Gilla Band regresa a México y hablamos con Dara Kiely y Alan Duggan sobre su evolución, nueva música y lo que esperan de este esperado show.

Foto: facebook.com/gillaband

En una escena donde las etiquetas rara vez alcanzan para describir lo que sucede en el sonido, Gilla Band ha construido su propio territorio a partir de ruido, tensión y una energía que no solo se escucha, sino que se siente físicamente. Desde Dublín y activos desde 2011, el cuarteto formado por Dara Kiely (voz), Alan Duggan (guitarra), Daniel Fox (bajo) y Adam Faulkner (batería) ha llevado el noise rock y el post-punk hacia un terreno propio, donde la distorsión y la intensidad conviven con una búsqueda constante por romper cualquier límite preestablecido.

A pocos días de volver a la Ciudad de México como acto abridor de The Flaming Lips, en Punkeando platicamos directamente con Dara Kiely y Alan Duggan, quienes compartieron su perspectiva sobre el momento actual de la banda, su evolución creativa y lo que significa regresar a un público que ya dejó huella en ellos desde su visita en 2022. En medio de este regreso, el grupo también se encuentra desarrollando nueva música, utilizando la gira como un espacio donde las ideas siguen transformándose en tiempo real.

El entusiasmo por volver a México es inmediato. Para la banda, regresar después de dos años no es solo una fecha más en la gira, sino una oportunidad que valoran especialmente. Aunque ya habían tocado en el país, reconocen que han pasado mucho tiempo lanzando música sin poder volver, por lo que esta nueva visita se siente como una gran honra. La expectativa es clara: disfrutar el momento y reconectar con un público que dejó una impresión fuerte desde la primera vez.

Esa evolución también se refleja en la forma en la que entienden su propio camino. Tras el lanzamiento de su último álbum, la banda encontró nuevas posibilidades creativas, tanto en la manera de componer como en el proceso de grabación. Esa etapa les dio mayor libertad para experimentar y, al mismo tiempo, les abrió más puertas para salir de gira. Sin embargo, lejos de verlo como un punto de llegada, lo describen como parte de una progresión constante, donde cada paso los empuja a seguir explorando.

En ese proceso creativo, no hay fórmulas fijas. Las canciones pueden surgir de cualquier estímulo, incluso de algo tan simple como un nuevo pedal de guitarra o un sonido inesperado. No existe un punto de partida definido; todo depende del momento y de cómo evoluciona la experimentación. Es un proceso orgánico, en constante cambio, donde cada elemento se va integrando poco a poco hasta tomar forma.

Esa misma naturaleza impredecible se traslada al escenario, donde la intensidad de la banda genera una conexión particularmente fuerte con el público. La experiencia en México, especialmente durante su presentación en el Festival Marvin, dejó una marca importante. Recuerdan la reacción como algo intenso, incluso emocional, que convirtió el show en un momento especial. La posibilidad de volver a vivir algo similar es parte de lo que más les emociona de este regreso.

Ahora, el contexto será distinto. Pasarán de un espacio pequeño a un escenario mucho más grande, compartiendo cartel con una banda consolidada. Es un terreno nuevo para ellos: nunca han tocado en un lugar con esas características, lo que genera incertidumbre. Aun así, no planean modificar su esencia. La idea es mantenerse fieles a su propuesta y construir el set a partir de canciones de todas sus etapas, sin importar el tamaño del escenario o el tipo de audiencia.

En cuanto a colaboraciones, la banda mantiene una postura clara. A diferencia de otros proyectos, Gilla Band ha optado por trabajar de forma independiente en la producción de su música, lo que les permite conservar control total sobre cada elemento. No es que descarten por completo la idea de colaborar, pero tampoco es algo que hayan explorado a fondo. Prefieren seguir desarrollando su sonido desde dentro, bajo sus propios términos.

Esa apertura creativa sí se refleja en sus influencias. Aunque su sonido suele asociarse con el post punk o el noise rock, reconocen que la inspiración puede venir de cualquier lugar. Desde el k-pop hasta el hip-hop o el country, cualquier género puede aportar ideas interesantes. No hay límites estrictos, más allá de algunas excepciones, pero en general su enfoque es absorber todo lo posible y reinterpretarlo dentro de su propio lenguaje sonoro.

A nivel personal, definir un disco que los represente no es tarea sencilla. Entre sus referencias aparece The Madcap Laughs de Syd Barrett como uno de sus favoritos, aunque no necesariamente como un reflejo directo de su identidad. También mencionan trabajos más recientes, como Saved de Reverend Kristin Michael Hayter, un álbum que describen como intenso, perturbador y fascinante desde su construcción sonora.

Antes de cerrar, el tono se relaja. Entre risas, Dara y Alan envían un saludo breve para quienes siguen su trabajo, manteniendo esa cercanía que también los define fuera del escenario.

La despedida llega con agradecimiento y la promesa de reencontrarse pronto en México. Más allá del ruido, la distorsión y la intensidad, queda claro que Gilla Band sigue en constante movimiento, empujando su sonido hacia nuevos territorios sin intención de quedarse en un solo lugar.

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The Casualties regresa con “Detonate”, un álbum cargado de furia y mensaje. David Tejas habla sobre unidad, punk y su nueva etapa antes de volver a México.

Foto: facebook.com/TheCasualties

Después de ocho años sin material nuevo, The Casualties vuelve con “Detonate”, un álbum que no solo representa su regreso discográfico, sino también la consolidación de una nueva etapa dentro de la banda. Publicado el 27 de marzo a través de Hellcat Records, el sello impulsado por Tim Armstrong, este lanzamiento marca su primera colaboración con la disquera y el segundo trabajo con David Rodríguez como vocalista, reafirmando una alineación que ha logrado evolucionar sin perder la esencia combativa que los ha definido desde 1990.

En este nuevo capítulo, la banda canaliza el desgaste emocional de un mundo atravesado por la polarización, la violencia constante y la sobrecarga informativa. Sin embargo, lejos de caer en el nihilismo, “Detonate” se plantea como una respuesta directa contra los sistemas que alimentan la división, apostando por la unidad como eje central. Con producción de Raul “Riff” Cuellar (NOFX, Circle Jerks, Non Servium) en conjunto con Zach Blair de Rise Against, el disco también refleja la madurez adquirida tras años de gira, justo antes de su esperado regreso a México como parte de la primera edición del Vans Warped Tour en el país.

Desde el inicio de la conversación, David Tejas deja ver el momento emocional que atraviesa la banda. Entre entusiasmo y nervios, aunque en el buen sentido, reconoce que el lanzamiento del disco llega cargado de emoción tras una larga espera. Más que ansiedad, hay satisfacción: el proceso tomó tiempo, sí, pero hoy lo entiende como algo necesario para que el álbum se desarrollara de manera natural. Para él, no hay nada que cambiarle; todo ocurrió como debía.

Aunque Detonate nace como un esfuerzo colectivo, también tiene un peso personal importante en su historia. Desde su vida en Texas y su cercanía con la frontera, con raíces familiares en Eagle Pass, junto a Piedras Negras, el contexto actual de miedo e incertidumbre en Estados Unidos y el mundo permea directamente en el contenido del disco. En ese sentido, reconoce que el álbum llega en el momento exacto, casi como una respuesta inevitable a lo que está ocurriendo alrededor.

Ese mismo contexto abre paso a una reflexión más amplia sobre el papel del punk hoy. Para Tejas, el género sigue siendo una herramienta vigente, pero su verdadero significado se ha distorsionado. Insiste en que ser punk no tiene que ver con la pose agresiva o la actitud de “tipo rudo”, sino con principios como la unidad y la paz. Critica lo que llama “fake punk”: una visión basada en la violencia sin propósito, muchas veces nacida de traumas personales mal canalizados. En contraste, reivindica el espíritu comunitario del género, donde incluso dentro del caos del slam existe una lógica de cuidado mutuo: caes, te levantan; te golpeas, pero al final compartes una cerveza y cantas junto a los demás.

Para él, el punk siempre ha sido una forma de educación emocional y política. Sus discos, dice, funcionan como libros que invitan a abrir la mente y a cuestionar lo establecido. Esa idea se refleja claramente en canciones como “Allies and Assassins”, donde la libertad individual se plantea desde lo más básico: ser quien quieras ser. Una premisa sencilla, incluso ingenua en apariencia, pero que en la práctica resulta poco común en una sociedad donde constantemente se imponen etiquetas y expectativas.

Bajo esa lógica, el mensaje de “Detonate” es directo: solo a través de la unidad se puede generar un cambio real. En un panorama donde incluso dentro de la escena punk existen divisiones, Tejas reconoce que esa fragmentación debilita cualquier intento de resistencia. La diferencia, insiste, está en lo colectivo: de forma individual es difícil enfrentar estructuras de poder, pero juntos, con intención y convicción, es posible hacer ruido y provocar cambios.

A nivel interno, el disco también representa una evolución importante respecto a su trabajo anterior, “Written in Blood” de 2018. Su llegada a la banda en ese momento estuvo marcada por la presión: escribir un álbum apenas meses después de integrarse, enfrentando además las comparaciones inevitables con el pasado. La duda era constante: si estaría a la altura o si su participación podría afectar el rumbo del grupo.

Con el tiempo, esa inseguridad se transformó en identidad. Hoy, Tejas tiene claro que no se trata de replicar lo que alguien más hacía, sino de construir desde su propia visión. Tras siete años de gira prácticamente ininterrumpida, la banda encontró en “Detonate” un espacio para reconectar desde lo creativo. El proceso fue más relajado, más honesto, casi como volver a empezar, pero con la ventaja de la confianza mutua. Nadie juzga las ideas del otro; entienden que componer implica exponerse, compartir pensamientos íntimos y dar forma a algo que antes no existía.

Esa dinámica también se reflejó en la producción del disco. La colaboración con Zach Blair surgió de manera completamente natural, impulsada por una amistad de décadas. Desde sesiones informales entre café, guitarras y maquetas enviadas por teléfono, hasta su integración total en el proceso creativo, Blair terminó funcionando como una especie de quinto integrante. No hubo una decisión formal ni una estrategia detrás: simplemente se dio, de forma orgánica, como gran parte de este álbum.

Con la mirada puesta en el futuro inmediato, la banda se prepara para regresar a la Ciudad de México en septiembre como parte del Vans Warped Tour Mexico. Para Tejas, formar parte de esta primera edición en el país no es solo una fecha más, sino un momento especial. Lo describe como un regalo: la oportunidad de compartir escenario con múltiples bandas, conectar con el público y reforzar ese sentido de comunidad que tanto defiende.

Al final, todo se resume en una sola palabra, la misma que atraviesa todo el discurso del disco: unidad.

Antes de despedirse, deja un mensaje directo para el público: la invitación está hecha para encontrarse en el pit, cantar juntos y formar parte del show, no solo como espectadores, sino como parte activa de esa energía colectiva que define a la banda. Y como cierre, entre agradecimientos y camaradería, queda abierta la promesa de verse pronto, cara a cara, en México.

El nuevo álbum de The Casualties ya está disponible en plataformas digitales:

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Non Servium regresa a la Ciudad de México este 17 de abril con un show en el Pabellón Oeste, repasando su legado y adelantando su nuevo álbum rumbo a septiembre.

Foto: facebook.com/NonServium

Karlos “Animal” no necesita demasiada presentación dentro de la escena: es una de las voces más reconocibles y firmes del punk español. Al frente de Non Servium desde finales de los noventa, su trayectoria se ha construido sobre una idea clara: evolucionar sin traicionar la esencia. Con casi 30 años de historia a cuestas, la banda se mantiene como un referente del Oi! en habla hispana, y en el marco de su próxima visita a la Ciudad de México, conversamos con él para profundizar en su presente, su proceso creativo y la conexión que han forjado con distintas generaciones alrededor del mundo.

Desde el inicio de la charla, Karlos deja claro que la evolución ha sido parte natural del camino. “De cada disco siempre se nota una evolución. Son casi 30 años de trayectoria y muchos discos. Evidentemente me preocuparía si esto no sucediera”, explica. Sin embargo, insiste en que el verdadero reto ha sido mantener intacta la identidad del proyecto: “Lo que me preocuparía sería no mantener la esencia de la banda… y eso es algo que cuidamos mucho”. Esa dualidad entre cambio y permanencia es, en gran medida, lo que ha definido a Non Servium a lo largo de su discografía, donde el crecimiento musical convive con una identidad reconocible desde el primer acorde.

La conversación también gira hacia el presente inmediato de la banda, que se encuentra a punto de iniciar una nueva etapa discográfica. “Acabamos de terminar de grabar el siguiente disco. Hace menos de dos meses hemos salido del estudio y ya está completamente terminado. Muy pronto soltaremos el primer single y la idea es que en septiembre sea el lanzamiento”, adelanta. Sobre el material, no duda en remarcar que mantiene la línea que los ha caracterizado: “Sigue la misma esencia de siempre, pero evidentemente hay evolución. A mí personalmente es un disco que me ha encantado grabar y creo que le va a gustar a la gente”.

En cuanto al proceso creativo, Karlos es directo: no hay fórmulas nuevas ni giros inesperados en su forma de trabajar. “Nuestra fórmula siempre es la misma. No hay cambio aquí”, afirma. Esa constancia también se refleja en su postura frente a la industria y el público: Non Servium no busca agradar, sino ser fiel a sí mismo. “Nosotros no hacemos nada para gustar a la gente. Simplemente seguimos la misma línea desde que empezamos. Si la gente quiere escucharnos, que nos escuche. Y quien no quiera, que no nos escuche”. Aun así, reconoce con entusiasmo la presencia de nuevas generaciones en sus conciertos: “Me encanta ver gente joven. Eso quiere decir que el punk sigue vivo. La llama sigue encendida”.

Más allá de lo musical, Karlos entiende el peso que tiene la banda como vehículo de mensaje. “Nuestra música va más allá de lo musical. Tenemos la gran suerte de ser un altavoz para muchas generaciones y eso conlleva una responsabilidad”, señala. Para él, el punk sigue siendo una herramienta para expresar inconformidad y reflejar realidades sociales: “Tengo la oportunidad de decir lo que pienso de lo que está pasando en el mundo gracias a la música, y no lo vamos a desperdiciar”.

Esa carga emocional y social es, precisamente, lo que ha fortalecido su vínculo con el público latinoamericano. “La conexión con Latinoamérica es brutal, porque la gente se identifica mucho con nuestras letras”, explica. Según Karlos, esa respuesta se repite en cada ciudad que visitan: “Hablamos de realidades que se viven tanto aquí como allí, y eso se nota. Nuestras letras llegan muy profundo”.

Uno de los momentos más interesantes de la charla surge al hablar del armado del setlist, una tarea que, según él, es mucho más compleja de lo que parece. “Tú quieres tocar lo que te apetece, pero tienes que pensar en el público. Hay canciones que ya no me apetece tocar, pero no puedes quitarlas porque la gente las quiere escuchar. Esas son innegociables”, reconoce. Para esta gira, la decisión ha sido clara: “Hemos intentado hacer un recorrido desde el primer hasta el último disco”.

Al mirar hacia atrás, Karlos también comparte los discos que marcaron su camino dentro del punk. Sin dudarlo, menciona “No somos nada” de La Polla Records como el punto de quiebre: “Ahí fue cuando descubrí el punk, me explotó la cabeza”. A esto suma “No te muevas” de RIP, banda que considera fundamental dentro del punk estatal.

Antes de despedirse, el mensaje es directo y en sintonía con su trayectoria: “Amigos de Punkeando, aquí Karlos ‘Animal’ de Non Servium. Encantado de saludaros e invitaros a nuestro concierto este fin de semana en México. Os esperamos a todos y a todas para que sea una noche inolvidable y brutal”.

Casi tres décadas después, Karlos “Animal” se mantiene firme en la idea que dio origen a todo: hacer música sin concesiones, con identidad y con un mensaje directo. Mientras nuevas generaciones sigan encontrando en sus canciones un reflejo de su realidad, Non Servium seguirá siendo ese altavoz que nunca ha dejado de resonar. La cita será el próximo sábado 17 de abril en el Pabellón Oeste del Palacio de los Deportes, donde la banda volverá a demostrar por qué, después de casi 30 años, su mensaje sigue más vigente que nunca.

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AFI regresa a México para presentar su nuevo álbum Silver Bleeds the Black Sun… y repasar más de tres décadas de evolución, ahora como parte del Corona Capital 2025.

Foto: Moises Castillo

Han pasado solo unos meses desde que AFI pisó tierra mexicana acompañando a Linkin Park en su gira por CDMX, Monterrey y Guadalajara, además de ofrecer un show íntimo en House of Vans Mexico a principios de año que rápidamente se volvió en uno de los favoritos entre sus fans. La mezcla de nostalgia, fuerza y una cercanía pocas veces vista dejó marcado al público mexicano, que respondió con un sold out y un fervor que reafirmó el vínculo entre la banda y el país.

Ahora, la agrupación liderada por Davey Havok volverá a México por quinta ocasión para presentarse el domingo 16 de noviembre en el escenario principal del Festival Corona Capital 2025, compartiendo cartel con bandas como Linkin Park, Deftones, Weezer y más. Con este regreso, AFI reafirma su presencia en un festival que, desde 2010, se ha convertido en una de las plataformas musicales más importantes de Latinoamérica, convocando año con año a miles de asistentes provenientes de todo el continente.

En un año que marca un nuevo capítulo creativo, la banda llega con su más reciente álbum, Silver Bleeds the Black Sun, lanzado en octubre a través de Run For Cover Records. Es un trabajo donde el post-punk se entrelaza con una atmósfera gótica y melancólica, abriendo una nueva etapa en su extensa carrera. Fue en este contexto que conversamos con Adam Carson, baterista y miembro fundador, para hablar sobre su relación con México y lo que significa presentar su nuevo material en uno de los festivales más grandes del continente.

A pesar de la intensidad del último año, Carson recuerda con claridad la más reciente visita a México. Tras el enorme escenario compartido con Linkin Park, la banda ofreció posteriormente un show íntimo en House of Vans Mexico, uno de esos conciertos que se quedan en la memoria. “Fue algo muy especial. Estaba completamente agotado y probablemente podríamos haber tocado dos o tres noches más”, señala. La energía del público resonó en cada rincón del venue; el contacto directo con fans de AFI, muchos de ellos seguidores desde finales de los noventa y principios de los dos mil, convirtió la noche en un episodio inolvidable.

Desde su primera visita hace más de dos décadas, AFI encontró en México un público diferente. “Desde el primer show supimos que era un lugar donde queríamos volver”, recuerda. Carson atribuye esta conexión a la profunda pasión que el público mexicano y latino tiene por el rock. “En Estados Unidos hay mucha gente que escucha rock, pero en México se siente profundamente apreciado. Nuestros conciertos siempre han sido increíbles desde el día uno”.

El nuevo álbum llega con cambios notables, una evolución que ha caracterizado a AFI desde sus primeros discos. Pero esta vez, el giro creativo tuvo algo distinto: planificación. “Por primera vez hablamos de antemano sobre cambiar el sonido”, afirma Carson. La banda, acostumbrada a transformarse de manera orgánica, tomó el control del rumbo musical, adoptando un tono más oscuro, introspectivo y atmosférico. Aun así, Carson subraya que el resultado mantiene la esencia de AFI: “Es la música que queremos tocar ahora. Para mí suena a AFI, solo que diferente”.

A pesar de sus matices góticos, la identidad compartida esa mezcla de melancolía, dramatismo y violencia emocional permanece firme. La recepción ha sido en su mayoría positiva, aunque Carson se lo toma con calma: cada disco es un riesgo, y el público siempre se divide. Pero hay algo que destaca particularmente: Davey Havok ha dicho que este es el primer álbum de AFI que disfruta escuchar después de su lanzamiento. Carson sonríe ante la afirmación: “Creo que lo dijo porque suena como algo que él escucharía como fan. Yo también lo disfruto; claro, cuando terminamos un disco suelo escucharlo algunas veces para apreciar el resultado final… y luego seguimos adelante”.

Parte de lo que distingue a “Silver Bleeds the Black Sun…” es su brevedad: apenas diez canciones que funcionan como una obra unificada, sin momentos de relleno. Carson revela que tenían más temas listos, pero decidieron reservarlos. “La meta siempre es lanzar un álbum cohesivo. Teníamos otras tres, cuatro o cinco canciones que nos gustaban, pero sentíamos que cambiaban el tono general”. La selección final obedeció más a la cohesión que a la cantidad. Incluso temas que se alejan ligeramente del resto —como “No One Underground”, el cierre— fueron esenciales para completar el arco. “Esa canción es distinta, sí, pero cierra el viaje de un modo particular”.

La gira reciente ha llevado a AFI por algunos de los escenarios más icónicos del mundo, desde clubes pequeños hasta festivales multitudinarios como Coachella, Riot Fest, Download Festival o el Vans Warped Tour. Esa experiencia les permite abordar el Corona Capital con confianza absoluta —ya sea frente a los fieles de siempre o ante quienes los verán por primera vez. “No cambiamos nuestro show dependiendo del lugar”, comenta Carson. “La presentación que damos en un club de 500 personas es prácticamente la misma que damos frente a 20,000”.

Esa autenticidad será clave para enfrentar al público del Corona Capital, donde se espera que haya miles de asistentes que tal vez nunca han visto a la banda. “Hemos tocado frente a gente que canta cada palabra, y también frente a quienes no tienen idea de quiénes somos. Al final, solo salimos a hacer lo nuestro, con pasión”. Ese espíritu conecta con la tradición del Corona Capital, festival que desde 2010 ha ganado prestigio internacional gracias a su curaduría enfocada en el indie, rock alternativo y proyectos de culto. A lo largo de los años, su lineup ha recibido a gigantes como The Killers, Arctic Monkeys, Foo Fighters, Green Day, Pixies, Portishead o My Chemical Romance, convirtiéndose en un punto de encuentro generacional donde conviven veteranos y nuevas olas del rock global.

Entre los lazos más fuertes que AFI ha tejido con su público mexicano se encuentra un detalle que no pasa desapercibido: Davey Havok habla español bastante bien. “Siempre me impresiona su capacidad para comunicarse con la audiencia”, afirma Carson. Esa espontaneidad crea un puente emocional que trasciende el idioma, especialmente durante los shows en México. Carson, en cambio, reconoce entre risas que su español es limitado: “Más o menos”, admite. Pero incluso desde su perspectiva, la conexión cultural es parte esencial de la experiencia en vivo.

Antes de despedirse, Carson compartió un mensaje para los seguidores mexicanos y lectores de Punkyando:

“Hola, soy Adam de AFI. Estamos muy emocionados por nuestra presentación en Corona Capital y esperamos que puedan ir a vernos tocar.”

AFI regresa a México por quinta ocasión con un nuevo capítulo, un nuevo sonido y la misma intensidad que los ha guiado desde sus inicios. Un amanecer oscuro… listo para volver a brillar.

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Lagwagon regresará a México tras diez años de ausencia con su gira “Goin’ South 2025”, con fechas en CDMX, Guadalajara y Monterrey este mes de octubre.

Foto: instagram.com/lagwagon1989 // @bentrivett

Con más de 36 años de carrera, Lagwagon se ha ganado un lugar como una de las bandas más emblemáticas del punk rock melódico californiano. Surgida en Goleta, California, a finales de los ochenta, la agrupación liderada por Joey Cape formó parte del catálogo histórico de Fat Wreck Chords y fue una de las encargadas de dar forma al sonido rápido, técnico y emocional que definió a toda una generación. Su música trascendió fronteras, llegando a millones de oídos gracias a su participación en los icónicos videojuegos Tony Hawk’s Pro Skater, donde himnos como May 16 se convirtieron en banda sonora de la juventud de los noventa.

Este 2025, la banda celebra su extensa trayectoria con la gira “Goin’ South 2025”, una nueva aventura por Latinoamérica que incluye tres esperadas fechas en México, marcando su regreso al país después de una década desde su última visita. El tour visitará Ciudad de México el viernes 17 de octubre en el Foro Indie Rocks!, Guadalajara el sábado 18 de octubre en el C3 Stage y Monterrey el domingo 19 de octubre en Café Iguana. Para hablar de este reencuentro con el público latinoamericano, Punkeando conversó con Joe Raposo, bajista del grupo desde hace más de diez años, quien compartió con entusiasmo los detalles sobre los shows, la historia reciente de la banda y su visión sobre el presente de Lagwagon.

Antes de comenzar la entrevista, Joe rompió el hielo entre risas, explicando que había tenido algunos problemas técnicos para conectarse: “Tuve que descargar la aplicación en mi nueva computadora porque la versión web se cerraba una y otra vez”, bromeó. Después de unos minutos, la conversación arrancó oficialmente con una pregunta inevitable: ¿cómo se siente regresar a México después de tanto tiempo? Joe no lo dudó. “Estoy muy emocionado. Me encanta México. Me encanta tocar allá. Me gustan los públicos mexicanos, se vuelven locos. He querido volver desde hace mucho tiempo, así que se siente muy bien regresar. No puedo esperar”, expresó visiblemente entusiasmado.

El bajista explicó que la banda se ha tomado con especial dedicación la planeación de su setlist para esta gira. A diferencia de otras épocas, ahora se apoyan en las plataformas digitales para conocer qué canciones son las más escuchadas por los fans y, a partir de ahí, construyen una lista que combine lo nuevo con lo clásico. “Miramos en línea cuáles son las canciones más reproducidas, pero también incluimos algunas viejas que, aunque no sean tan populares en streaming, son esenciales para nosotros”, comenta. Así, temas de discos como Trashed y Duh conviven con material más reciente de Hang y Railer, en una presentación que se extiende por más de una hora.

El proceso, sin embargo, no solo depende de los números. Raposo explicó que el grupo también busca un equilibrio entre lo que el público espera y lo que ellos disfrutan tocar. “Tocamos las que suenan bien y también las que nos gustan. Tenemos que mantenernos felices como banda, pero sobre todo queremos que los fans lo estén. Estoy muy contento con el setlist actual; ya hemos tocado la mayoría de estas canciones en giras anteriores, en shows individuales y otros eventos. Creo que estamos en plena forma y México va a ser increíble”.

Recientemente, Lagwagon ofreció un par de conciertos especiales en Estados Unidos, incluyendo un set en el Garden Amp donde tocaron completos Let’s Talk About Feelings y Hoss. Esa experiencia, dice Joe, les permitió redescubrir canciones que normalmente no forman parte del repertorio. “Tocamos un montón de temas que normalmente no tocamos, así que creo que estamos listos para sacar algunas sorpresas en esta gira latinoamericana, incluso canciones como Owen Meaney, que casi nunca aparecen en vivo”.

Con más de tres décadas de historia, la charla llevó naturalmente a hablar sobre los momentos más importantes en la carrera de Lagwagon. Para Joe, el punto de inflexión personal dentro de la banda llegó con el álbum Hang (2014), el primero en el que participó como miembro oficial. Antes de eso, ya había tocado con ellos, aprendido su repertorio y compartido escenarios, pero fue en ese proceso creativo donde sintió que la alineación actual había encontrado su esencia. “Ya había química porque con Dave y Chris había tocado en RKL, incluso Flip también estuvo un tiempo. Sonábamos bien, la ejecución era sólida, pero no fue hasta que escribimos canciones juntos para Hang que supe que este grupo era especial”, recuerda.

El músico detalla que la experiencia de componer colectivamente fue lo que le dio sentido a su pertenencia dentro del grupo. “Colaborábamos muy bien y creamos algo de lo que todos estábamos muy orgullosos. Eso es lo más difícil para una banda: escribir juntos, porque hay mucha pasión e inversión personal. Inviertes tiempo, energía, esperas que salga bien. A veces pasa y a veces no. Pero con Hang sentí orgullo verdadero. Pensé: ‘Sí, esto es genial. Esta es una alineación con la que podemos escribir, grabar y dejar nuestra personalidad en la música’. Sentí lo mismo con Railer, aunque se grabó en plena pandemia. La gente prefiere Hang, pero yo estoy orgulloso de ambos. De hecho, me gustan todos. Pero hacer música con Lagwagon, para mí, ha sido el momento más definitorio en la banda”.

Sobre la posibilidad de un nuevo álbum, Raposo explica que el grupo ha optado por un enfoque más relajado: “En lugar de escribir un disco completo, decidimos hacer una canción a la vez. Lagwagon siempre se ha tomado mucho tiempo entre álbumes, cinco o seis años, y aún así seguimos aquí, lo cual es increíble. Pero ahora que somos mayores, sentimos que debemos apurarnos un poco, porque no hay tanto tiempo. Ya tenemos algunas canciones en proceso, unas cinco, que escribimos hace un tiempo y siguen ahí esperando que les demos forma. Solo necesitamos a alguien o algo que nos prenda fuego en el trasero para ponernos en marcha”.

Aunque no hay un álbum planeado, el bajista asegura que el proceso creativo sigue activo. “Queremos hacerlo sin presión, paso a paso. Lo bueno de un disco es que te mete prisa, pero también genera estrés, y ahora queremos disfrutarlo. Vamos a ver cómo funciona esto de una canción a la vez”.

Al hablar sobre la inspiración, Joe reconoce que a estas alturas del camino no siempre es sencillo mantener la chispa creativa. Sin embargo, la música sigue surgiendo de manera orgánica. “La inspiración llega de muchas formas. A veces estoy improvisando con Dave y sale algo, otras veces estoy en casa y escribo un riff que le mando a Chris. Joey, por su parte, escribe canciones completas y luego todos aportamos nuestras ideas para transformarlas. Así trabajamos en Hang: él traía la estructura y nosotros cambiábamos la música, manteniendo la melodía. Personalmente, me gusta un poco el estrés. La presión ayuda a escribir, porque si no te acomodas. Y cuando eres mayor, tienes más responsabilidades y cuesta más sentarte a componer. Pero la inspiración sigue llegando de muchas maneras”.

Antes de despedirse, Joe quiso enviar un mensaje especial a los fans mexicanos, a quienes considera de los más apasionados del mundo. “Estoy muy emocionado de volver. Los fans mexicanos han sido de los mejores, si no es que de los tres mejores que hemos tenido en toda nuestra carrera. Los shows siempre son una locura. Son increíbles. Probablemente incluso más intensos que los fans del sur de Europa, como los italianos o los españoles. Están locos, pero son geniales. No puedo esperar para volver”.

El bajista también aprovechó para expresar un mensaje de empatía y reflexión: “No quiero sonar político, pero quiero disculparme por cómo los Estados Unidos ha tratado a México. No es un reflejo de nosotros como personas. Tengo amigos mexicanos, amo México y la contribución de los mexicanos no solo a la economía de California, sino a la de todo Estados Unidos. Les pido perdón de corazón. Si pudiera hacer algo, lo haría. Como ciudadano, trato de votar por la gente correcta y apoyar los cambios que beneficien a todos. Pero lo más importante es que estoy emocionado de volver a tocar frente a ustedes”.

Con la energía intacta y un cariño evidente hacia su público latinoamericano, Lagwagon se alista para su esperado reencuentro con México. Tres fechas que prometen ser una celebración de su legado, su fuerza y su eterna conexión con los fans que crecieron escuchando sus canciones desde los días de los videojuegos, los skateparks y los discos quemados en los noventa. Porque después de 36 años, los californianos siguen acelerando a toda velocidad… y México vuelve a ser parte del viaje.

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La agrupación británica debutará en el país el próximo 5 de septiembre en el Foro La Piedad, con Monde como invitado especial.

Foto: instagram.com/mikebstnmnr

Formados en Blackpool, Lancashire, en 2013, Boston Manor se ha consolidado como una de las propuestas más sólidas del rock británico. Con un estilo que combina la intensidad del punk, la experimentación sonora y letras introspectivas, la agrupación se ha ganado un lugar importante dentro de la escena internacional.

En los próximos días, la banda emprenderá su primera gira por Latinoamérica, con presentaciones en México, Costa Rica, Colombia, Chile, Argentina y Brasil. El recorrido arrancará el 5 de septiembre en el Foro La Piedad, en la Ciudad de México, y concluirá el día 14 en São Paulo. Durante estas fechas, presentarán en directo su más reciente disco, “Sundiver” lanzado a través de SharpTone Records, además de un repaso por algunos de sus mejores éxitos.

En conversación con Punkeando, el guitarrista Mike Cunniff compartió sus impresiones sobre este esperado debut en la región, las expectativas frente al público latinoamericano y la evolución que han experimentado como banda. “Nunca hemos estado antes en Latinoamérica. Siempre intentamos hacer planes para venir, pero estamos muy emocionados de conocer a todos los que han estado escuchando a Boston Manor, tocar algunas canciones y simplemente pasarla bien”, expresó.

Sobre la reputación del público, añadió: “¿Cómo me siento con respecto al público latinoamericano y toda la emoción que le pueden dar a la banda? Es irreal, honestamente. Hemos tenido gente de allá escuchándonos desde hace tanto tiempo y sentimos mucho no haber podido ir antes. Estamos realmente emocionados”.

La conversación giró pronto hacia México y su cultura. Al preguntarle por la experiencia de venir al país, Mike respondió entre risas: “La comida mexicana es la favorita de todos nosotros. Y ¿sabes qué? No existe un solo lugar en el Reino Unido donde vivamos que la preparen bien. Es una locura cómo sabe allá. La primera vez que probamos algo cercano fue en el sur de California, y aunque no es lo mismo, fue una locura. Había tantos sabores que nunca habíamos experimentado antes y dijimos: ‘Esto es comida mexicana’”.

El guitarrista también confesó su redescubrimiento del tequila: “En el Reino Unido es tan malo que pensé durante mucho tiempo que lo odiaba. Pero cuando probé tequila mexicano de verdad, junto al agave y al mezcal, me di cuenta de que era una de mis bebidas favoritas. Tiene tantos sabores, tantas cosas pasando… Es increíble”. Con humor, se le advirtió que los excesos podrían pasar factura en México: “Van a necesitar muchas pastillas después de tanto tequila y mezcal”. Mike respondió entre risas: “Bueno, vale la pena. Totalmente vale la pena”.

Dado que será la primera vez que toquen en el continente, la preparación ha sido intensa. “Hemos hablado mucho sobre eso porque nunca habíamos venido antes y ahora tenemos cinco discos publicados. Queremos agradecer a los fans preparando un setlist que represente todas nuestras etapas. Preguntamos en redes sociales qué canciones querían escuchar y fue difícil decidir porque tenemos muchas. Hemos ensayado duro, incluso retomando temas que escribimos cuando éramos más jóvenes. Ahora sentimos que algunas debemos hacerlas un poco más lentas porque eran rapidísimas, pero estamos muy emocionados”.

Sobre las diferencias de público según el lugar, señaló: “Lo único que podemos comparar son nuestras giras por Reino Unido, Europa y Estados Unidos. Y sí, cambia bastante. En Europa, por ejemplo, nuestro material pop punk no fue tan popular, pero cuando empezamos a tocar cosas más pesadas la respuesta fue enorme. No sabemos qué esperar en Latinoamérica, pero confiamos en que la selección de canciones será bien recibida”.

Para quienes los escuchen por primera vez, Mike tiene claras sus recomendaciones: “Diría que Passenger o Halo, aunque también Foxglove es una buena muestra de dónde estamos ahora sonoramente, con ese estilo abrasivo de rock pesado. Es difícil elegir una sola canción porque nuestros discos han sido muy distintos, pero esas son un buen punto de partida”.

El guitarrista reflexionó también sobre el crecimiento musical de la banda: “Con los años entendimos que no tenemos que ser siempre la misma banda ni tocar el mismo estilo. Desde Be Nothing nos propusimos experimentar y avanzar. Nunca nos hemos frenado en esa experimentación, siempre dejamos que nos lleve a donde deba llevarnos musicalmente. A veces llegas a un callejón sin salida y dices: ‘Bien, ya exploramos esto, volvamos al camino y probemos otra cosa’. Nuestro lema es ‘sé tu banda favorita’ y siempre traemos influencias de la música con la que crecimos: Deftones, Nirvana, Nine Inch Nails, y también el pop, R&B y hip hop de los 90”.

Sobre la pandemia, agregó: “Aunque fue un mal momento, nos dio tiempo para resetear, revisar nuestro catálogo y preguntarnos: ‘¿Qué tipo de banda queremos ser?’. Al tocar en vivo esas canciones, piensas en cómo hacer que suenen más fuertes, que hagan que la gente se desate. Hay muchas cosas que no piensas en el momento, pero después te das cuenta de cómo influyen en la evolución. Probablemente siempre seguiremos cambiando porque es importante mantener la frescura y no estancarnos”.

Mike también habló de su interés por conocer lo que sucede en la escena musical de la región: “Tendremos bandas locales abriendo los shows y ya escuchamos varias recomendaciones que nos encantaron. Incluso sigo a una artista llamada Vondre, que hace grunge experimental y shoegaze, y me parece increíble. Nos emociona mucho conocer a estas bandas, aprender de sus historias y de cómo es formar parte de la escena en Latinoamérica. Todo eso nos interesa: la cultura, la gente detrás de la música”.

Antes de concluir, el guitarrista dejó un mensaje para los seguidores en México: “Hola, soy Mike de Boston Manor y estamos ansiosos por verlos en el show. No puedo esperar para conocerlos”.

Con estas palabras, queda claro que la primera visita de Boston Manor a México y Latinoamérica será un encuentro cargado de emoción, intensidad y descubrimientos, tanto para la banda como para los fans que llevan años esperando este momento.

La banda dará inicio a su esperada gira latinoamericana en México el próximo viernes 5 de septiembre en el Foro La Piedad, en la Ciudad de México. Los boletos ya se encuentran disponibles a través de la plataforma Ticket Planet, con un costo general de $650.00 pesos más cargos por servicio. La noche contará además con la participación especial de Monde, prometiendo una velada inolvidable para los seguidores de Boston Manor en su primera visita al país.

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Hot Water Music debutará en México en el Festival Off Limits 2025, celebrando más de 30 años de trayectoria.

Foto: facebook.com/hotwatermusic

Después de tres décadas de espera, Hot Water Music finalmente llegará a México para presentarse por primera vez en nuestro país. Formada en Gainesville, Florida, la banda se ha consolidado como uno de los pilares más influyentes y perdurables del punk estadounidense, manteniendo una trayectoria marcada por la honestidad, la energía y el compromiso con su comunidad. El quinteto liderado  por Chuck Ragan celebra este 2025 más de tres décadas con una gira internacional que acompaña el lanzamiento de su más reciente producción discográfica, “VOWS”, editada en 2024 a través del sello Equal Vision Records.

Este nuevo material, producido por Brian McTernan, ha sido descrito como la obra más ambiciosa y emocionalmente honesta del grupo hasta la fecha, contando con colaboraciones de figuras de alto perfil como Daniel Fang y Brendan Yates (Turnstile), Thrice, Dallas Green (City and Colour/Alexisonfire), The Interrupters y Popeye Vogelsang (Calling Hours/Farside). Canciones como “Menace” y “Burn Forever” muestran desde los primeros acordes la potencia de la banda y su capacidad de explorar temas que van desde la catarsis ante la ira hasta la aceptación del duelo. Con este disco y en el marco de su aniversario, Hot Water Music reafirma su vigencia y continúa escribiendo capítulos esenciales dentro del punk internacional.

En ese contexto, su debut en México será como parte de la séptima edición del Festival Off Limits, un referente internacional de la escena underground que reúne cada año a lo mejor del punk, hardcore, metal, ska punk, powerviolence y más. El encuentro se llevará a cabo el sábado 4 de octubre de 2025 en la explanada del Salón Grand Forum, al sur de la Ciudad de México, con dos escenarios al aire libre, zona de comida, merch oficial y un ambiente de unión que caracteriza al festival desde su primera edición. Este año, además de Hot Water Music, el cartel incluye nombres de peso como T.S.O.L., E-Town Concrete, Pulley, Burning Heads, Buck-O-Nine, Weekend Nachos, Ringworm, The Hope Conspiracy, Death Before Dishonor, Catbite, Suicidas, Poison the Preacher, Paura, así como destacadas propuestas nacionales como Mess, Violencia, Los Monjo, Truth Be Told, Satón y Nocaut. Un verdadero banquete para los seguidores de la música independiente y las sonoridades más intensas de la escena alternativa.

En el marco de su primera visita a México, platicamos con Chuck Ragan, voz y guitarra de Hot Water Music, quien compartió la emoción de este momento para la banda y reflexionó sobre el presente, el futuro y el significado de “VOWS”. Desde Woodstock, Nueva York, contó: “Recién comenzamos, ayer fue el primer show en Hartford, Connecticut, pero todo ha ido muy bien hasta ahora. Esta es una gira corta, tenemos con nosotros a Walter Schreifels de Quicksand, que está tocando en solitario, y también a otra gran banda llamada Rodeo Boys”.

El entusiasmo por su primera visita a México es evidente: “Estamos muy emocionados. Es un gran acontecimiento para nosotros. Nos sentimos honrados de tener la oportunidad y queremos compartir la música y la energía en la que creemos. Todos son bienvenidos a unirse al viaje y divertirse con nosotros”. Aunque la espera fue larga, Ragan lo explica con franqueza: “Supongo que trabajamos con los agentes equivocados y nunca se presentó la oportunidad. A veces uno se queda atrapado en su deber de escribir y tocar, esperando que los demás hagan lo suyo. Probablemente tampoco lo empujamos tanto como debimos. Durante años parecía que no era posible. No conocíamos a muchas personas que fueran, y pues… ahora es el momento. Ya era hora”.

Hablar de “VOWS” es hablar de un punto culminante en la historia de Hot Water Music. Para Ragan, este trabajo refleja todos los sacrificios y aprendizajes de tres décadas de música y comunidad: “Treinta años es mucho tiempo para cualquier cosa. Este álbum fue de las mejores experiencias que hemos tenido. La comunicación fue más abierta que nunca, había nostalgia, pero también la sensación de estar completamente en el presente. Muchas de nuestras canciones han sido terapia para nosotros. Yo no hago música para los demás, primero tengo que ser honesto conmigo mismo. Si no nace desde adentro, desde lo más profundo, no funciona”.

El cantante profundiza: “No siempre es bonito ni glorioso. A veces duele expresar lo que necesitamos. Pero es necesario, y al hacerlo me convierto en una mejor persona, más abierto, mejor amigo y hermano”. Para él, el álbum encarna proceso, crecimiento, comunidad y celebración: “La importancia de una comunidad fuerte es vital. Crecimos en una escena donde la música no era fama ni dinero, era liberar algo de adentro y conectar con gente afín. Eso nos marcó y aún hoy lo seguimos viviendo: viajar lejos de casa y conectar con desconocidos que comparten la misma energía y frustraciones es lo más hermoso de la música”.

En ese mismo espíritu, las colaboraciones de “VOWS” tuvieron un papel especial. Entre ellas, la de The Interrupters, con quienes compartieron gira en un momento difícil de Ragan: “Ya era fan antes, pero al conocerlos me enamoré de inmediato de esa banda. Son una familia especial, llena de energía positiva. En esa gira mi madre estaba muy enferma y poco después la perdí. Ellos fueron maravillosos conmigo en todo ese proceso. Los quiero muchísimo”. Ese apoyo, asegura, es vital para sobrevivir: “Hay días en los que uno se cuestiona por qué seguir. Yo no estaría aquí sin mis amigos y familia que me levantaron en esos momentos. Y a la vez, también me ha tocado levantar a mis seres queridos cuando ellos estaban en ese mismo lugar. La comunicación y el amor son la clave”.

La conexión con Brian McTernan también fue determinante en “VOWS”: “No hay otro productor que ame tanto a Hot Water Music como él. Nos conoce tan bien que a veces ve en nosotros cosas que ni nosotros vemos. Nos empuja a dar más porque nos quiere como familia. Eso no lo encontraríamos en ningún otro lado”.

Respecto a su participación en el Festival Off Limits, la emoción es inmediata: “Yo estaba vendido desde que supe que íbamos a ir. No me importaba quién más tocara, solo la oportunidad de finalmente llegar. Me encantan los carteles diversos porque la música es universal, une a la gente de todas partes. Diferentes géneros, ritmos, vibras. Eso es maravilloso”.

Con diez álbumes y más de 300 canciones en su repertorio, elegir el setlist no es tarea fácil. “En un show normal tocamos entre 18 y 22 temas, pero en festivales a veces solo 12 o 14. Tenemos tantas canciones que olvidamos muchas. De vez en cuando hacemos listas de temas que queremos revivir y votamos. Es divertido rescatar canciones que no tocábamos en años”, comenta Ragan.

Sobre el futuro, el vocalista no deja dudas: “Nos encantaría recorrer más Latinoamérica: Chile, Argentina, Brasil, Colombia… todos lo deseamos mucho”. Y antes de cerrar la charla, deja un mensaje directo para la comunidad de Punkeando:

“Hola amigos, soy Chuck Ragan de Hot Water Music. Todo el crew y yo no podemos esperar para ir allá y verlos en el Off Limits Festival. Tenemos muchas ganas. Los amamos. Vengan a pasar un buen rato con nosotros. Gracias”.

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Entrevistamos a Mike Hranica de The Devil Wears Prada sobre su regreso a México, su conexión con los fans, la gira por Sudamérica y los planes de nueva música este año.

Foto: Alejandro Vazquez

Con tres fechas confirmadas en México, The Devil Wears Prada anuncia su esperado regreso como parte de su gira por Latinoamérica en 2025. La banda originaria de Dayton, Ohio, iniciará su paso por el país el 6 de agosto en Monterrey, continuará el 7 en Guadalajara y culminará el 8 de agosto con un show en el Circo Volador de la Ciudad de México. Posteriormente, el grupo continuará su recorrido por Sudamérica con fechas en Colombia, Chile, Argentina y Brasil, marcando así un reencuentro muy esperado con su base de fans latinoamericanos.

Esta será la sexta visita de la banda a México, a dos años de su última presentación en la capital junto a Silverstein. Con una sólida trayectoria dentro del metalcore, el grupo continúa promocionando Color Decay (2022), su más reciente álbum lanzado a través de Solid State Records y producido por su propio tecladista Jonathan Gering. Además, los integrantes han confirmado que han estado trabajando en nuevo material en California, con planes de lanzar más música en el transcurso de este año.

Con motivo de este regreso, charlamos por segunda ocasión con Mike Hranica, vocalista de The Devil Wears Prada, quien nos compartió su entusiasmo por volver a México, sus recuerdos de giras pasadas y la evolución creativa de la banda.

Desde el primer momento, Mike se mostró relajado y entusiasta. “Gracias por tenerme aquí”, dijo con una sonrisa al comenzar la charla. Recordando su más reciente visita a la Ciudad de México junto a Silverstein, el vocalista no escatimó en elogios. “Tuvimos una experiencia increíble. Honestamente, fue el mejor momento que hemos tenido en la Ciudad de México. Así que, sin duda, será una locura”.

Sobre aquella última visita, Mike recuerda momentos especiales fuera del escenario, como su paso por museos de arte y, por supuesto, las salidas con los integrantes de Silverstein, a quienes considera como sus mejores amigos. También destaca el auge de la comida vegana en la capital mexicana y, entre risas, menciona lo accesible de la cerveza local.

Este año, la gira los llevará más allá de la capital: Monterrey y Guadalajara se suman al itinerario. Para Mike, esa variedad geográfica representa una de las grandes recompensas de formar parte de una banda. “Tener la oportunidad de tocar en tres lugares diferentes de México es increíble. Estamos muy agradecidos de poder ir más allá de solo la Ciudad de México”, afirma.

Después de su paso por México, la banda viajará a Sudamérica, en una ruta que incluirá Colombia, Chile, Argentina y Brasil. No visitaban la región desde hace más de 14 años, y eso, reconoce Mike, le da un peso emocional especial al regreso. “Es cierto eso de que la ausencia hace crecer el cariño. Estamos muy emocionados de volver. ¡Y claro! Cada vez que hacemos algo, los comentarios son ‘¡vengan a Brasil!’. Bueno, ¡ahí estaremos!”

En abril pasado, The Devil Wears Prada estrenó “For You”, una canción más melódica y emocional. Según cuenta Mike, el tema se eligió entre muchas canciones que ya tienen listas debido al entusiasmo que generó entre el equipo del sello discográfico y su agencia de booking. “Está funcionando muy bien en la radio aquí en Estados Unidos. Nunca habíamos tenido un lanzamiento en el Top 40 de rock, y llevamos semanas en el puesto 31. Es muy emocionante”, comenta.

Al preguntarle sobre más material nuevo, Mike no lo confirma abiertamente, pero su expresión lo delata: “Quisiera decirlo, pero no puedo”. Lo que sí revela es que la banda ha estado escribiendo y grabando canciones, lo cual refleja el buen momento creativo por el que atraviesan.

La forma en la que trabajan también ha evolucionado con los años. Antes, muchas canciones eran compuestas por Chris Rubey, uno de los miembros fundadores, mientras que otras surgían de jams grupales. Hoy, el proceso es diferente: John Gering produce los temas y se encarga de todo, desde el primer demo hasta la versión final. Aunque Mike admite que ya no contribuye tanto como antes, asegura que confía plenamente en la visión de John y en la dirección artística de Jeremy.

A lo largo de casi dos décadas, la inspiración también ha cambiado. Durante la etapa de álbumes como Dead Throne o With Roots Above, Mike se influenciaba por bandas contemporáneas de metalcore y deathcore. Ahora, en cambio, se siente más atraído por la idea de combinar influencias del pasado —incluso de hace 20 o 25 años— con técnicas de producción modernas. “Siempre hemos amado a My Chemical Romance, y eso se nota en nuestros discos más recientes”, confiesa.

Sobre el setlist de los conciertos, Mike tiene una clara preferencia: “Prefiero lo nuevo. Cualquier cosa que se vuelve rutinaria, cansa”. Aunque reconoce que deben tomar en cuenta lo que más se reproduce en plataformas como Spotify y Apple Music, le entusiasma incluir canciones menos comunes o profundas de discos antiguos. Una de sus favoritas poco conocidas es “Don’t Dink and Drance”, incluida en el álbum Plagues, que tocaron completo en un show en Las Vegas el año pasado.

Detrás del escenario, la rutina es bastante relajada. Mientras algunos integrantes se preparan con tiempo, Mike y Jeremy suelen hacerlo en el último momento. “Me gusta tomar algunas cervezas antes para calmarme”, dice. Además, ha cambiado sus hábitos para mejorar su rendimiento: menos comida frita y más ejercicio diario. “Eso ha hecho que mi cuerpo rinda mejor que nunca”.

En cuanto a posibles colaboraciones, Mike menciona a Caleb Shomo de Beartooth como alguien con quien le gustaría trabajar. “Es un trabajador incansable y admiro mucho lo que ha hecho con su carrera”, dice.

Entre sus discos favoritos, destaca Pass the Flask de The Bled, que escuchaba cuando era adolescente y con el cual aprendió a gritar. Recuerda también con claridad su primer show con la banda: fue en el piso de un skatepark en Ohio, durante un pequeño festival llamado Unicorn Fest en 2005. “Estaba muy, muy nervioso. No recuerdo cuánta gente había, pero sí que estaba aterrado. Fue en agosto de 2005, o tal vez septiembre u octubre”, rememora. Ese show marcó el inicio de una carrera que en agosto cumplirá exactamente 20 años en los escenarios.

Aunque nunca tuvo ese “momento de realización” donde sintió que lo habían logrado, sí recuerda con claridad hitos importantes como firmar con Rise Records o lanzar una colaboración con Vans. También disfruta crear productos especiales para los fans, como café artesanal o la reciente boxset.

Para los jóvenes que sueñan con dedicarse a la música, Mike tiene un consejo claro: “Nunca dejes que las canciones pasen a segundo plano. Hay muchas cosas fuera del escenario que requieren atención, pero las canciones deben ser siempre lo más importante”.

Antes de despedirse, Mike dedica un mensaje a sus seguidores: “Estamos muy emocionados de volver a México. Gracias por escuchar nuestra música y por apoyarnos durante estos 20 años. ¡Nos vamos a divertir mucho en agosto!”

Como parte de una gira que no solo celebra su legado, sino que también abre paso a una nueva etapa creativa, The Devil Wears Prada reafirma su compromiso con una audiencia que los ha acompañado por dos décadas. Con México como una de sus plazas más especiales y una base de fans latinoamericana que ha esperado más de una década para verlos de vuelta en Sudamérica, la banda promete una serie de conciertos intensos, emotivos y memorables.

Los boletos para las fechas en México ya están disponibles a través del sitio oficial de la banda.

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El vocalista de la banda estadounidense habla sobre su conexión con el público mexicano, sus influencias musicales y los próximos conciertos en Guadalajara y Ciudad de México.

Foto: Angelica Rincon

Después de ocho largos años de ausencia, los icónicos Descendents finalmente regresan a México como parte de su esperada gira latinoamericana, una de las más esperadas por los fanáticos del punk en la región. La banda, formada en 1978 en California, es considerada una de las más influyentes dentro del género, y su último concierto en suelo mexicano ocurrió en 2016, en una única fecha que dejó una huella imborrable. Con un legado de discos fundamentales como Milo Goes to College y Everything Sucks, Descendents regresa con un repertorio que abarca más de cuatro décadas de historia y con una nueva energía que promete electrificar a sus seguidores. Los conciertos en Guadalajara y Ciudad de México, que se celebrarán los próximos 5 y 6 de diciembre, marcarán el inicio de una gira que también los llevará a Chile, Argentina y Brasil.

Este regreso a Latinoamérica tiene un toque especial, ya que Descendents estarán acompañados por una de las bandas más importantes del hardcore/punk: Circle Jerks. La alianza entre ambos grupos promete una serie de conciertos explosivos, donde la energía y el espíritu rebelde del punk clásico se harán sentir en todo su esplendor. Circle Jerks, conocidos por su agitada historia y su irreverente actitud, estarán presentando su propio repertorio cargado de himnos como “Wild in the Streets” y “Glen’s Song”, mientras que Descendents ofrecerán a su público un set lleno de sus más grandes éxitos.

En un ambiente relajado y con la misma disposición de siempre, tuvimos una charla con Milo Aukerman, el vocalista de la banda. En esta entrevista, Milo compartió sus impresiones sobre su regreso a México, lo que significa para él tocar junto a Circle Jerks en esta gira y cómo ha visto la evolución del punk a lo largo de los años. Una conversación que reveló su pasión por el punk y su deseo de seguir tocando y explorando nuevos territorios a pesar de la vasta trayectoria de Descendents.

La primera vez que Descendents pisaron México fue en 2016, y aunque la banda vivió esa experiencia de manera intensa, fue un viaje apresurado y, como explicó Milo, no tuvo la oportunidad de conocer a fondo el país. “Cuando vivía en San Diego íbamos a Ensenada y la zona de Baja California, pero la vez que estuvimos en Ciudad de México fue la primera vez que estuve realmente allí”, comentó Milo. En esa ocasión, la banda llegó, tocó y se fue, sin tiempo para explorar la ciudad o disfrutar de la cultura que tanto adoran. Pero ahora, con esta gira, Milo tiene la oportunidad de conocer más a fondo el país: “La última vez fue un poco apresurado, volamos y directo al escenario, así que no pude conocer mucho la ciudad. Esta vez quiero ver más de México, queremos experimentar Guadalajara también. Me encanta este país, y estoy muy emocionado por poder disfrutar de él más allá del escenario”.

Además de la emoción de regresar a México, Descendents se encuentran en una gira conjunta con los legendarios Circle Jerks, una colaboración que ha ido más allá de compartir escenario. La relación entre ambas bandas se remonta a los años 80, cuando coincidieron en varios conciertos y festivales. “Nuestra historia con ellos viene desde hace mucho, desde los 80s, y siempre ha habido un apoyo mutuo”, comentó Milo. “La primera vez que tocamos con los Circle Jerks, quedé impresionado con lo que Keith y los demás hacían. Bill, nuestro baterista, conoce a Keith desde que era un niño, así que esta colaboración se siente muy natural”.

La colaboración entre Descendents y Circle Jerks en un split compartido fue un momento significativo para ambas bandas, y como revela Milo Aukerman, el proceso de selección de las canciones fue una tarea pensada con mucho cuidado. “Ellos tuvieron la idea de hacer un split, donde nosotros versionaríamos una de sus canciones y ellos una de las nuestras”, explica. En cuanto a la elección de las canciones, Milo comenta que para Descendents, no fue difícil escoger entre el extenso catálogo de Circle Jerks, aunque su disco “Group Sex”. “Obviamente, su primer disco Group Sex es una joya, todas las canciones son increíbles”, señala. Sin embargo, después de discutir varias opciones, la banda decidió interpretar “Beverly Hills” y “I Just Want Some Skank”, dos de las canciones más icónicas del grupo californiano. A pesar de que otras canciones como “Back Up Against The Wall” también estuvieron en la lista, finalmente la banda votó por estas dos.

El reto de adaptar los temas al sonido de Descendents no fue tan difícil, según Milo, debido a la afinidad natural de la banda por ese estilo de música. “Nos encanta la música rápida, precisa y ruidosa”, dice con una risa. Para él, lo más importante es el respeto por la esencia de la canción original. “Si sentimos que podemos adaptarnos a ese estilo, lo hacemos”, explica. En lugar de darle un giro personal a las canciones, Descendents prefirió canalizar la energía de Circle Jerks de una manera auténtica. “Nosotros simplemente crecimos escuchando a los Circle Jerks, así que cuando toqué esa canción traté de canalizar a Keith lo mejor que pude. No traté de darle mi propio estilo, solo traté de ser Keith”, bromea, refiriéndose al vocalista Keith Morris. Para Descendents, reinterpretar las canciones de Circle Jerks fue un acto de respeto hacia sus influencias, y a la vez, una forma de mantener vivo el espíritu del punk en su versión más pura.

Para Milo Aukerman, ser considerado una influencia para nuevas generaciones de músicos es algo profundamente gratificante. “Siempre es muy emocionante ver que la gente venga a vernos tocar, y que algunos de ellos se sientan inspirados a formar una banda”, dice el líder de Descendents. Este ciclo de inspiración es lo que lo llevó al punk rock en primer lugar: “Yo escuchaba a Black Flag, The Germs, X y Circle Jerks, y de repente, meses después, estaba en una banda”, comenta, reflejando cómo la música se convierte en el motor para crear nuevas propuestas. Para él, el punk rock siempre ha sido un espacio donde la energía y la inspiración son suficientes para crear algo único, sin la necesidad de pasar por los filtros comerciales de la industria.

A lo largo de los años, Descendents ha visto cómo esta energía se extiende a diversas partes del mundo, y particularmente en América Latina, donde el espíritu DIY (hazlo tú mismo) sigue vivo. Aunque Milo no está completamente al tanto de cada detalle de la escena local en países como México, está convencido de que hay una “escena punk bastante sana”. Para él, el punk sigue siendo un deseo universal: hacer música de manera independiente, sin las limitaciones de las discográficas, y con una pasión genuina por lo que se hace. “Es genial pensar que esas bandas pueden surgir del underground, tocar localmente y formar sus propias escenas”, dice, mostrando su apoyo a la creación de espacios auténticos donde los jóvenes puedan expresarse libremente, tal como lo hizo Descendents en sus primeros días.

Con la llegada de Descendents a México como parte de su gira latinoamericana, Milo Aukerman no puede ocultar su emoción. El líder de la banda tiene altas expectativas para los próximos conciertos en Guadalajara y la Ciudad de México, dos ciudades que, según él, tienen una energía única. “Sería genial. Quiero ver a la gente pasar un buen rato”, dice. Para Aukerman, lo más importante es que los fanáticos disfruten del show, salten, canten y se entreguen a la banda.

Recordando la primera vez que Descendents tocó en México, en 2016, Milo comparte que la experiencia fue un poco frenética, pero también muy intensa. La banda tocó y se fue rápidamente, sin tiempo para conocer a fondo la ciudad. Pero ahora, con una gira más extensa y tiempo para disfrutar de los destinos, Milo está más que emocionado por esta nueva aventura. “Ahora tengo la oportunidad de disfrutar de la ciudad, ver más de México y experimentar su cultura”, menciona con entusiasmo, anticipando los shows que están por venir.

Milo comparte su visión para un festival ideal, destacando a algunas de las bandas que incluiría. X de Los Ángeles sería una de sus principales elecciones, aunque ha tenido dificultades para verlos en vivo debido a la programación de los festivales. “Siempre me encanta tocar con X, pero cuando estamos en un festival con ellos, suelen estar en otro escenario y nunca puedo verlos”, comenta con frustración. Además, menciona a los legendarios Bad Brains, una banda que ha influido enormemente en su carrera. “Sería increíble verlos nuevamente”, expresa, recordando la vitalidad y el impacto de su música. Finalmente, Rise Against entra en la lista de sus favoritos, destacando su energía en el escenario. “Siempre dan un gran show”, concluye Milo sobre la banda contemporánea.

Cuando se trata de los discos que han marcado su carrera, Milo menciona tres que, para él, fueron cruciales para el desarrollo de su estilo musical y la esencia de Descendents. El primero de estos es “Meet The Beatles” de The Beatles, un álbum que según él, “definió toda la música que escucharía después de eso, por su melodía y su energía”. Este disco sembró en Milo su amor por las melodías pegajosas y la energía vibrante que caracterizan a Descendents.

El segundo álbum fundamental en su vida es el “ROIR” de Bad Brains, una banda que revolucionó el punk con su mezcla de velocidad y habilidad técnica. “Ellos aprendieron a tocar más rápido que cualquier otra banda, y eso influyó mucho en lo que hacemos en Descendents“. La capacidad de Bad Brains para fusionar velocidad y melodía fue una gran influencia para la banda californiana.

El tercer disco que marcó a Milo es “Six Pack EP” de Black Flag, especialmente en la etapa en la que Dez Cadena era el cantante. “Estoy muy parcial a la época de Dez como cantante”, admite. “Six Pack” es un material que representa la energía cruda y destructiva de Black Flag, influyendo en la actitud y el sonido de Descendents. “Bad Brains nos dio la velocidad, y Black Flag nos dio esa energía destructiva”, concluye Milo, reconociendo la influencia de ambas bandas en su propia música.

A través de estos tres discos —Meet The Beatles, ROIR cassette de Bad Brains, y Six Pack de Black Flag— se puede entender mejor cómo estos pilares han influido en la carrera de Milo Aukerman y en el sonido que define a Descendents hoy en día.

Para los fanáticos mexicanos, la espera ha terminado: Descendents regresará al escenario el próximo 5 de diciembre en C3 Stage en Guadalajara, y el 6 de diciembre estarán en el Pabellón Oeste del Palacio de los Deportes en Ciudad de México, acompañados por Circle Jerks. La gira promete una noche llena de la energía característica de ambas bandas, representando lo mejor del punk clásico.

Al finalizar la entrevista, Milo no dejó pasar la oportunidad de enviar un mensaje a sus seguidores mexicanos. “Hola Punkando, soy Milo de Los Descendents. Estamos muy emocionados de ir a México y rockear para todos ustedes. ¡Nos vemos pronto!”

Los próximos conciertos de Descendents en México serán una cita obligada para todos los fans del punk. Los boletos ya están disponibles a través del sistema ticketmaster.

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En su esperado regreso a México, Circle Jerks, leyendas del hardcore punk, compartirán escenario con Descendents en Ciudad de México y Guadalajara.

Foto: Angelica Rincon

Desde su formación en 1979 en Hermosa Beach, California, Circle Jerks se consolidó como una de las bandas más influyentes del hardcore punk estadounidense. Liderados por Keith Morris, el grupo fue pieza clave en el auge del género durante los años 80, destacándose por su energía cruda y letras cargadas de ironía social. Con álbumes icónicos como “Group Sex” y “Wild in the Streets”, su legado ha trascendido generaciones, manteniéndose vigentes a pesar de las pausas en su carrera. Tras su regreso en 2019, Circle Jerks ha revitalizado su repertorio en el escenario, dejando claro que su espíritu punk sigue intacto.

En el marco de su actual gira por México y América Latina, la banda no solo celebra más de 40 años de trayectoria, sino que también estrecha lazos con un público que les ha brindado una devoción inquebrantable. Con fechas programadas en la Ciudad de México y Guadalajara como parte de su gira por Latinoamérica, Circle Jerks comparte escenario con los legendarios Descendents, prometiendo espectáculos llenos de nostalgia y energía desenfrenada.

Antes de su llegada a México, Keith Morris, líder de Circle Jerks, nos brindó una entrevista en la que compartió sus experiencias en el país, su visión sobre la escena punk y su relación con sus colegas de gira.

Morris expresó su entusiasmo por regresar a México, un lugar que ha dejado una huella significativa en su carrera. “He estado en la Ciudad de México una vez con Circle Jerks y dos veces con OFF!, y luego, Guadalajara… no puedes venir a México, visitar la Ciudad de México, y no tocar en Guadalajara”, comentó con entusiasmo, resaltando la importancia de incluir ambas ciudades en su itinerario.

Este regreso tiene un significado especial para Morris y la banda, ya que para él, México representa un lugar clave en el que la conexión con el público y la cultura punk sigue siendo fuerte y vibrante.

Sobre su última visita a México en 2022, Keith Morris compartió con nostalgia su experiencia en la Ciudad de México, donde se hospedó en un lugar con una historia especial. “El hotel era el que construyeron para los atletas olímpicos cuando las Olimpiadas se celebraron en la Ciudad de México. El área era increíble, llena de tiendas y restaurantes. Me encantó caminar por los vecindarios, especialmente de noche”, recordó con cariño, destacando la vida vibrante de la ciudad.

No obstante, la visita no estuvo exenta de dificultades. Morris reveló que sufrió un problema de salud durante su estancia: “Contraje parásitos. Fue complicado porque soy diabético, pero, aparte de eso, fue una experiencia increíble”.

Keith Morris compartió la profunda conexión que tiene con los miembros de Descendents, una relación que va más allá de compartir escenarios y gira. “Conozco a Billy Stevenson desde que tenía ocho años. Milo también fue a la misma escuela secundaria que yo, aunque son unos años más jóvenes. Soy como ocho años mayor que ellos”, comentó Morris, destacando los lazos de amistad que se forjaron desde su juventud.

Su historia se remonta a tiempos antes de que Descendents existiera como banda. “Conozco a Billy desde antes de Descendents. Solía venir a la tienda de mi papá, donde trabajaba, y cuando estaba solo, él me pedía recomendaciones de música”, explicó. Fue entonces cuando Morris comenzó a influir en los gustos musicales de Billy, recomendándole bandas como Cheap Trick, ZZ Top, Blue Öyster Cult, David Bowie, Deep Purple, Uriah Heep, e incluso algunas más pesadas como Black Sabbath. “Esa influencia musical que compartí con Billy tuvo un gran impacto en el sonido inicial de Descendents, incluso antes de que empezáramos a escuchar punk rock, como Sex Pistols, The Clash, Ramones, entre otros”, añadió, reconociendo su rol en la formación de los primeros pasos musicales de la banda.

Para Morris, Descendents no son solo colegas de gira, sino que se han convertido en una familia: “Para mí, Billy y los chicos son como mis hermanos menores”. Esta amistad sólida y duradera refleja la estrecha relación que comparten más allá de los escenarios, cimentada en años de historias compartidas y un legado musical común.

Después de más de 40 años en la escena, Circle Jerks sigue encontrando motivos para mantenerse activos en el mundo del punk rock. “Amamos lo que hacemos. Es lo que sabemos hacer”, comparte Keith, aunque reconoce los retos que conlleva tocar un género tan demandante a nivel físico. “Somos mayores, y el punk requiere mucho esfuerzo. Por eso, nos enfocamos en mantenernos lo más saludables posible. Ya no festejamos como antes”.

La autenticidad es clave para Circle Jerks, algo que también valoran sus seguidores. Zander, bajista de la banda, quien además cuenta con discos solistas que vende personalmente en el puesto de mercancía tras los conciertos, destaca la conexión con el público. “Habla con los fans y les pregunta por qué están allí. Casi siempre dicen que están cansados de la música nueva y que buscan algo auténtico, algo eléctrico”, explica.

Para la banda, esa conexión es su esencia. “Eso es lo que ofrecemos: una experiencia genuina, sin luces exageradas, lásers ni cambios de escenario. Solo nosotros, el público y la energía pura del punk”.

Keith recordó con emoción su última presentación en México: “La última vez que Circle Jerks estuvo en México, tocamos en una fiesta organizada por Vans, en la Casa Vans. Había como 1,000 personas, y fue una locura. La seguridad parecía militar, con chalecos antibalas y armas. Fue un show increíble”.

En su reciente split EP con Descendents, Circle Jerks reinterpretó clásicos como “Kabuki Girl” y “Hope”, mientras que Descendents versionaron canciones como “Red Tape” y “Beverly Hills”. Keith explicó que, aunque fue un proceso emocionante, hubo desafíos: “La letra de Hope fue complicada porque Milo canta sin apenas pausas para respirar. Además, tuvimos que cambiar algunas letras por cuestiones de corrección política”.

Sobre las versiones que Descendents hicieron de sus canciones, Keith expresó su admiración: “Fueron bastante fieles a las grabaciones originales. Graban de forma remota, pero cuando trabajan en un álbum completo, eventualmente se reúnen. Su compromiso con la calidad es impresionante”.

Keith reflexionó sobre las diferencias entre los públicos alrededor del mundo. “En América Latina, los fans son más intensos y salvajes. Hay una energía única que no se encuentra en otros lugares”, comentó. También destacó a bandas actuales como Fucked Up y Surfbort, que, según él, están haciendo un gran trabajo en el género.

Cuando se le preguntó sobre su festival ideal, Morris dejó claro que su visión va más allá de los límites del punk. “No sé quién encabezaría, pero incluiría a Dinosaur Jr., Jesus Lizard, Guided by Voices, Turbo Negro, Sex Pistols, Fucked Up, The Moon Landings del Reino Unido, Negative Approach, Descendents, Pennywise, Rancid, Suicidal Tendencies y Kid Congo and the Pink Monkey Birds”, comentó, sugiriendo una alineación cargada de sonidos que abarcan desde el grunge hasta el punk más clásico. Pero lo interesante no solo es la variedad, sino que también incluiría a figuras de otros géneros, como Paul McCartney y Neil Young, a quienes consideraría cabezas de cartel, mostrando una mezcla única de géneros: “No sería solo punk, sino una mezcla”.

Aunque Morris es considerado uno de los grandes íconos del punk, su paladar musical es mucho más amplio. “Diría Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band de los Beatles o Their Satanic Majesties Request de los Rolling Stones. Aunque realmente, ninguno de esos es punk”, confesó entre risas, señalando la variedad de influencias que han dado forma a su carrera. “He escuchado música desde que tenía cinco años. Antes del punk, me gustaban discos como Desolation Boulevard de Sweet o The Man Who Sold the World de David Bowie”, agregó.

Para Keith, la música no se trata solo de un género, sino de una forma de vida. Sus influencias abarcan desde el rock clásico hasta las primeras bandas de punk, y su profundo conocimiento de la música se refleja en sus elecciones de discos. “La música de los Beatles y los Rolling Stones no es punk, pero esas influencias se filtran en lo que haces, aunque no lo notes”, explicó.

Finalmente, Keith dejó un mensaje especial para sus fans mexicanos: “Hola a todos, soy Keith Morris de Circle Jerks. Espero que estén bien, fuertes y saludables. Nos vemos pronto en nuestros shows en México y América Latina”.

Circle Jerks han demostrado ser una de las bandas más importantes del punk rock, manteniéndose vigentes a lo largo de los años gracias a su energía y conexión con el público. Keith Morris, con su carisma y pasión, sigue liderando un proyecto que no solo entretiene, sino que también inspira a nuevas generaciones de fans. Su esperado regreso a México incluye conciertos junto a Descendents, el 5 de diciembre en Guadalajara y el 6 de diciembre en la Ciudad de México, prometiendo noches llenas de intensidad y reafirmando su lugar como íconos del género.

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