importante y no quiero eliminar, aunque no me guste mucho el término ‘femenino’. Prefiero ‘lunar’ porque es femenino, ¿sabes? La luna y el sol son conceptos que me gustan más para describir a los humanos cuando hablamos de las diversas cualidades que poseen. ‘Lunar’ implica ser dinámico y tener múltiples facetas. Y también se relaciona con la psicología”.

La evolución de Destroy Boys es un testimonio de su apertura a la experimentación y la diversidad. Comenzando como un dúo acústico, la banda rápidamente buscó expandirse y reclutar miembros para formar una banda de punk rock completa. A lo largo de los años, han explorado diversos géneros y estilos, destacando su compromiso con la creación de canciones únicas. La llegada de nuevos miembros y la voluntad de probar diferentes sonidos han sido fundamentales en la evolución de la banda.

“Desde entonces, ha habido muchos cambios. Desde el principio, como mencionaste, éramos un dúo acústico, pero sabíamos que queríamos expandirnos y tener más miembros para formar una banda de punk rock. Así que al principio, éramos más una banda. Cuando conseguimos una baterista y más tarde un bajista, comenzamos a cambiar. Éramos muy punk, o mejor dicho, muy rock. A lo largo de los años, hemos estado explorando diferentes tipos de música y estilos. Una característica de nuestra banda es que siempre buscamos que cada canción tenga su propio sonido único. Nos gusta una amplia gama de estilos musicales y a todos nos interesa experimentar con diferentes géneros. Creo que la mayor evolución ha sido nuestra disposición a probar diferentes estilos, ya sean más duros o más hardcore, así como cosas más oscuras e intensas, como PJ Harvey y otros artistas similares”.

Uno de los aspectos más destacados de su álbum “Open Mouth, Open Heart” lanzado en 2021, es la inclusión de canciones en español, un paso significativo para conectarse con un público más diverso y representativo. Roditis compartió su motivación para cantar en español, enfatizando la importancia de representar a la comunidad latina y latinoamericana, así como desafiar la predominancia del inglés en la industria musical.

“Siempre quise escribir en español. Cuando comenzamos con la banda, no hablaba tanto castellano, así que tenía miedo de componer en español debido a la falta de práctica en ese entonces. Siempre deseé incluir una canción en español, y la banda apoyó plenamente esa idea. Esto es significativo tanto a nivel personal como por mis lazos familiares en Argentina. Cada idioma tiene sus propias connotaciones y estilos, y cantar en español es diferente de hacerlo en inglés, tanto vocal como técnicamente. Además, considero importante representar a nuestros seguidores latinos y latinoamericanos, ya que tienen un lugar especial en mi corazón. Es molesto que la mayoría de la música en el mundo sea en inglés, lo que se relaciona con cuestiones de colonización histórica. Quiero cambiar un poco el panorama del rock al ofrecer una canción en español sin traducirla al inglés”.

La decisión de firmar con Hopeless Records en 2021 proporcionó a Destroy Boys un impulso significativo en su carrera. La banda valora el apoyo y los recursos que la disquera ha brindado, permitiéndoles centrarse en su música y en la conexión con sus seguidores. A pesar de las presiones y la necesidad de seguir un calendario, la experiencia ha sido en su mayoría positiva, brindándoles una plataforma más amplia para su música.

“Para nosotras, esto significó (Firmar con Hopeless Records) que teníamos apoyo de otras personas, que no teníamos que hacerlo todo solas y que estábamos trabajando con un sello discográfico. Estar con una disquera nos proporcionó muchas personas con las que hablar y, ya sabes, otros recursos. Por ejemplo, ‘¿Necesitas hacer un video? Aquí tienes $5,000 para hacerlo’, lo que eliminó gran parte de nuestras preocupaciones al respecto. Además, nos dio la oportunidad de conectarnos con otras bandas que también estaban en la discográfica en ese momento. Sin embargo, ha sido interesante, ya que ahora tenemos que seguir un calendario, y personalmente, no me gusta operar de esa manera. Esto puede conllevar ciertas presiones que son parte del negocio al estar en una discográfica. No estoy segura de cuánto, pero en definitiva, son beneficiosas. Son muy competentes y tienen muchos recursos, por lo que en general, ha sido una experiencia positiva”.

La ideología punk siempre ha llevado consigo un mensaje político y social. Alexia Roditis y Destroy Boys son fieles a esta tradición, expresando sus ideas y valores a través de su música. Su compromiso con la música con un propósito político es evidente en su música y en sus discursos antes de los conciertos. La banda abraza la diversidad y el feminismo como lentes a través de los cuales crean su música, y su objetivo es inspirar a sus seguidores a cuestionar y desafiar la norma.

“Bueno, yo soy la más política de la banda, y trato de incorporar eso en todas las formas posibles. Para mí, es fundamental que la música transmita un mensaje político, ya que esto es lo que me ha atraído del punk: la capacidad de enviar un mensaje y tener un propósito. Encierra la idea de que, si algo está mal y no lo queremos, podemos cambiarlo. Me entusiasma la idea de que podemos generar cambios y crear los espacios que deseamos, incluso si el gobierno o la escena musical mainstream no lo hacen. Lo hacemos por nosotros mismos. Creo que hemos cultivado ese espíritu en nuestros seguidores, la mayoría de los cuales son queer y personas diversas y artísticas.

  “Me gusta tener ese momento político antes del espectáculo, antes de que comencemos y también durante el espectáculo. En ese momento, puedo expresar mis ideas, pero la mayor parte del tiempo se trata de entretenimiento y diversión. Antes, tenía la idea de hacer que el espectáculo fuera más político, pero después hablé con los miembros de mi banda y ellos mencionaron que bandas como IDLES, cuyas canciones son en su mayoría políticas o filosóficas, tocan su música en concierto sin hablar de política. Mi baterista me dijo algo interesante: que la gente viene a los espectáculos para escapar de la política, de lo controvertido, y quieren disfrutar del espectáculo, centrarse en divertirse. Por eso, hicimos un compromiso de hablar menos durante el espectáculo y enfocarnos en que sea más sobre diversión y entretenimiento. Esto es importante, no solo como parte de los movimientos sociales, sino también porque disfrutamos de esa sección política que tanto me apasiona”.

El concierto en el Lunario de la Ciudad de México marca un hito importante en la carrera de Destroy Boys. Su primera visita a México promete ser una noche llena de energía y música frenética. La banda ha sido seleccionada como banda abridora para la legendaria banda punk, blink-182, en su gira por los Estados Unidos, lo que demuestra la notoriedad que han ganado a nivel internacional.

“Estamos muy emocionados, muy, muy emocionados por ir a tocar. Yo especialmente porque nunca hemos tocado en un lugar donde se hable español, así que el hecho de subir al escenario y hablar en español va a ser muy divertido y que mi banda no tenga idea de lo que está pasando mientras digo cosas en español. Estamos realmente emocionados por visitar la Ciudad de México y encontrarnos con el público allí. Siempre hemos notado que nuestra audiencia, las personas que vienen a nuestros shows, son muy interesantes y alternativas en cada país que visitamos. Así que estoy emocionada por ver cómo se visten y cuál es el estilo de todos nuestros fans. Además, estoy emocionada por lo que pueden esperar de nosotros. Lo que pueden esperar es un espectáculo divertido y ruidoso, una especie de liberación. Nuestros shows siempre están llenos de energía, a veces caóticos, pero en última instancia, una celebración del caos perfecto”, finalizó Alexia Roditis.

El próximo 15 de octubre, la Ciudad de México será testigo de una noche llena de energía y música frenética cuando Destroy Boys se presente en el Lunario. La banda abridora, Las Pijamas, se unirá a ellos para ofrecer una experiencia única llena de punk y diversión desenfrenada.

Así que, si aún no tienes tu boleto, no pierdas la oportunidad de ser parte de esta explosión de música frenética en el corazón de la Ciudad de México. La cuenta regresiva ha comenzado, y el Lunario del Auditorio Nacional será testigo de una noche épica que no puedes perderte. ¡Corre por tus boletos y prepárate para el caos controlado de Destroy Boys!

Entrevista con Enter Shikari: Rou Reynolds habla sobre su regreso a México

La banda británica Enter Shikari está lista para conquistar nuevamente a sus leales seguidores en México con sus dos presentaciones.

Foto: facebook.com/entershikari

La intensidad y la pasión del rock alternativo están a punto de tomar por asalto una vez más los escenarios mexicanos. La banda británica Enter Shikari, conocida por su líder y vocalista Rou Reynolds, se encuentra lista para cautivar a sus leales seguidores en México. Con más de dos décadas de experiencia en la industria musical y una reputación de innovación, la banda está de vuelta para presentar su séptimo álbum de estudio, “A Kiss for the Whole World”, en dos emocionantes conciertos programados para el 29 y 30 de septiembre en Ciudad de México y Guadalajara, respectivamente.

En el mundo del rock alternativo, el nombre de Rou Reynolds resuena con un peso y una influencia considerable. Con 20 años en la industria musical, Reynolds ha liderado Enter Shikari hacia la cima del género. Ahora, con una carrera llena de éxitos y momentos innovadores, la banda se prepara para regresar a México, donde dejaron una huella imborrable en el corazón de los fanáticos en su debut en el Knot Fest Mexico de 2016. Desde entonces, la expectación por su regreso ha ido en constante aumento.

Pero eso no es todo. Enter Shikari tiene un regalo especial para sus seguidores mexicanos. Su nuevo álbum, titulado “A Kiss for the Whole World”, está listo para ser presentado en vivo en México. Este material promete una experiencia auditiva que desafía los límites del género y refleja la evolución constante que ha marcado la carrera de la banda.

Previo a su llegada a México, tuvimos la oportunidad de conversar con Rou Reynolds sobre este esperado regreso. El líder de Enter Shikari compartió detalles sobre su próxima visita, del proceso creativo detrás de “A Kiss for the Whole World” y cómo la banda ha logrado mantenerse en la vanguardia de la escena musical durante más de dos décadas.

Regresando a México con sus primeros shows propios

El regreso de Enter Shikari a México con sus primeros shows propios ha sido una larga espera para sus leales seguidores mexicanos. Rou Reynolds nos confiesa que se siente contento por esta oportunidad y emocionado por conocer a su audiencia en México de manera más cercana. Tras su única presentación en el Knotfest, están ansiosos por saber si realmente han conquistado a los corazones mexicanos. “Me siento aliviado. Creo que, sabes, esto es algo que hemos querido hacer durante años y años. Y desde que se programó esto, hemos estado muy emocionados, finalmente tocando nuestros propios shows en México. No sabemos qué esperar, sabes. Hicimos solo un show en Knotfest, lo que fue hace unos años. Y no estamos seguros, ya sabes, cuando tocas en festivales, asumimos que la mayoría de las personas están allí solo para ver a Slipknot, no sabemos si alguien realmente disfrutó de nuestro set. Pero creo que estos son nuestros propios shows, así que realmente vamos a conocer México. Vamos a conocer a nuestra audiencia en México y veremos si hay emoción por nuestra banda y si deberíamos intentar regresar mucho más seguido esta vez. Así que sí, estamos muy emocionados”, comenta Reynolds. Este regreso representa una oportunidad única para Enter Shikari de profundizar su relación con la audiencia mexicana y posiblemente convertirse en visitantes regulares.

Evolución Constante

Con “A Kiss for the Whole World”, Enter Shikari continúa su evolución musical. Cada álbum de la banda ha sido una exploración de nuevos territorios sonoros, y este no es la excepción. Rou Reynolds explica que la evolución es natural para la banda, que ve la música como una exploración constante. “Realmente veo la música y el arte en general como una exploración. Creo que como seres humanos eso es lo que hacemos. Nos encanta crear. Nos encanta explorar. Somos curiosos, eso es lo que somos. Y creo que como banda, somos muy afortunados de haber tenido libertad creativa. Nuestra audiencia acepta que nuestra música cambia, es muy diversa, tiene diferentes instrumentaciones, ideas, sonidos y texturas. Me siento agradecido de que todavía podamos hacerlo. Esa es la exploración, eso es lo que lo mantiene emocionante. Eso es lo que lo mantiene genuino para nosotros, porque si solo estuviéramos haciendo el mismo tipo de música, los mismos álbumes una y otra vez, no sería real. La pasión comenzaría a disiparse, perderíamos entusiasmo, aunque sea un poco. Pero eso simplemente no sucede con nosotros porque podemos seguir intentando cosas nuevas, seguir avanzando, seguir tratando de transmitir diferentes ideas, emociones y experiencias. Así que sí, eso es algo que siempre haremos y estamos muy agradecidos de poder hacerlo”, dice. La libertad creativa que han tenido ha permitido a Enter Shikari seguir innovando y manteniendo la pasión y la autenticidad en su música. El nuevo álbum ha sido aclamado por la crítica por su energética mezcla de géneros, fusionando elementos del punk, la electrónica y el post hardcore.

Compromiso con la Comunidad

Enter Shikari también se ha destacado por su compromiso con la comunidad. Rou Reynolds habla sobre su apoyo al equipo de fútbol St Albans City Football Club y la iniciativa reciente con el Pioneer Club. Para la banda, la comunidad es esencial y sienten que le deben mucho a su entorno local. “Siempre nos ha interesado mucho la comunidad, la idea de comunidad. Siento que le debemos mucho a nuestra comunidad local. Fue una ciudad tan vibrante con tantos estilos de música diferentes que nos inspiraron, tantos aspectos de la vida que se sentían comunitarios. Así que el fútbol es una forma. El fútbol local, creo que el gran fútbol ha sido completamente distorsionado por el capitalismo. Pero el fútbol local se trata de la comunidad. Es donde personas de todos los ámbitos de la vida se unen para apoyar a su equipo. Es algo bastante hermoso. Así que esa es la razón por la que quisimos colaborar con nuestro equipo local. Y lo mismo con nuestro club juvenil local. Es donde crecimos tocando shows. Solíamos organizar nuestros propios shows y hemos tenido muchas batallas con nuestro consejo local, muchas políticas locales que son muy difíciles porque la ciudad en sí suele ser bastante conservadora y realmente no apoya la cultura juvenil en absoluto, lo cual es muy triste. Así que, sí, es algo que sentimos, ahora que hemos tenido cierto grado de éxito, fue agradable poder volver y apoyar este lugar local que realmente nos creó o tuvo algún grado de influencia en lo que es Enter Shikari”, comenta Reynolds. Su conexión con la comunidad se remonta a los primeros días de la banda, cuando solían tocar en su ciudad natal.

El Desafío de la Industria Musical Actual

Hablando sobre los desafíos de la industria musical actual, Rou Reynolds señala la presión que las redes sociales y la constante promoción ejercen sobre las bandas. “Sí, en este momento las cosas están avanzando casi incesantemente. Es difícil saber cómo promocionarte. Realmente siento lástima por las bandas y artistas que están comenzando ahora. Creo que es un paisaje muy diferente. Cuando comenzamos, era principalmente hacer música y dar shows, y si tus shows eran emocionantes, eso era suficiente. Mientras que ahora, la música es solo ¿es incluso la mitad? ¿Es el 50% de lo que tienes que hacer? El otro 50% de tu tiempo debes dedicarlo a tu estética, a todos tus perfiles en redes sociales. Debes descubrir cuál es tu historia, cómo te vendes a ti mismo, cómo destacas entre el ruido y la publicidad. Sí, es muy, muy difícil hoy en día. Y, ya sabes, es difícil para nosotros porque no somos nativos en esto, no crecimos con TikTok, por ejemplo, como una plataforma básica. Esto es algo a lo que nos hemos sumado. Así que es muy interesante ver cómo van las cosas. Pero, no recuerdo cuál era la palabra que buscaba. Sí, básicamente, estoy contento de que no estemos empezando ahora porque es difícil”, dice. La música ya no es solo un 50% de la ecuación; la otra mitad se destina a la promoción y la gestión de la presencia en las redes sociales. Esto plantea un desafío constante para las bandas, especialmente para las que están comenzando en este nuevo paisaje musical. Enter Shikari se siente afortunado de no haber comenzado en esta era y valora la libertad creativa que han tenido a lo largo de los años.

Un Mensaje para los Fanáticos Mexicanos

Finalmente, Rou Reynolds envía un mensaje a los fanáticos mexicanos que esperan con ansias los conciertos de Enter Shikari. “Lamento que haya tomado tanto tiempo. Es ridículo. Deberíamos haber hecho esto hace mucho, mucho tiempo. Para ser justos, lo hemos estado intentando, pero simplemente nunca funcionó. Pero sí, estamos muy emocionados de finalmente venir y tocar nuestros propios shows en México. Tenemos un nuevo repertorio. Estamos emocionados por la nueva música. Estamos emocionados por la música antigua. Tocaremos un set variado para todos y simplemente tendremos una fiesta, básicamente. Y sí, esperamos que la gente lo disfrute y que podamos volver mucho más seguido”, comenta con humildad. La banda está emocionada por presentar su nuevo repertorio y tocar tanto música nueva como antigua. Esperan que los fanáticos disfruten de la fiesta y que puedan regresar a México con mayor frecuencia en el futuro.

La llegada de Enter Shikari a México para promocionar “A Kiss for the Whole World” promete ser un acontecimiento imperdible. La energía y la pasión de la banda británica están listas para cautivar una vez más a su audiencia mexicana, consolidándolos como una de las agrupaciones más relevantes de la escena musical actual. Los conciertos se llevarán a cabo el 29 de septiembre en el Foro Indie Rocks de la Ciudad de México y el 30 de septiembre en el C3 Stage de Guadalajara, Jalisco. Los fanáticos están listos para dejarse llevar por la poderosa propuesta musical de Enter Shikari y disfrutar de una experiencia sin igual.

La voz de The Devil Wears Prada: Entrevista con Mike Hranica sobre su regreso a México

Mike Hranica, vocalista de The Devil Wears Prada, comparte su emoción y perspectivas sobre la evolución de la banda y su regreso a México.

Foto: facebook.com/tdwp

La atmósfera en la Ciudad de México está cargada de anticipación y emoción a medida que se acerca rápidamente la fecha del 12 de agosto. En un evento esperado por la comunidad de seguidores del metalcore y post-hardcore, dos gigantes del género, Silverstein y The Devil Wears Prada, se preparan para un encuentro inolvidable en el Frontón México. La larga espera de los fanáticos mexicanos finalmente llega a su fin, marcando el regreso de estas icónicas bandas a tierras mexicanas después de años de ausencia.

Hace más de una década, The Devil Wears Prada hizo temblar el escenario mexicano en el Circo Volador, compartiendo el escenario con Whitechapel y presentando su cuarto álbum de estudio, “Dead Throne”. Ahora, después de 11 años, regresan con un nuevo material bajo el brazo: “Color Decay”.

Su más reciente material discográfico es un testimonio de esta evolución musical. Con doce cautivadores temas, el álbum equilibra hábilmente la turbulencia metálica, el espíritu hardcore, el lirismo provocativamente elocuente y el exorcismo melódico característico de la banda.

The Devil Wears Prada ha dejado una marca significativa en la escena musical desde su aparición a mediados de la década de 2000. La banda de metalcore, compuesta por Mike Hranica, Jeremy DePoyster, Kyle Sipress, Jonathan Gering, Giuseppe Capolupo y Mason Nagy, ha evolucionado constantemente su estilo, creando composiciones que combinan la pesadez del metalcore, la melancolía y letras poéticas.

Recordando su última visita a la Ciudad de México hace más de una década, Mike Hranica, líder y vocalista de The Devil Wears Prada, compartió su entusiasmo por el regreso. “Estoy muy emocionado. Ha pasado mucho tiempo y Silverstein, unos grandes amigos nuestros desde hace mucho tiempo. No podríamos pedir mejores circunstancias para regresar a la Ciudad de México. Estoy muy emocionado y realmente esperamos mucho este momento”, expresó con una sonrisa.

Desde su última aparición en México, la banda ha evolucionado en su sonido y estilo, algo que Mike describe como una maduración constante y la perfección de sus habilidades. “Creo que escribir canciones es bastante similar, aprender de errores, aprender a hacer las cosas mejor. Y creo que eso es bastante evidente al observar la evolución del arte de la composición de Prada”, compartió Mike mientras explorábamos el desarrollo musical de la banda.

La evolución de su sonido es palpable en su último lanzamiento, “Color Decay”, un álbum que combina la turbulencia del metalcore con letras poéticas y melodías cautivadoras. Mike nos reveló algunos secretos detrás de la creación de este trabajo. “Fue completamente autoproducido, algo que nunca antes había hecho, en el desierto cerca de Palm Springs, lo cual fue muy divertido y un entorno diferente al que estamos acostumbrados, pero realmente lo disfrutamos y probablemente será un medio o una configuración que utilicemos nuevamente en el futuro.”, dijo Mike, destacando cómo el entorno influyó en el resultado del álbum.

“Color Decay” ha sido aclamado por la crítica, y Mike compartió su gratitud por la respuesta positiva. “Los comentarios han sido maravillosos y estamos realmente agradecidos por eso. Creo que al comparar “Color Decay” con el álbum anterior, “The Act”, específicamente, creo que hay varios elementos que están más afinados. Creo que se presta más atención a las sensibilidades que aportamos en términos de los coros y los versos. Oh sí, eso. Y cuando llegó la pandemia, nosotros también lo hicimos y replanteamos cómo íbamos a comenzar a crear canciones nuevamente. John simplemente es el cerebro maestro y el manipulador de la creación de estas canciones, y lo hace de la mejor manera, creo.”, señaló, resaltando la evolución en la atención a los detalles de la composición.

La canción “Salt” se alza como una representación clave del álbum. “Creo que ‘Salt’ es definitivamente una canción que resume mucho de lo que hicimos en ‘Color Decay’. Es pegajosa, tiene un gran coro, es animada. Sí. Creo que ‘Salt’ es la que ejemplifica ‘Color Decay'”, compartió Mike.

Reflexionando sobre la escena musical actual, Mike habló del éxito del metalcore y su avance hacia el mainstream. “Creo que es increíble lo que están haciendo las bandas. Bandas como Architects y Bring Me the Horizon han explotado de una manera impresionante. Ver a bandas como A Day to Remember tocando Breakdowns para miles y miles de personas. El Metalcore está tratando de colarse y hacer una carrera en lo que es el rock activo o lo que solía ser el nu metal, como en los finales de los 90, cuando estaba llegando a la mayoría de edad en mis años de adolescencia y buscaba música que me gustara. Creo que el Metalcore está en un gran lugar en este momento en cuanto a su avance hacia el mainstream y su reproducción en la radio y todo eso. Y es increíble. Estoy realmente agradecido, y The Devil Wears Prada busca aprovechar eso”, comentó Mike, subrayando la relevancia y la emocionante evolución del género.

Hablando sobre su larga carrera en la industria, Mike compartió lecciones valiosas aprendidas al compartir el escenario con bandas icónicas. “Siempre tratamos de mantener un alto nivel de profesionalismo para no meternos en problemas, tomando en serio el componente profesional. Y creo que eso se nota cuando ves a grandes bandas legadas que han estado matándolo durante mucho tiempo. Tocar en una banda es lo que quieres, pero muchas veces, según tu propio juicio, es lo que subraya la profesionalidad y tratar a los demás como te gustaría que te traten. Hay una frase que alguna vez escuché sobre cómo tratar a las personas, como cuando vamos a lugares como la Ciudad de México. Es súper genial poder ir allí y tratarlo como si estuviéramos de vacaciones o siendo turistas. Esa es mi perspectiva al respecto. Y estoy seguro de que tocar los shows y espero no arruinarlo demasiado. Así que mis expectativas son simplemente que será un viaje divertido”, dijo Mike, enfatizando la importancia de mantener la integridad y tratar a los demás con respeto.

Después de más de 15 años en la escena, The Devil Wears Prada se ha ganado su lugar como una de las principales representantes del metalcore. Mike expresó con orgullo: “Oh, creo que lo llevamos con orgullo. Sé que el título y el género tienen algunas connotaciones negativas. Sé que algunas bandas intentan decir: “No nos llamen así”. Pero para nosotros, lo tomamos casi como un halago y lo abrazamos. Creo que lo que el Metalcore significaba para mí cuando tenía 16 años es definitivamente diferente a lo que significa ahora. Pero, ya sabes, es música pesada, tiene riffs de metal, breakdowns, Hardcore, y combina sensibilidades pop en los coros y cosas así. Eso es lo que hacemos activamente. Y creo que, no sé, simplemente no hay parte de mí que trate de evitar ese título. Creo que Prada lo lleva con orgullo”, cuando se refirió al género y al título de la banda.

La conversación también tocó temas sobre el cambio en la industria musical debido al auge del streaming y las redes sociales. “Sí. Es un negocio. Cualquier negocio que trate de captar la atención de la gente en Instagram o cualquier otra plataforma sigue muchos de los mismos principios que intentamos aplicar para hacer crecer a la banda en este momento. Me siento un poco fuera de eso. Jeremy y Paul, nuestro manager, se encargan de muchas de esas cosas y lo hacen mucho mejor de lo que yo podría hacerlo. Así que estoy un poco al margen, haciendo lo que mejor sé hacer, que es no estar al tanto de todos los aspectos del negocio en torno a la banda. Pero, ya sabes, el streaming y las listas de reproducción son muy importantes para intentar crecer. Tener un fuerte seguimiento en línea es muy importante para crecer, y se trata simplemente de descifrar el algoritmo, al igual que lo hace un influencer o un bar o restaurante local. No tengo todas las respuestas, pero estoy agradecido de tener personas en torno a Prada y en Prada que pueden controlar eso mejor que yo”, compartió Mike, reconociendo la importancia de adaptarse a los cambios tecnológicos.

Fuera del mundo de la música, Mike reveló sus pasiones por la carpintería, el hockey sobre hielo y la literatura, que influyen en su creatividad. “Me considero un aficionado en cuanto a que me gusta involucrarme en todo tipo de actividades y aficiones. En general, me gusta trabajar la madera. Me gusta hacer remodelaciones por mi cuenta en mis hogares o lugares donde vivo. Soy un gran fanático del hockey. Me encantan los deportes, pero en particular el hockey sobre hielo, algo que ocupa mucho de mi tiempo durante el día y esta mañana patiné. Es una de mis cosas absolutamente favoritas en el mundo junto con la literatura. Creo que saco más de la lectura que de cualquier otra cosa en términos de llevarlo a Prada o llevarlo a mi proceso creativo. Solía escuchar bandas y pensar: “Oh, quiero hacer algo como eso”. Pero ahora, es más la lectura y tomar la literatura y traducirla en letras, creo que es uno de los aspectos más importantes de mi creatividad”, compartió.

Con el tiempo, la banda ha enfrentado altibajos, cambios y evoluciones. Mike reflexionó sobre la perseverancia de la banda y su compromiso con la música. “Sí, creo que todos hemos envejecido juntos. Cualquier banda quiere ganar nuevos seguidores, nuevos fanáticos jóvenes, y cosas así. Pero los fanáticos acérrimos que nos han acompañado durante 15 años, todos están trabajando. Ya no viven con sus padres, tienen hijos y sus hijos van a los shows si tienen la edad suficiente, ya sabes. Y creo que lo que realmente vemos es el aspecto de la edad. Y es genial. Realmente nunca tuve aspiraciones de tocar música en primer lugar. Así que el hecho de que todavía estemos haciendo esto desde que tenía 16 años y que la gente envejezca al igual que nosotros o cualquier otra persona es genial.”, compartió Mike, reconociendo el valor de los seguidores leales.

Al cerrar la entrevista, Mike envió un mensaje emocionado a los fanáticos en México: “Realmente no puedo expresar lo emocionados que estamos. Va a ser muy divertido. Nos veremos pronto”.

El regreso de The Devil Wears Prada y Silverstein a la Ciudad de México promete una noche de poderoso metalcore, emociones intensas y conexión genuina con los fanáticos. Con su evolución constante y su pasión incansable, The Devil Wears Prada sigue marcando su lugar en la historia de la música, listos para cautivar y conquistar una vez más.

Alex Gaskarth y Jack Barakat de All Time Low: La emoción de regresar a México y su nuevo álbum ‘Tell Me I’m Alive’

Después de su aplaudida participación en el Corona Capital 2021, All Time Low está de regreso en la capital mexicana junto a Mayday Parade en una noche que promete ser inolvidable.

Foto: facebook.com/alltimelow

La espera ha llegado a su fin para los fanáticos mexicanos de All Time Low. La banda estadounidense oriunda de Maryland, se prepara para deslumbrar una vez más en tierras aztecas, en esta ocasión acompañados por los talentosos Mayday Parade.

All Time Low ha dejado una huella indeleble en la escena musical desde su formación en 2003. Compuesta por Alex Gaskarth, Jack Barakat, Zack Merrick y Rian Dawson, la agrupación de pop punk ha cautivado a audiencias de todo el mundo con su estilo inconfundible y sus letras honestas y pegadizas. Tomando su nombre de la letra de la canción “Head on Collision” de New Found Glory, All Time Low ha sabido mantenerse fiel a sus raíces mientras evoluciona constantemente, consolidándose como una fuerza influyente en la música contemporánea.

Después de un triunfal paso por el festival Corona Capital 2021 en la Ciudad de México, All Time Low regresa a tierras mexicanas. El próximo 22 de junio, el Pepsi Center WTC será testigo de una noche inolvidable cuando ambas bandas se unan en el escenario en el marco de la gira “TELL ME I’M ALIVE On Tour”, en apoyo a su más reciente álbum de estudio, “Tell Me I’m Alive”.

Su gira estadounidense está llegando a su fin, pero aún quedan tres fechas para el fin de semana. Después de unos días de descanso, y previo a su concierto de la Ciudad de México tuvimos la oportunidad de conversar vía Zoom con Alex Gaskarth y Jack Barakat, vocalista y guitarrista de la agrupación, respectivamente. Ambos se mostraron muy entusiasmados y agradecidos por el apoyo que siempre han recibido en México, y nos contaron algunos detalles sobre su proceso creativo, sus influencias y sus expectativas.

Hablando sobre su regreso a la Ciudad de México después de dos años, los músicos expresaron su emoción. Recordaron su actuación en el Corona Capital, que se destacó como uno de los conciertos favoritos que habían dado recientemente. Están encantados de tener la oportunidad de tocar en México nuevamente con un concierto propio y esperan ofrecer un espectáculo memorable en el Pepsi Center WTC.

“Muy emocionados. El Corona Capital fue realmente memorable. Fue realmente, como si se destacara como uno de mis conciertos favoritos que tocamos recientemente. Nos encanta tocar en festivales, y ver a tanta gente allí para nosotros fue increíble. Nos hizo sentir como estrellas de rock. Sí, fue especial. No hemos ido a México como headliners en mucho tiempo, así que es muy bueno estar haciendo nuestro propio concierto como cabezas de cartel”, afirmó Alex.

La conexión con sus fans mexicanos es algo que Alex y Jack aprecian enormemente. Admiran el amor y apoyo que reciben en México y siempre esperan con ansias cada visita. Para ellos, los fanáticos mexicanos son apasionados y entusiastas, y su respuesta los ha sorprendido gratamente desde la primera vez que estuvieron en el país. La oportunidad de volver a conectarse con sus seguidores mexicanos es algo que esperan con entusiasmo.

“Estamos emocionados. México nos ha mostrado tanto amor a lo largo de los años, y hay tanto como que los fanáticos son tan apasionados y siempre muestran mucho entusiasmo y una gran cantidad de apoyo cada vez que venimos. Y para ser honesto, realmente no hemos podido ir tanto como nos gustaría, así que cada vez que venimos y tocamos en México, es un placer. Y, sí, estoy deseando que llegue. Y el hecho de que lo estamos haciendo es que realmente solo hemos tocado en la Ciudad de México, creo, así que esta vez para venir, encabezar la Ciudad de México, luego ir a Monterey y tocar en el festival también. Es realmente agradable llegar a pasar un par de días allí por una vez”, expresó Alex.

El nuevo álbum de All Time Low, “Tell Me I’m Alive”, fue un tema importante en la conversación. Los músicos explicaron que el título del álbum surgió como un recordatorio de que la vida sigue adelante, con o sin uno mismo. El disco explora temas de soledad, aislamiento y tiene un tono más pesado y oscuro en comparación con su anterior trabajo.

“Creo que el título surgió de esta idea de solo necesitar un recordatorio de que la vida sigue avanzando contigo o sin ti. Y creo que el disco trata muchos temas de soledad, aislamiento, y es un disco más pesado y oscuro que “Wake Up, Sunshine”, pero creo que realmente está destinado a servir como un mensaje de motivación de, como, no estás muerto todavía, aún no estás bajo tierra, como, ve a vivir tu vida. Y creo que los temas en el disco son algo así como aceptar eso, lidiar con eso, lidiar con eso, levantarse uno mismo. Sí. Volviendo después de eso”, explicó Alex.

Cuando se les preguntó qué canción del álbum consideraban más representativa, Alex y Jack encontraron difícil elegir una sola. Explicaron que el álbum era una amalgama de diferentes influencias y vibraciones, reflejando las diferentes etapas de All Time Low en ese momento. Mencionaron que “Tell Me I’m Alive” y “Sleepwalking” representaban dos lados del álbum y su dualidad.

“El álbum es muy parecido a ¿cuál es la palabra? Como una amalgama de bastante tiempo dedicado a escribir. Así que hay algunos discos que hemos hecho que son muy concisos y se sienten muy juntos, y es un cuerpo de trabajo, algo así como “Wake Up Sunshine”, no te asustes, esos me vienen a la mente. Este disco se siente como una expresión de todas las diferentes caminatas en las que se encontraba All Time Low en ese momento. Así que hay muchas ideas y vibraciones diferentes en el disco, por lo que es difícil reducirlo a una sola canción. Supongo que diría que de alguna manera, como “Tell Me I’m Alive” y luego “Sleepwalking” son una especie de caminar por los dos lados del disco. Veo mucho que haya una especie de dualidad en el álbum, y esos son los dos lados”.

La carrera de All Time Low ha estado llena de momentos memorables, y los músicos compartieron algunos de sus favoritos. Conocer a blink-182 y girar por Europa y Australia fue especialmente significativo para ellos, ya que consideraban que no existirían como banda sin la influencia del trío californiano.

“Creo que conocer a blink-182 e ir de gira por Europa y Australia fue algo muy importante para nosotros, en realidad fue algo muy importante para nosotros porque no creo que All Time Low exista sin esa banda”, comentó Jack.

Además, se siente honrados de ser una inspiración para otras bandas y encontraban surrealista estar en ese papel. Aunque a veces tienen síndrome del impostor, están orgullosos del legado que han creado y del impacto que habían tenido en otros artistas.

“Es muy surrealista. Cada vez que alguien, como un artista, aparece y dice que lo inspiramos o influimos en él, es como una experiencia fuera del cuerpo, porque hablamos sobre nuestro comienzo y nuestros primeros días y nuestra inspiración e impulso como Jack hablando con Blink en ese momento, todavía nos vemos a nosotros mismos de esa manera. Así que es difícil percibirte como si hubieras cruzado a este otro lugar donde representas eso para otra persona”, continuó.

La evolución musical de All Time Low también fue un tema de discusión. Desde sus inicios, la banda ha buscado superar sus propios límites y probar cosas nuevas, manteniéndose fieles a su esencia pero incorporando influencias frescas.

“Creo que cuando empezamos, solo se trataba de tocar rápido y fuerte y pasar un buen rato en el escenario, y todas esas cosas siguen siendo ciertas. Pero cuantos más discos hacemos, más queremos superar nuestros límites y probar cosas nuevas y encontrar formas de mantenernos fieles a todos los tiempos, pero traer suficiente influencia e inspiración nuevas para que no se sienta obsoleto”, dijo Alex.

 Jack añadió: “Aunque también les gusta separarse de la cantidad de artistas que hay ahora mismo. Grandes artistas. Cuando llegamos, había muchas bandas, pero siento que ahora hay probablemente más que nunca. Es como, ya sabes, tratamos de hacer lo que acaba de decir Alex y seguir adelante y crear cosas nuevas que sean únicas, pero también tratando de estar siempre bajo. Es difícil, pero lo mantiene interesante y nos mantiene interesados en lo que hacemos”.

La conversación se movió hacia los consejos que tendrían para aquellos que están comenzando en la industria de la música. Alex enfatizó la importancia de mantenerse fiel a uno mismo y ser una buena persona en el proceso.

“Creo que uno de los consejos más importantes es mantenerse fiel a tu sonido y a ti mismo como artista, hacer lo que sientas que te representa mejor en ese momento”, aconsejó. “Ser una buena persona, intentar serlo, es importante. Hacer conexiones valiosas y no pisotear a los demás para alcanzar tus metas”, expresó Alex.

Jack apoyó las palabras de Alex y enfatizó la importancia de levantar a las personas de tu comunidad en lugar de competir de manera destructiva.

“Creo que todos hemos crecido y tenido más éxito porque las bandas cercanas a nosotros nos han ayudado mientras nosotros intentábamos ayudarlas. Y eso es realmente importante. Bandas como Mayday Parade y The Maine, bandas a las que seguimos admirando hasta el día de hoy”, compartió Jack.

Cuando se mencionó la posibilidad de colaborar con artistas mexicanos o explorar la música latina, Alex admitió no estar muy familiarizado con artistas mexicanos, pero mostró su entusiasmo por la idea de colaborar con ellos. Además, destacó la importancia de aprender y tomar algo de cada colaboración.

“Para ser honesto, no estoy muy familiarizado, pero me encantaría. Sería realmente genial, muy inspirador. Cada vez que colaboramos con alguien, siempre hay algo que aprender y tomar de ese artista. Entonces, sí, creo que sería muy interesante traer no solo inspiración de una cultura diferente, sino también de un idioma diferente. Sería muy genial. ¿Con quién deberíamos colaborar?”

También se les preguntó sobre sus futuras colaboraciones soñadas, ambos mencionaron diferentes artistas, como Miley Cyrus, The Weekend y Post Malone. Expresaron su interés en trabajar con artistas fuera de su género y descubrir nuevas formas de crear música.

“Hay muchas cosas que amamos, pero creo que lo más importante es cómo naturalmente se han juntado muchas de las colaboraciones que hemos hecho. Desde aquí, me encantaría colaborar con Miley Cyrus, The Weekend. The Weekend sería increíble. Post Malone sería increíble. Principalmente, me gusta hacer colaboraciones dentro del género, como las que hemos hecho antes, han sido geniales, pero creo que aún más importante es salir de tu género y hacer cosas con personas que están fuera de él y que están haciendo su propia música, creo que eso puede resultar en algo realmente especial. Sí, definitivamente hemos puesto énfasis en tratar de colaborar y trabajar con personas que están un poco fuera de lo común y con quienes tal vez la gente no esperaría que trabajáramos, sabes, creo que la colaboración con Black Bear y Demi fue algo realmente divertido que surgió porque la gente dijo, espera, ¿qué? Fue, creo que esa naturaleza sorprendente de ello es realmente divertida.

Hablando sobre su presentación en la Ciudad de México, ambos músicos se mostraron emocionados por la oportunidad de tocar un set más amplio y dinámico en comparación con un festival. También destacaron la importancia de compartir el escenario con Mayday Parade, una banda con la que han tenido una larga relación. Recordaron con cariño los primeros años de giras juntos y cómo esta oportunidad de reunirse era un testimonio de la fuerza de ambas bandas y sus fanáticos.

“Significa mucho. Mayday Parade fue una de las primeras bandas con las que giramos cuando éramos más jóvenes. Empezamos a girar con ellos cuando teníamos 19 o 20 años, y poder hacer esto todavía después de 15 años, tanto para ellos como para nosotros, es un testimonio de nuestros fans y de nuestras bandas. Hacerlo con tus amigos hace que sea mucho más divertido. Ellos fueron la primera banda que invitamos, así que estábamos muy felices cuando dijeron que sí. Además, es una especie de continuación genial de esta gira, porque esta gira termina y luego, como 3 o 4 días después, vamos a México”, mencionó Jack. 

Finalmente, Alex y Jack enviaron un mensaje a sus fans mexicanos que asistirán a su concierto en el Pepsi Center. Expresaron su cariño, entusiasmo y la importancia de mantener la energía arriba durante el concierto.

Sin duda, los fanáticos mexicanos podrán disfrutar de un show enérgico y lleno de emociones el próximo 22 de junio en la Ciudad de México.

Entrevista con Silverstein: Shane Told habla de la emoción por volver a México

Silverstein regresa a la Ciudad de México después de seis años para ofrecer un espectáculo inolvidable junto a sus amigos de The Devil Wears Prada.

Fotos: facebook.com/silversteinmusic

En la atmósfera cargada de anticipación en la Ciudad de México, los corazones de los fanáticos del post-hardcore laten al ritmo del inminente concierto de Silverstein. La legendaria banda canadiense, formada en Burlington, Ontario en el año 2000, está lista para desatar su energía frenética y cautivadora en el emblemático escenario del Frontón México el próximo 12 de agosto.

Silverstein, cuyo nombre honra al célebre autor de literatura infantil Shel Silverstein, ha forjado un camino singular en el panorama del post-hardcore. Con Shane Told liderando el grupo con su poderosa voz, y respaldado por el talento arrollador de Paul Marc Rousseau y Josh Bradford en las guitarras, Billy Hamilton en el bajo y Paul Koehler en la batería, la banda ha creado una discografía impresionante que abarca once álbumes de estudio, siete EP y un álbum en vivo.

La última vez que Silverstein se presentó en México fue en 2017, lo que hace de este evento una ocasión especial para los fanáticos mexicanos. Durante estos años, la banda lanzó “Dead Reflection” en 2017, “A Beautiful Place to Drown” en 2020 y su álbum más reciente, “Misery Made Me”, un trabajo en el que exploran la oscuridad y la soledad que surgieron durante los tiempos difíciles de la pandemia. Su último lanzamiento producido por Sam Guaiana, ha dejado su huella en los corazones de sus fanáticos con su poder emocional y colaboraciones con artistas como Andrew Neufeld de Comeback Kid, Trevor Daniel, Mike Hranica de The Devil Wears Prada y nothing,nowhere.

Para conocer más detalles sobre este tan esperado evento, tuvimos la oportunidad de platicar con Shane Told, líder y vocalista de Silverstein. El entusiasmo se percibe en su voz mientras habla sobre el regreso a México y la oportunidad de compartir el escenario con The Devil Wears Prada.

Shane Told, con su característico carisma, nos dice: “No puedo esperar, hombre. México ha sido increíble para nosotros a lo largo de los años y, ya sabes, no es un lugar al que podamos ir todos los días o todos los años, así que para nosotros, poder regresar con nuestro propio concierto allí de nuevo, es realmente emocionante, muy emocionante”.

La emoción se intensifica cuando le preguntamos sobre las expectativas para este espectáculo junto a The Devil Wears Prada. Shane nos da una idea de lo que podemos esperar: “Bueno, la gente por tu zona, Enrique, está absolutamente loca. La pasión es real. Y, ya sabes, creo que el hecho de que no hayamos estado allí en mucho tiempo, probablemente muchas personas nunca nos hayan visto antes. Es muy emocionante. Solo espero un absoluto caos y locura. Sabes, más energía de la que se puede contener en una habitación y el público… Sí, vamos a ir con nuestros mejores amigos del mundo, The Devil Wears Prada, también es genial. Así que es un espectáculo impresionante, impresionante que hemos preparado y estamos muy emocionados”.

La conversación se adentra en la relación especial que Silverstein ha establecido con el público latinoamericano, y Shane Told nos comenta sobre la energía desenfrenada que caracteriza a los fans en esta región: “Absolutamente. México es muy similar al resto de América Latina en el sentido de que es pura locura. Es un caos absoluto. Cada persona está enloquecida, prácticamente durante todo el espectáculo, y es genial, ¿sabes? Ves a todos muy comprometidos, todos escuchan, todos están como pendientes de cada palabra, de cada acorde”.

Comenzamos a discutir sobre su álbum más reciente, “Misery Made Me”. Shane nos habló sobre la inspiración detrás de este trabajo y cómo se reflejó en las letras y el sonido del mismo.

El álbum fue escrito y grabado durante los tiempos tumultuosos de la pandemia, cuando Canadá estaba experimentando un alto número de casos graves y cierres. Shane explicó que la soledad fue un tema central en las canciones, reflejando el estado de ánimo oscuro de aquellos tiempos difíciles: “Fue un álbum escrito y grabado durante la pandemia, en pleno apogeo de la misma, y aquí en Canadá tuvimos muchos casos graves y muchos cierres, por lo que no pudimos vernos en la banda durante mucho tiempo. Así que escribimos estas canciones principalmente sobre la soledad y son canciones bastante oscuras”.

Sin embargo, encontraron un contraste interesante al reunirse en el estudio, ya que estaban emocionados y felices de estar juntos. Fuera del estudio, disfrutaban de actividades como jugar golf, baloncesto y compartir comidas. Luego, en el estudio, trabajaban en las canciones oscuras y deprimentes. Esta dualidad fue intrigante para la banda y contribuyó a la experiencia de crear el álbum.

Cuando mencionamos que este contraste también se percibía en las interpretaciones en vivo, Shane estuvo de acuerdo. Expresó que estar en el escenario siempre le brinda una gran felicidad, ya que es una de las mejores sensaciones que se pueden experimentar: “Cuando toco en un concierto siempre estoy feliz de estar ahí. Actuar en el escenario es una de las mejores sensaciones que puedes experimentar, Y poder expresarte y todo eso. Quiero decir, se siente tan bien, pero luego cuando piensas en lo que estás diciendo y en lo que es, es doloroso, es cierto. Estás reviviendo traumas del pasado y cosas así. Así que creo que eso es realmente porque la música sana y porque cura a las personas, incluyéndome a mí mismo”.

No obstante, también reconoció que las letras y el contenido de las canciones a menudo tocan temas dolorosos y traumas pasados. A pesar de esto, Shane encuentra consuelo en la música, ya que le permite expresarse y aprender de sus experiencias. Para él, escribir y expresarse a través de la música es una forma de terapia y curación.

Continuamos la conversación adentrándonos en el proceso de escribir sobre experiencias personales profundas y oscuras, y cómo se siente compartir estas historias con el público. Shane reveló que al principio de su carrera, escribía las letras principalmente para sí mismo, como una forma de terapia personal. Sin embargo, se dio cuenta de que muchas personas se identificaban con sus letras y encontraban consuelo en ellas: “Escribí esas letras porque significaban algo para mí, y eran mi propia versión de terapia, ya sabes, y lo que fue realmente interesante fue que justo en ese momento, cuando lanzamos ese primer álbum, la cantidad de personas que me dijeron: “vaya, puedo identificarme totalmente con esto”. Como “todo lo que estás diciendo es lo que me pasó a mí”, y empecé a darme cuenta y he comprendido a lo largo de los años que muchos de nosotros pasamos por las mismas cosas y experimentamos los mismos tipos de problemas y sentimientos, porque todos somos seres humanos, ¿sabes? Y creo que cuanto más sincero seas al respecto cuando escribes, más honesto eres. Y justo ahí en ese momento, al comienzo de mi carrera, decidí que nunca lo simplificaría. Siempre diré lo que quiero decir. Y creo que eso ha sido realmente importante. Y creo que eso ha marcado, ya sabes, nuestras letras de alguna manera.

Cuando discutimos si “Misery Made Me” representa una nueva era en el sonido de Silverstein, Shane afirmó que sí, mencionando: “Creo que nos habíamos impuesto algunas reglas estúpidas sobre lo que se suponía que debíamos hacer, porque, ya sabes… “Esto no es punk o lo que sea” y luego te das cuenta a lo largo de los años de que a nadie le importa. ¿Por qué nos importaría? ¿Sabes? Y muchas bandas hacen esto y hacen grandes álbumes. Entonces, ¿por qué nosotros, por qué nos limitamos con las herramientas? Y una vez que nos dimos cuenta de que el cielo es el límite, creo que se sintió realmente liberador, sinceramente, que podíamos hacer cualquier cosa. Y sabes, algunas de las canciones que hicimos de esa manera fueron realmente geniales por eso”.

Este álbum tiene una sensación diferente en comparación con sus trabajos anteriores, especialmente en cuanto a la producción. La banda se aventuró a utilizar sintetizadores, teclados y baterías programadas, rompiendo las reglas que previamente se habían impuesto. Esta liberación les permitió explorar nuevas posibilidades musicales y crear un álbum diverso y emocionante.

Con el álbum ya presentado en vivo, le preguntamos a Shane sobre la reacción de los fanáticos. Él compartió que han tocado varias canciones en conciertos, y ha sido una experiencia genial. Mencionó que canciones como “Bankrupt” y “The After Mary” han recibido una respuesta especialmente positiva de la audiencia. La diversidad en el álbum ha sido destacada, ya que abarca desde canciones pesadas hasta acústicas, mostrando la versatilidad de Silverstein.

Antes de finalizar la entrevista, se abordó el tema de cómo Silverstein ha logrado mantenerse relevante y atraer a nuevas generaciones de fanáticos a lo largo de los años, Shane atribuyó esto a la dedicación de la banda para crear canciones increíbles y grabar discos de calidad: “Es difícil de saber, especialmente cuando estás en el medio como yo. Pero creo que siempre hemos puesto nuestras canciones primero y hemos intentado hacer que cada canción sea increíble y grabar discos increíbles. Y sabes, cuando miras nuestros álbumes, tenemos un historial realmente bueno. Y creo que eso es algo que creo que es bastante especial y bastante impresionante para una banda que ha estado en el medio tanto tiempo como nosotros”.

Como último detalle, Shane recomendó a la audiencia explorar la lista de reproducción “All New Punk” en Spotify, en lugar de destacar una banda emergente en particular. Esta lista contiene una gran variedad de bandas nuevas, incluyendo algunas locales, y es una excelente fuente para descubrir música fresca y emocionante.

Shane Told nos deja un mensaje final para los fans mexicanos: “Quiero agradecerles a todos por el amor y el apoyo que nos han brindado a lo largo de los años. Estamos más que emocionados de regresar a la Ciudad de México y compartir esta noche inolvidable con ustedes. Prepárense para una explosión de energía y pasión desbordante. Nos vemos el 12 de agosto en el Frontón México, ¡no se lo pueden perder!”.

Con estas palabras llenas de entusiasmo, la anticipación por el esperado concierto de Silverstein y The Devil Wears Prada en la Ciudad de México se eleva a nuevos niveles. La fecha está marcada, los fans están listos y la emoción es palpable. ¡No hay duda de que será una noche épica llena de música intensa y conexión emocional!

Recuerden, el concierto de Silverstein y The Devil Wears Prada en la Ciudad de México será el 12 de agosto en el Frontón México. ¡Preparen sus voces y sus corazones para una experiencia musical que quedará grabada en sus memorias!

NOTHING se prepara para su gira por Latinoamérica: entrevista con Domenic Palermo

Con motivo de su próxima gira por Latinoamérica, la banda estadounidense NOTHING se prepara para visitar México y Costa Rica a finales del mes de abril.

Por: Moisés Castillo 

NOTHING es conocida por su sonido shoegaze y post-punk, que combina la intensidad del rock con la emotividad del dream pop. La agrupación fue formada en Filadelfia en 2010 y está liderada por el vocalista y guitarrista Domenic Palermo, quien ha sido el principal compositor y letrista desde el inicio del proyecto. La banda ha recibido críticas positivas por sus álbumes, especialmente por “Tired of Tomorrow” (2016) y “Dance on the Blacktop” (2018), que han sido aclamados por su sonido atmosférico y sus letras introspectivas.

La agrupación estadounidense estará por tercera vez en la Ciudad de México, después de sus visitas en 2016 y 2022, esta última junto a la banda japonesa Boris en el House Of Vans. El primer destino de la banda será la Ciudad de México, donde se presentarán el próximo 27 de mayo en el Foro Indie Rocks, uno de los lugares más emblemáticos de la escena musical alternativa en la capital mexicana. Posteriormente, la banda se trasladará a Costa Rica, donde tocarán en Amon Solar.

Hace unos días, tuvimos la oportunidad de entrevistar a Domenic “Nicky” Palermo, líder y vocalista de la banda, donde hablamos de la incursión de la banda en las plataformas digitales y de su opinión al respecto. El líder de la banda mencionó que aunque es difícil ganar dinero dentro de la industria musical, se necesita reconfigurar el sistema, ya que mucho del dinero no va a donde debería ir. Al mismo tiempo, mencionó que el mundo sigue avanzando y que es necesario adaptarse para poder sobrevivir.

Punkeando (P): Buenas tardes Dominic, ¿Cómo te encuentras?

Dominic (D): Me encuentro bien.

P: Para nosotros es un gusto tenerte en entrevista y de antemano gracias por tu tiempo. Dicho esto, damos inicio con la entrevista hablando un poco de las plataformas digitales, para banda independiente o que están iniciando, es una buena oportunidad para dar a conocer su trabajo, ¿Cómo fue la incursión de Nothing en ellas y como que opinión tienen al respecto?

D: Es difícil, en ocasiones creo que nací en la década equivocada, en especial por el tipo de música que tocamos, sabes, somos una de las pocas bandas que tiene una base de seguidores que son fuertes coleccionistas vinilos, nos piden mucho y a nosotros nos gusta mantener las cosas interesantes para ellos y como bien lo saben, es complicado hacer dinero dentro de la industria musical, no solo basta con poner tu música en un servicio, yo creo que se necesita reconfigurar el sistema, dado que mucho del dinero no va completamente a donde debería de ir y al mismo tiempo, jajajajaja, no quisiera ser un boomer pero el mundo se sigue moviendo, las cosas van mejorando y algunas se hacen más sencillas, te tienes que adaptar y esto no es nada en comparación a lo que sigue, por ejemplo música y arte generado por inteligencias artificiales en donde solo el más fuerte sobrevivirá, te adaptas o te quedarás en el camino. Yo siempre he sido un trabajador y hago que las cosas funcionen, si estás dispuesto a adaptarte y trabajar, eventualmente vas a ir descubriendo el cómo lograr las cosas pero esto ya no es para cualquiera y por un lado está bien porque esto hace que se vaya filtrando el medio.

P: Te entiendo, es una mezcla de sentimientos en las cuales como lo mencionas, no siempre hay una repartición correcta de las ganancias y por el otro lado tu trabajo puede llegar a lugares a los que nunca te hubieras imaginado, de pronto te aparecen recomendaciones de una banda la cual te llega a volar la cabeza ¿no lo crees?

D: Si, no voy a decir que no encuentro música del mismo modo, todos lo hacemos, solo mi sentir es que la gente está fuera de forma en descartar cosas, todo necesita mejorar, no todo es perfecto obviamente pero es importante estar saber que tienes que estar en constante mejora, sería bueno tener un más ganancia de hacer esto pero como lo mencionaste, hay países en los que escuchan a Nothing en los que nunca nos hubiéramos imaginado que nuestra música terminaría llegando, al final del día todo suma.

P: Esta es la tercera visita de la banda a México, la primera en el emblemático Caradura, hace un año en House of Vans y esta vez en el foro Indierocks, ¿cuál es el sentimiento de la banda en esta visita?, en especial despues de que tuvieron este gran show en compañía de Boris, ¿tienen alguna espectativa para esta presentación?

D: Yo probablemente no me canse de decirlo una y otra, y otra vez, pero México es y una parte especial en lo que hago y como lo hago, creo que no vamos lo suficiente como me gustaría, esperamos que este tour sea el único de algo grande, estaremos es por eso que estaremos visitando algunas otras ciudades, amamos estar ahí, incluso en mi tiempo libre trato de ir de viaje por el país y cada vez que tocamos allá, se pone mucho mejor, la última vez fue una locura, la reacción del público fue impresionante y hace que no quieras regresar a tu país, es un estilo diferente de aprecio y cariño en todo lo que hacemos, hace difícil querer regresar a casa en especial cuando ves en los ojos del público la reacción que tienen con algunas canciones que significan tanto para ellos, es básicamente por lo que inicie en esto, sabes, conozco a gente que ha experimentado eso al igual que yo, en esos momento de alguna canción y eso significa mucho para mí. Esto me fue más claro cuando estuvimos la última vez y es por eso que nos gusta tanto estar ahí, nos encantaría hacerlo cada año.

P: Eso nos encantaría. Nothing suele colaborar con otras bandas como el año pasado lo hicieron con Boris y tuvieron esta gran gira, hace unos años el disco Whirr / Nothing surgió en aquel entonces de su relación con la banda Whirr, ¿Esta última gira podría ser una influencia en los futuros proyectos de Nothing?.

D: Todo lo que hago es una inspiración de todo lo que ocurre, creo que somos una de las bandas con mayor apertura en ese aspecto, todo lo que ocurre en el curso de los años hacen sentido con otras cosas que podría tener en mente y todo eso desemboca en un resultado, todo lo hace.  La música que rodea a la banda, la gente que está con nosotros y todo lo que ocurre durante la gira, todo eso termina sumando, yo constantemente me encuentro escribiendo, tal es el caso que a veces ni recuerdo donde terminó escribiendo las cosas, cuando me siento a poner orden, todo es un desastre. Deje de usar papel porque una vez perdí una libreta en un avión con todas las letras Guilty of everything y Tired of tomorrow, sin mencionar algunos diarios, esto me destrozó. Uno de mis escritores favoritos pasó varios años en prisión, tenía esta gran obra qué pasó años escribiendo y lo que básicamente era su autobiografía, un día llegó un guardia y la tiró por el retrete, el reescribió su obra, yo quise mantener esa energía cuando me paso pero estaba muy destrozado, así que me hice una promesa a mí mismo, que no volvería nada en papel, dado que no tengo la misma energía que él.

En su gira por Latinoamérica, la banda visitará México y Costa Rica, eventos que prometen ofrecer una experiencia única para los fanáticos del rock alternativo. Los seguidores de NOTHING podrán disfrutar de su música en vivo, experimentando la intensidad emocional que caracteriza a sus presentaciones y que los ha consolidado como una de las bandas más destacadas del género.

Los boletos para estas presentaciones están a la venta a través del sitio oficial de Nothing, así que no esperes más para asegurar tu lugar en este increíble viaje musical.

Entrevista con Don Tetto: “Estamos emocionados de celebrar nuestros 20 años en México”

Don Tetto se encuentra de gira por Latinoamérica celebrando sus 20 años de trayectoria musical y México es uno de los países elegidos para festejar con sus fans.

Por: Malú Gallegos 

La banda colombiana Don Tetto regresa a México para celebrar sus 20 años de carrera artística como parte de su extensa gira por Latinoamérica. Después de presentar su nuevo álbum “Castillos de Arena” en octubre del año pasado, la banda se prepara para recorrer varias ciudades mexicanas, incluyendo Ciudad de México, Guadalajara y Monterrey.

Con un estilo pop punk y rock alternativo, Don Tetto ha sido una de las bandas más influyentes de la escena musical colombiana desde su debut en 2003. Con una discografía que incluye cuatro álbumes de estudio, la banda ha ganado un gran número de seguidores en todo el continente americano gracias a su energía en vivo y letras profundas y emotivas, consolidándose como una de las bandas más importantes de la escena musical latinoamericana.

“Son 20 años pero no se sienten como 20 años, se sienten muchos menos, eso es lo lindo de esta carrera, que cada año tiene nuevas metas, nuevos objetivos, nuevos escenarios, todos diferentes, hace que cada día sea algo nuevo. Son 20 años de muchas aventuras, muchos shows, muchas historias, mucha música, y sobre todo agradecidos de estar juntos todavía y que tengamos lugares por visitar, ciudades que conquistar y mucho trabajo por hacer” nos dice Diego Pulecio, voz y guitarra de Don Tetto.

Recientemente, la banda presentó su nuevo álbum “Castillos de Arena” en el que colaboraron con artistas de la talla de Aterciopelados y la artista peruana Daniela Darcourt. Con este disco, Don Tetto ha demostrado una vez más su capacidad para reinventarse y crear música fresca y emotiva. Su material viene con mucha fuerza en esta gira; Jaime Valderrama, bajo y voz, nos cuenta un poco sobre cómo es que los fans esperan honestidad en la música de Don Tetto, siempre de la mano de un sonido propio y original que caracteriza a la banda.

“Nuestros fans han recibido muy bien ‘Castillos de arena’, por lo menos los que han tenido oportunidad de escucharlo en vivo, como acá en Colombia que es dónde comenzó esta gira de 20 años, el disco se vino a acoplar muy bien con los demás discos de Don Tetto, y eso es de gran satisfacción para todos. Este álbum se compuso en dos partes, primero antes de la pandemia y durante la pandemia, trajo canciones muy particulares como “Entre el norte y el sur”, “duele no tenerte” y otras más que se escribieron al final, hubo mucha nostalgia que creo que es lo que vivía el mundo y fue chévere inspirarse de otra forma, fue raro porque también teníamos que quedarnos en casa con la incertidumbre pero utilizamos todo esto como inspiración” puntualizó Jaime.

Una grata sorpresa para el público fue que se presentó la oportunidad de contar con dos grandes mujeres, como lo son Andrea Echevarría de Aterciopelados y la artista peruana Daniela Darcourt, en el disco ya que en la exploración de su música, se vieron colaborando por primera vez con mujeres.

“Todo se dio muy natural, con aterciopelados estuvimos en un crucero temático de Rock en español en el 2019, antes de la pandemia, ahí tuvimos la oportunidad de conocerlos más profundamente, hablar de más temas y dijimos que sería chévere tener la voz de Andrea en una de las canciones de Don Tetto, así que cuando salió ‘Nada que hablar’ sentimos que era la canción apropiada para mostrárselas a ellos para ver qué pensaban y desde el principio les gusto tanto a ella como a Héctor, así que Andrea vino a Colombia a grabar y todo se dio muy natural. Y lo mismo con Daniela, sabemos del trabajo que tiene en Perú que es una plaza muy importante para nosotros, que llevamos visitándola ya varios años y tenemos una balada que es ‘Duele no tenerte’ es una canción de las más románticas que trae “Castillos de Arena” y pensamos en esta balada primero en tener una voz que primero fuera una voz de Perú porque es un país al que le tenemos muchísimo cariño y conocíamos al representante de Daniela, Lalo Ponce, él trabajó en algún momento con Don Tetto en Perú y fue él quien nos la presentó; resulta que Daniela es fan de Don Tetto, conocía nuestra música y se dio la conexión primero como personas y después como compositores, como músicos. Le mostramos la balada y le encantó, igual de ahí pusimos su voz a grabar acá en Colombia, grabó algunas cosas en Perú también y nos sentimos muy contentos con el resultado”

Jaime Valderrama nos relata muy emocionado cómo se dieron estas colaboraciones que más allá de esperar subir números en seguidores o algo así, dado lo que vive la sociedad, fueron colaboraciones que se dieron de forma muy natural y que al final vinieron a darle ese toque de magia que hace de este disco algo espectacular.

La evolución que ha tenido la banda, desde la venta de su disco afuera de sus conciertos, y ahora con la redes sociales, ha tenido muchísimo que ver en cuando al crecimientos de ellos mismos, no sólo como banda, sino como personas, ya que se ha dado una conexión con los fans que quizá antes no se les hubiera permitido. Si bien las redes sociales son para promocionar su música, siempre tratan de mantener el lado positivo en ellas y hacerle saber a sus fans que no están solos, que tienes a Don Tetto acompañándolos.

“Estamos emocionados porque el proceso de la evolución ha sido muy natural, no hemos forzado nada, ha sido de una forma real, como sentimos que lo hacen los artistas, más que una fórmula o una ecuación para lograr el éxito, el éxito es medible en diferentes cosas y nosotros lo medimos en estos momentos, en estos viajes, en estas oportunidades y el éxito lo medimos en ya 20 años que llevamos juntos y que sin importar las circunstancias siempre hemos logrado reírnos de la situación y sacarlo adelante, y al final sólo tienes una vida, ¿sabes? Y que la vida que estés viviendo te llene el corazón pues quiere decir que lo estás haciendo bien. La evolución musical se ha dado de la misma forma, estamos agradecidos por toda esa inspiración y estamos ansiosos de saber qué más vamos a crear porque acabando esta gira con “castillos de Arena” nos metemos al estudio a preparar lo que será nuestro siguiente álbum”, nos adelanta Diego.

Don Tetto se caracteriza por subir una historia al escenario, más que sólo ser cuatro músicos que se suben a tocar porque la búsqueda de una identidad se ha ido forjando con el paso de los años. Siguiendo una ideología DIY dejaron de lado las disqueras hace casi seis años, con esto y de la mano del festival “Día del Rock Colombia” darle una plataforma sólida a nuevos talentos, no sólo de Colombia, sino de otros países.

“Creo que aportar es eso, ¿no? Dar ejemplo y hacerle entender a las nuevas generaciones también que ser artista también tiene, a parte de los múltiples beneficios, una responsabilidad con el público y tienes que saber qué mensaje está brindando tu música. Somos muy conscientes de eso y estamos dispuestos a recorrer el camino aunque sea largo, y estamos felices y agradecidísimos de poder hacerlo porque lo estamos disfrutando al máximo y creo que aportamos eso, felicidad a mucha gente, nuestra música es importante para mucha gente y eso nos hace felices”.

Diego nos muestra una parte de Don Tetto que quizá no muchos lo tienen consiente y va más allá de sólo quedarse en lo superficial al momento de crear algo que está hecho con el corazón.

¿Qué nos espera de Don Tetto terminando su gira de los 20 años?

Se viene un disco acústico para el segundo semestre del 2023, que fue grabado en unas sesiones que tuvieron en Bogotá, tres sesiones muy especiales que tuvieron con su público, es un disco derivado de una experiencia completamente diferente para la banda ya que están explorando algo que hasta ahora era desconocido para ellos.

Además, la banda confirmó que próximamente sorprenderán a sus fans de Chile, ya que este primer semestre del 2023, visitaran el país andino. El 2024 será el año donde Don Tetto se meterá de lleno al estudio y se espera que sorprendan a sus fans con el lanzamiento del disco que está por cocinarse.

Con su estilo característico de rock, la banda conformada por Diego Pulecio, Carlos Leongómez, Jaime Valderrama y Jaime Medina, promete una experiencia musical inolvidable para sus fanáticos mexicanos en este tour por su 20 aniversario. Los seguidores de Don Tetto en México están listos para recibir a la banda con los brazos abiertos y celebrar junto con ellos dos décadas de buena música.

Sin duda alguna, este será un evento imperdible para todos los amantes del rock y de la música en general.

Entrevista con The Last Mile: Una combinación atemporal de hardcore y punk rock

The Last Mile ha estado generando una gran cantidad de atención en la escena del hardcore y el punk rock en todo el mundo.

Por: Angélica Rincón 

La banda canadiense The Last Mile ha estado haciendo ruido en la escena musical desde su formación en 2015, combinando el hardcore y el punk rock con una energía que se siente atemporal. Con más de 30 países visitados y una serie de lanzamientos bien recibidos, incluyendo su álbum debut “Respect The Frequency”, la banda está lista para lanzar nuevos proyectos en 2023.

Recientemente, tuvimos la oportunidad de hablar con los miembros de The Last Mile durante su visita a México, donde se presentaron en varios puntos de la república. La banda, que se ha consolidado en la escena musical internacional con su estilo único, habló con nosotros sobre su trayectoria, sus próximos proyectos y su compromiso con las causas sociales.

Hola chicos, gracias por tomarse el tiempo para hablar con nosotros. ¿Cómo ha sido la experiencia de tocar en México?

Chris: Sí, todos los shows fueron geniales. Fueron muy divertidos. La logística de viajes fue una especie de pesadilla, pero funcionó eventualmente. Tocamos en los alrededores de la Ciudad de México. Tocamos en Toluca y luego en San Luis Potosí y Querétaro.

Perdimos nuestra camioneta para el fin de semana. Así que el viernes por la noche, Omar de Puercords se apresuró como un loco y terminó buscándonos una camioneta para llevarnos a Toluca. Pero la van era como una furgoneta sin asientos, sin nada. Así que estábamos en la parte de atrás con todo el equipo. Está bien, llegamos al show. Y luego, al día siguiente, teníamos que ir 5 horas a San Luis Potosí y se suponía que teníamos una camioneta. Y terminó en el garaje. Murió. Entonces Panke terminó prestándonos su auto personal, que era muy pequeño. Y así, durante cinco horas y media, Stephanie, Bertrand y Emilien tuvieron los estuches de guitarra en sus regazos y durante todo el camino de regreso.

¿Podrían hablarnos un poco sobre proyecto? ¿Cómo surge The Last Mile?

Stephanie: Comenzó como Chris Snelgrove & The Last Mile. Tenía un proyecto en solitario, armaba su banda con personas que querían hacer una gira y tocar sus canciones. Y me preguntó después de reservar un espectáculo de la banda en la que yo estaba del oeste de Canadá, me vio tocar y dijo: oye, ¿alguna vez querrías hacer una gira por países aleatorios conmigo y perder un montón de dinero? Y dije, sí, me encantaría hacer eso.

Y esa primera gira fue en realidad en México en 2016. Sí. Entonces, después de eso, tocamos algunos shows, nos enamoramos. Eso sucede a veces. Y luego, sí, se volvió menos sobre el material en solitario de Chris y más sobre mí como música y las cosas que traigo a la mesa. Y luego tuvimos más miembros permanentes algo forzados durante la pandemia. Pero todo sucedió muy orgánicamente y de una manera realmente buena, ya que ahora tenemos un baterista y un guitarrista sólidos. Así fue como pasó de ser el proyecto en solitario Chris Snelgrove & The Last Mile a sólo The Last Mile. Ese es un poco el arco de eso, sí.

Ahora quiero preguntarte algo. Sé un poco sobre la escena Punk en Montreal ya que viví allí, como te dije, pero hace muchos años, creo que fue como hace diez años. Y, por supuesto, tengo una perspectiva muy diferente porque solo lo experimenté durante un año pero ¿cómo dirías que es la escena punk en Montreal y cómo ha cambiado desde los últimos diez años?

Chris: Ha cambiado mucho. Está muy fragmentado. Hay muchas escenas diferentes dentro de la escena punk y hay muy poca integración. Pero creo que no es sólo Montreal. Creo que eso está en todas partes, desafortunadamente, excepto en México. En México, tocamos conciertos muy variados, lo cual fue genial.

Pero creo que a la escena punk de Montreal le está yendo bastante bien. Yo específicamente, soy un poco mayor, por lo que mucha gente de mi edad ya no va a los shows a menos que sean grandes bandas o giras de nostalgia. Rara vez van a pequeños espectáculos punk. Pero tocamos con esta banda llamada No Waves y todos tienen 19 años y son geniales y tienen un seguimiento increíble aquí. Pero son todos niños. Todos los que asisten a sus shows tienen entre 18 y 20 años. Pero es increíble porque simplemente los apoyan y a todas sus bandas amigas. Creo que ambos sentimos que hay muchas esperanzas para la escena punk en Montreal.

Ahora sobre estar de gira en México. ¿Les parece arriesgado para una banda de Canadá venir a México para una gira de DIY?

Chris: Bueno, había un aviso de viaje advirtiendo a los canadienses que no fueran a México. Porque la gente está siendo secuestrada. Esto y aquello. La gente es demasiado paranoica. Esto va a sonar muy tonto, pero hemos estado en lugares mucho más aterradores que México, y estamos en la Ciudad de México, todos los pueblos alrededor. Estábamos con amigos.

Fuimos a Yucatán. Estábamos con amigos. Y  tal vez si fuéramos un estilo de música diferente y no fuéramos parte de esta comunidad, entonces tal vez me sentiría un poco más asustado.

Stephanie: Pero las giras en general siempre son financieramente riesgosas para nosotros; sin embargo, porque lo conseguimos a través de amigos de amigos de amigos, se siente un poco más fácil para una banda nueva que no conoce a nadie. Sí, seguro es arriesgado pero eso pasa cuando sales de gira.

¿Cómo se sienten acerca de su próxima serie de lanzamientos en 2023? ¿Qué podemos esperar de su nuevo material?

Chris: Para las canciones, las letras que escribí hay mucha ira, mucha tristeza y mucha introspección. Porque desde que salió ese disco, murió mi papá, han muerto un par de amigos míos y pasó la pandemia. Bueno, estaba sucediendo cuando salió, pero mucho de eso ocupaba mucho espacio en mi cerebro. El material nuevo es un poco más oscuro.

He leído que The Last Mile usa su posición como artistas para ayudar a recaudar dinero para varias causas benéficas. ¿Pueden hablarnos más sobre eso?

Stephanie: No tengo nada planeado personalmente en este momento. Yo creo que, para mí, quiero donar a algún refugio de animales. Desearía que pudiéramos donar todo el tiempo. Eso sería genial. Pero en mi cabeza, quiero actuar localmente, pensar globalmente, si eso tiene sentido.

Entonces no necesariamente planeamos con anticipación. Sin embargo, lo hemos hecho en versiones pasadas o futuras. Definitivamente tenemos que hacer más donaciones a través de las ganancias, a través del diseño de una camiseta o  tal vez un single o algo así.

Chris: Si absolutamente. Tenemos un split de siete pulgadas que va a salir con algunos amigos nuestros de Vermont llamados The Path, y son dos covers. ¿Conoces a la banda? Drop Dead. La canción es muy diferente para nosotros, pero están prohibidos en Providence. Han existido durante, como, 30 años por lo menos. Así que nuestras dos bandas hicieron covers para esta compilación que nunca salió. Así que decidimos que lo vamos a publicar digitalmente, y habrá 50 copias impresas de siete pulgadas, y todo el dinero se destinará a una organización benéfica. Así que solo tenemos que decidir a qué organización benéfica queremos que vaya el dinero. Sí.

¿Qué podemos esperar de The Last Mile en el futuro? ¿Tienen algún proyecto especial en mente?

Chris: Nos vamos a Europa en junio. Tenemos el split 7” que va a salir, tenemos un split LP próximamente con unos amigos nuestros de Memphis llamados Pez. En teoría, vamos a Colombia y Brasil a fines de septiembre.  También hemos grabado un largo completo nuevo, que con suerte saldrá, ¿quién sabe? Ojalá para fin de año. Principios del próximo año.

Stephanie: Sí, lo grabamos en diciembre.

Chris: Volveremos a grabar en agosto para un split de siete pulgadas con unos amigos nuestros de Irlanda, Irlanda del Norte llamados Parker.

Stephanie: Tenemos muchas cosas en marcha. Sí, esos son nuestros planes, sólo tenemos que organizarnos.

“Una experiencia diferente y madura de escuchar a Elli Noise”: Mariana Priego

Elli Noise publicó un nuevo EP acústico que incluye versiones reimaginadas de algunas de sus canciones que forman parte de su catálogo musical.

Por: Malú Gallegos

Como parte de la presentación del nuevo EP acústico de Elli Noise, platicamos con Mariana Priego, vocalista y líder de la banda, quien se encuentra emocionada por el recibimiento que ha tenido el EP, que si bien no es nuevo material, es sin duda una forma alternativa de escuchar esas canciones que ya han trascendido en el Punk Rock nacional y nos invita a darle un nuevo giro de escuchar a Elli Noise. En el festejo de su aniversario 22 nos dieron una probadita de este material.

“Teníamos un poco de miedo porque es salirnos de nuestro círculo de confort, de esta música que el público está acostumbrado de Elli Noise y fue realmente arriesgarnos pero la verdad ha recibido muy buenos comentarios, no sólo del público, sino de compañeros y amigos músicos, familia, etc. Estamos muy agradecidos”.

Una de nuestras inquietudes era el por qué seleccionar canciones como “Asfixia”, “Aire frío”, “Señales y kilómetros”, “Duerme dulce Duerme” y “No hay más”, que conocemos y hemos cantado en su versión original.

“La verdad la selección de las canciones se fue dando de un modo muy orgánico, más allá de sentarnos y hacer una lista para poder convertir lo que ya teníamos fue que nos juntábamos a ensayar y de repente Eder tomaba la guitarra; empezó a tocar el riff de Bossa-nova de ‘No hay más’, por ejemplo, nos volteábamos a ver, yo tomaba el micrófono y acomodaba la letra en el ritmo que estaba saliendo en ese momento. Fue una comunión, no sabría explicarlo, y en cuestión de una hora, ya teníamos esa canción armada”.

Hay canciones que inicialmente vieron la luz compuestas originalmente en piano, como “Duerme dulce Duerme”, la rompieron durísimo en su versión rock punk, después de unas cuantas modificaciones en los ensayos por allá del 2003 y ahora regresaron a sus raíces en este disco.

Para promocionar su nuevo lanzamiento, Elli Noise eligió la nueva versión de “Qué Fue Mejor” como el primer sencillo del EP; la versión que cuenta con la colaboración de la banda mexicana Triciclo Circus Band. 

Hablando un poco acerca de experimentar, Mariana nos cuenta que ha sido maravilloso el hecho de poder entrar a un mundo que, si bien ella ya conocía de un modo un tanto superficial, ahora ha sido un reto para todos y cada uno de los integrantes.

“Mi papel como pianista en Elli Noise no lo he desempeñado al 100% durante tantos años, soy medio aficionada pero ha sido maravilloso porque me ha llevado a un nivel diferente, no solo como cantante, sino como música y compositora, estoy muy contenta del resultado y todo lo que nos ha inspirado a dejar en este acústico que nos muestra como músicos más experimentados”.

De la mano de este disco, vinieron dos importantes colaboraciones; por un lado Alejandro Preisser de Triciclo Circus Band (quien además es el productor del disco) y por otro el ensamble de cuerdas Polaris Strings. La amistad y la trayectoria musical de todos, hicieron que el acústico de Elli Noise fuera por demás una muestra de que la música, la melancolía, la amistad y la magia pueden dar pie a algo diferente, sin perder una esencia que ha sido muy bien trabajada durante casi 23 años.

El próximo 12 de mayo, Elli Noise se estará presentando en esta versión acústica en el foro “La piedad Live Music” en Ciudad de México, los boletos ya están a la venta por boletia.

“Les podemos prometer que será un show muy íntimo, donde podrán escuchar todas las canciones de este disco más un ensamble de otros tantos temas de Elli Noise que estarán muy bonitos”.

También es importante recordar que la columna vertebral de Elli Noise sigue siendo ese punk rock que ya conocemos y no pueden perderse las presentaciones en vivo que se vienen, como el próximo festejo del aniversario del Foro Hendrix en Azcapotzalco donde compartirán escenario con Seguimos Perdiendo y Apolo el 25 de marzo y en Pachuca el 29 de abril en el festival “Pachuca Rock Fest” donde estarán compartiendo con Molotov y DLD.

No olviden seguir a Elli Noise en sus redes sociales para estar al pendiente de más fechas y más sorpresas.

Entrevista con CORVJE: “Tocar en México siempre es un ganar para nosotros”

Por tercera ocasión, la agrupación chilena CORVJE regresó a México como parte de su gira internacional 2022.

Por: Malú Gallegos / Fotos: Luis Tierrafria 

Si te gusta el pop punk no es necesario que escuches a las mismas bandas de siempre ya que existe una oferta actual y novedosa a lo largo y ancho del planeta. Un ejemplo de esto es la banda chilena CORVJE, que aunque ya tiene una sólida carrera de siete años podemos mencionar como una de las más importantes propuestas de este revival en su país y también en habla hispana.

En su trayectoria, la banda cuenta ya con dos discos de larga duración y dos EPs. Sin duda, CORVJE ha tenido una carrera que poco a poco los empieza a posicionar como grandes exponentes pop punk dentro del habla hispana.

Por tercera ocasión, la agrupación chilena regresó a México para una serie de fechas por algunas ciudades de nuestro país y además, presentar su nuevo sencillo titulado “Adicción”, cuarto sencillo de un álbum que CORVJE viene preparando hace un par de años junto a destacados productores chilenos como Martín Berríos y Victoria Cordero.

“Es tercera vez que venimos a México y la verdad es que siempre nos han recibido con los brazos abiertos, nos sentimos como en casa cada vez que venimos. Para nosotros venir a México es como ganar, siempre hay gente que no nos conoce que llegan a los shows, tocamos con bandas que no conocemos o no nos conocen pero siempre sale algo bueno de llegar y todas fuera de nuestro país, de todo aprendemos. Tenemos como punto de comparación Perú, también hemos ido tres veces, y siempre nos han tratado bien, hemos tenido mucha suerte, en Perú nos tratan increíble, aquí en México también, es lindo ver cómo fuera de nuestro país nos tratan muy bien”, comentó la banda.

Ahora con el paso de una pandemia que nos movió absolutamente a todos, Felipe Lorca Bocchieri, bajista de la banda, nos contó sobre cómo fue este proceso y desarrollo creativo dentro de CORVJE durante este tiempo.

“Por una parte nos vimos forzados a trabajar más que antes, como estuvimos harto tiempo separados la única manera que había era por zoom o google meet para poder trabajar, lo que más hacíamos era tener sesiones de producción, de hecho grabamos dos EP en la pandemia mientras se congelaba un poco la grabación de nuestro disco que va a salir el próximo año. Lo que la pandemia nos dejó fue atrevernos a trabajar más estando separados pero sin dejar de esforzarnos como lo hacemos siempre”.

El pasado 4 de noviembre, la banda presentó su nuevo sencillo titulado “Adicción”, el cual cuenta con la colaboración de Aldo José Rodríguez, baterista de la banda mexicana Sureste.

“Con el Aldo nos conocimos en Guadalajara, la primera vez fuimos, como te digo, hemos tenido mucha suerte y hemos hecho amigos desde antes de llegar acá. Lo que nos pasó allá que los Panda Collective;  Andrea, Aldo, el Güero todos vivían juntos en una casa nos recibieron después de una situación desafortunada con un productor y nos dijeron que podíamos tocar con ellos, la buena onda con Aldo fue instantánea.  Antes de irnos le dije que sería muy bacán hacer una colaboración con él. Terminamos “Adicción” llegando a Santiago de Chile, en el 2018 y nos gustó la idea de que Aldo participara en esa canción, por lo que le hablamos y grabó casi en el momento, así que sí, la parte del Aldo está grabada desde el 2018 y a modo personal, por lo menos de nosotros dos, es nuestra favorita o de nuestras favoritas del disco”, comentó Pepe, vocalista de la banda.

Con el disco en puerta, surgen algunas dudas al respecto de lo que va este material, porque después de un largo proceso de grabación, una pandemia y el reconectar con el público, CORVJE no se quiere quedar atrás y nos cuentan sobre este proyecto que cada vez va tomando más y mejor forma.

“El nombre lo tenemos desde hace dos años, teníamos planeado sacarlo antes, pero este disco se llama “CORVJE” porque sentimos que es la primera vez que es nuestra voz, nuestra identidad y ese disco, aún no tenemos exactamente la fecha pero para el 2023 sí o sí esperen este material entre abril y diciembre, ya que faltan algunas cosas”, agregó Pepe.

Justo la inspiración de este nuevo disco viene de experimentar con varios géneros como el pop punk, post punk e indie rock y de la mano de su productor, Martín Berríos, quien es un pionero en experimentar con sintetizadores, se llegó a un sonido que queda completamente con lo que quiere representar la banda.

“Queremos dejar un poco afuera el pop punk, o no sólo quedarnos con eso, por eso la idea de experimentar y así finalmente haber encontrado nuestro sonido”, finalizaron.

Cabe destacar que la gira de CORVJE fue un proyecto financiado por el Fondo para el Fomento de la Música Nacional (Chile), Convocatoria 2022.

Mira a continuación el video del nuevo sencillo de Corvje:

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