Sleeping With Sirens regresó al MTELUS de Montréal con An Ending in Itself Tour, junto a Shyeye y Rain City Drive, en una noche de post-hardcore.

Fotos: Alejandro Vázquez 

Sleeping With Sirens regresó a Montréal con una propuesta que une el impulso de sus primeros discos con las canciones de su presente. El viernes 30 de octubre, MTELUS recibió al grupo estadounidense como parte del An Ending in Itself Tour, acompañado por Shyeye y Rain City Drive. Tres presentaciones enlazaron distintas facetas del rock alternativo y el post-hardcore, desde sus melodías más íntimas hasta los pasajes de guitarras contundentes.

La visita coincidió con el lanzamiento de An Ending in Itself, octavo álbum de estudio de Sleeping With Sirens, publicado en junio de 2026. Producido por Will Yip, el disco recupera elementos de su sonido característico y los combina con una escritura más madura. Esa convivencia entre épocas terminó marcando el recorrido musical de la velada.

Shyeye: melodías y distorsión para abrir la noche

Shyeye inició la jornada con una mezcla de emoy post-hardcore que remite al cambio de milenio. El proyecto encabezado por Destiny Keller, artista radicada en Nashville, construye su identidad alrededor del contraste entre pasajes melódicos y guitarras de mayor peso. Su propuesta enlaza sensibilidad y fuerza, dos recursos que también atraviesan a las bandas con las que compartió el escenario.

La presentación ofreció una introducción atractiva al espíritu del cartel. La voz y la instrumentación encontraron espacio para mostrar matices, mientras las composiciones aportaron una perspectiva contemporánea a influencias reconocibles. Shyeye abrió así un recorrido por varias generaciones del género y dejó una impresión marcada por su personalidad musical.

Rain City Drive: intensidad y sensibilidad en equilibrio 

Rain City Drive tomó el relevo con una interpretación centrada en el equilibrio entre melodía y contundencia. Encabezada por Matt McAndrew, la banda ha desarrollado una propuesta donde el rock alternativo convive con la sensibilidad del post-hardcore. Su sonido destaca por las guitarras definidas, una base rítmica firme y estribillos que ocupan el centro de cada composición.

“Frozen” y “Concrete Closure”, incluidas en Things Are Different Now (2024), representaron esa faceta de su repertorio. También aparecieron “Slither”, “Talk to a Friend”, “Prayers” y “Wish You the Best”, además de “Heavier” y “Medicate Me”. La selección permitió escuchar cómo el grupo conecta sus canciones más recientes con una identidad desarrollada a lo largo de varios lanzamientos.

McAndrew aportó expresividad a cada tema, alternando líneas vocales delicadas con momentos de mayor alcance. La instrumentación acompañó esos cambios con naturalidad. Rain City Drive construyó un segundo capítulo lleno de melodías memorables y dejó preparado el terreno para el grupo principal.

Sleeping With Sirens: un recorrido entre generaciones

Sleeping With Sirens comenzó su actuación con “Kick Me”, una elección que situó de inmediato el concierto en su faceta más enérgica. “Leave It All Behind” mantuvo el pulso antes de dar paso a “An Ending in Itself” y “Forever/Always”, dos canciones del álbum que da nombre a la gira. La secuencia presentó en pocos minutos las distintas etapas de su trayectoria.

Al frente, Kellin Quinn volvió a mostrar la versatilidad de una voz fundamental para el sonido de la banda. Su registro agudo, las transiciones melódicas y la expresividad de sus interpretaciones aportaron continuidad a un repertorio que recorre más de quince años. A su alrededor, las guitarras y la sección rítmica dieron cuerpo a cada cambio de dinámica.

En MTELUS, el paso entre canciones veloces y momentos más melódicos aportó variedad al espectáculo y permitió apreciar cómo el grupo ha ampliado sus recursos musicales con los años.

Los primeros discos tuvieron una presencia destacada. “The Bomb Dot Com V2.0” recuperó la esencia de With Ears to See and Eyes to Hear, mientras “A Trophy Father’s Trophy Son” y “Do It Now Remember It Later” remitieron a Let’s Cheers to This. “Better Off Dead” y “Go Go Go”, por su parte, recordaron la etapa de Madness.

La selección también incluyó “Free Now”, “Bloody Knuckles”, “Crosses” y “House of Matches”, reflejando la amplitud del catálogo. Entre las novedades sobresalió “I’m Coming Home (Big Gulps)”, reinterpretación acústica de una composición de sus inicios que adquirió nueva vida en 2026. Cada canción aportó una textura diferente sin perder el sello reconocible del grupo.

Para el final quedaron “If I’m James Dean, You’re Audrey Hepburn” y “If You Can’t Hang”, dos temas esenciales en la historia de Sleeping With Sirens. El cierre reunió el carácter emotivo y el impulso melódico que han acompañado al quinteto desde sus primeros años.

En Montréal, Sleeping With Sirens presentó un concierto construido alrededor de la continuidad: canciones nuevas que dialogan con clásicos y una identidad capaz de atravesar distintas generaciones. Junto a Shyeye y Rain City Drive, el grupo convirtió MTELUS en un encuentro entre la memoria del post-hardcore y su evolución actual.

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Fotos: Alejandro Vazquez 

Ando San: el groove abre la noche

El guitarrista y productor estadounidense Ando San, originario del valle de San Fernando, en California, abrió la jornada con una propuesta que invitaba a seguir tanto las frases de guitarra como su movimiento rítmico. Las melodías y los cambios de acento ofrecieron una muestra del trabajo rítmico que atravesaría parte del cartel. Además, su música combina la guitarra progresiva con ritmos e influencias del hip-hop, una mezcla que aportó variedad al cartel y dio personalidad al comienzo de la velada.

El detalle de las guitarras convivía con un groove que ayudaba a encontrar el pulso entre sus variaciones. Así, fue una presentación que permitió acercarse a la música desde la curiosidad, seguir sus recorridos y disfrutar de cómo cada sección se enlazaba con la siguiente.

Greyhaven: melodía y carácter

A continuación, Greyhaven, banda estadounidense originaria de Louisville, en Kentucky, tomó el relevo con un post-hardcore que sumó peso y expresividad al escenario. Los riffs encontraron su complemento en las aperturas melódicas, mientras la interpretación vocal acompañaba los matices de las canciones. El repertorio también incluyó “The Welcome Party”, “Echo and Dust, Pt. I” y “Cemetery Sun”, una selección que mostró distintas facetas de su propuesta.

La agrupación sostuvo el impulso de su presentación con esos cambios de intensidad. Había espacio para reconocer una melodía, dejarse llevar por ella y volver a entrar en el siguiente riff. Su lugar en el cartel permitió apreciar una manera distinta de trabajar el vínculo entre precisión instrumental y respuesta física.

Ne Obliviscaris: una sala lista para remar

Después, con Ne Obliviscaris, banda australiana originaria de Melbourne, las canciones adquirieron otra amplitud. “Intra Venus”, “Suspyre” y “And Plague Flowers the Kaleidoscope” formaron parte de su presentación. El violín, las guitarras y el encuentro entre voces limpias y guturales dieron forma a una propuesta donde cada desarrollo abría nuevas posibilidades. Sus composiciones invitan a recorrer distintos estados. La audiencia se sumó a ese viaje y protagonizó una de las escenas más festivas de la velada.

En un momento de la presentación, parte del público se sentó en el suelo y comenzó a remar. Mientras tanto, los brazos avanzaban juntos, como los de una tripulación vikinga, siguiendo el ritmo de la música. La escena tenía la alegría de un juego compartido y encajaba con el alcance épico de la propuesta.

Ese gesto dio un acento festivo a la presentación y mostró otra manera de disfrutar sus composiciones. Entre los desarrollos instrumentales y los remos imaginarios, Ne Obliviscaris encontró una audiencia que escuchaba con atención y también se animaba a ponerle su coreografía al concierto.

Periphery: riffs que ponen a girar MTELUS

Finalmente, la banda estadounidense Periphery, formada en Washington D. C., tomó el escenario con la sala preparada para el cierre. Su presentación reunió las cualidades que han dado identidad al grupo: guitarras de acentos cambiantes, una batería que articula cada giro y líneas vocales capaces de llevar las canciones hacia registros melódicos y secciones de mayor potencia.

El repertorio incluyó “Scarlet”, “Wildfire” y “Reptile”, además de “Heaven on High” y “Everyone Dies Alone”. Por su parte, el groove, los desarrollos progresivos y las melodías ofrecieron distintas puertas de entrada a una música que conecta con la audiencia desde el detalle y el cuerpo.

En MTELUS, esa conexión se expresó en los circle pits y el mosh. El centro de la sala se abría para dejar correr a quienes entraban al círculo; alrededor, otros asistentes acompañaban los riffs con la cabeza y el cuerpo. Los cambios de ritmo encontraban una respuesta en el piso y mantenían el intercambio con el escenario.

La participación del público dio al cierre una dimensión colectiva. Periphery sostuvo el impulso musical y los asistentes encontraron su lugar dentro de él, siguiendo las variaciones y celebrando las secciones más contundentes.

En conjunto, el groove de Ando San, el post-hardcore de Greyhaven, el metal progresivo de Ne Obliviscaris y el cierre de Periphery dieron forma a una noche de música con distintos acentos. La respuesta del público unió las cuatro presentaciones: siguió los riffs, celebró las melodías, abrió los circle pits y hasta se sentó a remar.

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El domingo 27 de septiembre, MTELUS recibió una combinación difícil de ignorar. Alcest, Deafheaven y Mastodon llegaron a Montréal como parte de la gira norteamericana Poisonous Weapons Tour.

Fotos: Alejandro Vazquez 

La alineación reunió distintas maneras de entender los lenguajes del metal, desde la sensibilidad etérea de Alcest hasta las murallas sonoras de Deafheaven y el metal progresivo de Mastodon. Tres propuestas diferentes encontraron varios puntos de conexión a lo largo de la noche.

Alcest: atmósfera entre distorsión y melancolía

Alcest fue el encargado de abrir la noche y, lejos de funcionar simplemente como introducción, estableció desde los primeros minutos una atmósfera propia. El proyecto encabezado por Neige se apoyó en una dualidad que se ha convertido en uno de sus rasgos esenciales. Pasajes contemplativos y melodías luminosas crecieron hasta transformarse en capas densas de guitarras y voces abrasivas.

Canciones como “Protection” y “Sapphire” mostraron su faceta más expansiva. Por su parte, “Écailles de lune – Part 2” llevó el set hacia terrenos considerablemente más intensos. El cierre con “Eclosion” y “Kodama” reforzó esa combinación de melancolía, distorsión y amplitud sonora. Así, Alcest dejó una apertura envolvente que preparó al público para el cambio de intensidad que llegaría después.

Deafheaven: tensión, ruido y catarsis

Deafheaven apareció después para llevar la atmósfera hacia un territorio mucho más visceral. Si Alcest expandía cada composición, los californianos se movieron hacia una dirección notablemente más abrasiva.

Shoegaze, black metal y post-rock convergieron en una masa sonora que osciló constantemente entre melodía, tensión y violencia. El repertorio se apoyó especialmente en material de Lonely People With Power. “Doberman”, “Magnolia” y “Revelator” mostraron diferentes matices de esta etapa reciente.

Más adelante llegó una pieza fundamental de su catálogo: “Dream House”, perteneciente a Sunbather. Finalmente, “Winona” cerró una actuación breve pero contundente. Sobre el escenario, Deafheaven trabajó menos desde el espectáculo visual y más desde la presión sonora. Las guitarras extensas y los cambios dinámicos dominaron buena parte de su presentación.

La interpretación física de George Clarke mantuvo el set en tensión permanente. Además, funcionó como puente entre la dimensión atmosférica de Alcest y el peso que estaba por llegar.

Mastodon: entre Marrow Deep y su legado

Cuando Mastodon tomó el escenario, la noche adquirió otra escala. La presentación en Montréal llegó apenas un mes después del lanzamiento de Marrow Deep, su primer álbum de estudio en cinco años.

Sin embargo, el concierto no se convirtió en una reproducción extensa del nuevo material. Mastodon buscó un equilibrio entre esta etapa y distintos momentos de su trayectoria. “Barbarians Blood” abrió el set antes de que “March of the Fire Ants” y “Crystal Skull” llevaran el recorrido hacia los primeros años del grupo. Después, “Black Tongue” y “Megalodon” mantuvieron ese movimiento entre épocas. El repertorio regresó a Marrow Deep con “In the Ruins” y “Your Ghost Again”.

A nivel visual, Mastodon reforzó varias transiciones mediante proyecciones audiovisuales sincronizadas con la presentación. Estas imágenes ampliaron el imaginario de las canciones sobre el escenario. Figuras, texturas y secuencias en movimiento acompañaron la iluminación durante buena parte del concierto. El fondo se convirtió así en una extensión de la música.

El corazón del concierto estuvo precisamente en ese diálogo entre épocas. “More Than I Could Chew” recuperó la densidad de Hushed and Grim. Poco después, “Mother Puncher” devolvió al MTELUS la crudeza de los primeros Mastodon. “Steambreather” abrió entonces otra transición dentro del repertorio. “Poisonous Weapons” y “Snakes for Dinner” pusieron nuevamente el foco sobre Marrow Deep. Ambas demostraron cómo el nuevo material puede convivir naturalmente con el catálogo anterior.

Un cierre entre clásicos

El tramo final concentró buena parte del peso histórico de la noche. “Curl of the Burl” abrió camino hacia “Oblivion” y la extensa “The Czar”. Esta última permitió que la vertiente progresiva de Mastodon respirara con mayor amplitud. Los cambios instrumentales y las transiciones encontraron aquí uno de sus puntos más sólidos.

Después llegaron “Sultan’s Curse” y “Colony of Birchmen”, manteniendo el pulso del concierto antes del cierre definitivo. “Blood and Thunder” quedó reservada para el final, una elección efectiva para cerrar el recorrido conectando el presente de Mastodon con una pieza esencial de su historia.

Una historia compartida con Montréal

En medio de la presentación, Mastodon expresó su aprecio por Montréal y recordó las numerosas visitas realizadas a la ciudad durante su trayectoria. La respuesta del público reforzó ese vínculo, construido a lo largo de más de dos décadas de conciertos y regresos constantes.

Con Marrow Deep integrado al repertorio y una producción audiovisual más inmersiva, la banda presentó una nueva etapa sin borrar su historia. Alcest y Deafheaven completaron una velada coherente, marcada por atmósferas contrastantes y distintas formas de entender el metal contemporáneo.

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Fotos: Alejandro Vazquez 

The Offspring llegó a Montreal con una propuesta alejada de la nostalgia noventera más predecible. El miércoles 5 de agosto, MTELUS recibió “Just the Punk Stuff”, un concierto centrado en canciones habitualmente relegadas en sus giras. Anunciado como un espectáculo especial e inédito, el concierto despertó una expectativa inmediata y agotó las entradas para la fecha. 

General Chaos: juventud punk con voz propia

General Chaos inició la noche creando un puente entre generaciones unidas por el punk. El cuarteto adolescente de Montreal llegó impulsado por Can’t Please ’Em All, su segundo álbum, publicado en mayo por Stomp Records. Su punk directo, compacto y sin adornos funcionó como una introducción efectiva. Además, escapó del papel decorativo reservado con frecuencia a las bandas teloneras.

Más allá de la edad de sus integrantes, el grupo mostró el oficio adquirido dentro del circuito independiente local. Sus canciones breves y su ejecución concentrada sostuvieron esa impresión. Ante material compuesto antes de que sus integrantes nacieran, General Chaos representó continuidad sin convertirla en nostalgia.

Thick Glasses: peso, melodía e identidad francófona

Thick Glasses amplió el espectro musical mediante guitarras más densas, cambios de dinámica y una identidad claramente francófona. El cuarteto montrealés cruza el punk y el hardcore con el emo, el shoegaze, el post-rock y el metal. Esa mezcla atraviesa Dans l’abysse, su segundo álbum, publicado en febrero de 2025.

Su presentación estiró la consigna sin romperla. “Solo punk” no significaba obedecer fórmulas cerradas ni ignorar sus múltiples ramificaciones. Thick Glasses aportó peso, melodía y tensión antes del acto principal. También recordó que la escena de Montreal nunca ha dependido de un único idioma ni de un solo sonido.

The Offspring desata su pasado más feroz 

The Offspring abrió con “Session” y “We Are One”, ambas pertenecientes a Ignition. El arranque eliminó cualquier duda: esa noche, el archivo mandaría sobre los sencillos. Desde los primeros compases, la sala respondió con movimiento constante y una atención distinta de la habitual en un concierto convencional.

Sin barricada ni foso de seguridad, la distancia entre la banda y el público prácticamente desapareció. The Offspring aprovechó esa cercanía para invitar a los asistentes a subir al escenario y lanzarse sobre la audiencia para hacer crowdsurfing. Los coros también acompañaron los cortes profundos, confirmando que el lleno respondía a algo más que la fama.

El set reunió 24 canciones durante aproximadamente 85 minutos, pero la cifra nunca eclipsó la intención de la selección. “Crossroads” regresó por primera vez desde 1990, según los registros disponibles. Su recepción convirtió aquel regreso histórico en un momento compartido, no en una curiosidad reservada para coleccionistas.

“A Thousand Days”, ausente desde 1991, generó una respuesta semejante y confirmó cuánto había esperado la audiencia volver a escuchar este material. En lugar de reservar el entusiasmo para los sencillos, la sala reconoció canciones que rara vez aparecen en una gira regular. Ese conocimiento colectivo sostuvo la premisa durante los pasajes menos inmediatos del concierto.

Musicalmente, la selección exigió precisión y pocas pausas. Dexter Holland sostuvo las melodías sobre guitarras rápidas, mientras Noodles recuperó riffs ausentes de la rutina habitual. El formato dejó menos espacio para bromas y fragmentos de versiones, recursos frecuentes en sus conciertos de arena. Aquí, el ritmo provenía del encadenamiento de las canciones.

La reacción cambió conforme avanzó el concierto. Los cortes menos habituales despertaron atención y complicidad; el tramo final liberó una respuesta más física. Esa progresión evitó que el repertorio pareciera una enumeración académica. Cada regreso adquirió sentido ante una sala preparada para celebrarlo.

Un cierre conocido sin traicionar la premisa

“Pay the Man” abrió el encore con un desarrollo más expansivo antes de que la banda acelerara definitivamente. “All I Want” desató el primer gran coro del cierre. “Staring at the Sun” mantuvo la velocidad, con el público respondiendo a cada cambio sin perder el impulso acumulado.

“The Kids Aren’t Alright” cerró el concierto y reunió las voces más fuertes de la noche. Su melodía convirtió MTELUS en un coro colectivo después de un repertorio deliberadamente exigente. Fue una recompensa reconocible, no un intento de compensar la ausencia de los grandes éxitos.

El público no acudió en busca del espectáculo habitual, y su respuesta confirmó que tampoco lo necesitaba. “Just the Punk Stuff” funcionó porque The Offspring demostró que su legado rebasa los sencillos que todavía dominan la radio. En Montreal, la banda abrió el archivo y permitió que las canciones menos transitadas recuperaran protagonismo. General Chaos y Thick Glasses reflejaron una escena local joven, pesada y todavía en movimiento. La noche propuso algo más interesante que un ejercicio de nostalgia. Presentó el punk como una conversación entre épocas, capaz de revisar su pasado sin dejar de avanzar.

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Como parte de su gira por Norteamérica, Lambrini Girls se presentaron en Théâtre Beanfield de Montréal, acompañadas por Big Girl.

Fotos: Alejandro Vazquez

El viernes 19 de junio de 2026, Théâtre Beanfield, en Montréal, se convirtió en un espacio de descarga punk con la llegada de Lambrini Girls. La fecha, originalmente programada para el 27 de abril, tuvo que ser reprogramada después de que Phoebe Lunny, vocalista y guitarrista del grupo, sufriera una fractura de cuello y una lesión cerebral durante un incidente en Australia.

Ese contexto le dio a la cita un peso distinto. No se trataba solo de una parada más dentro del tour, sino de un regreso al escenario después de una pausa forzada. La expectativa se sentía desde antes del inicio, con una audiencia lista para recibir a una de las propuestas más contundentes del punk británico actual.

Big Girl: actitud directa desde Nueva York para abrir la noche

La noche comenzó con Big Girl, agrupación encargada de preparar el terreno antes del estallido principal. Su presentación funcionó como una primera sacudida para el público: guitarras crudas, energía frontal y una actitud que conectó bien con el ambiente de la sala.

Big Girl apostó por un set directo, construido desde el volumen y la presencia escénica. La agrupación abrió la puerta a una velada donde el ruido, la distorsión y el movimiento serían el idioma común. Su actuación no solo cumplió con calentar el escenario, sino que ayudó a tensar el ambiente antes de la llegada de Lambrini Girls.

Lambrini Girls: ruido, rabia y punk sin filtro

Cuando Lambrini Girls tomaron el escenario, Théâtre Beanfield cambió de temperatura. El dúo de Brighton, Inglaterra, formado por Phoebe Lunny y Lilly Macieira-Boşgelmez, apareció con una fuerza que no buscaba agradar de forma cómoda, sino sacudir directamente al público.

Desde los primeros temas, la respuesta fue inmediata. Canciones como Company Culture, Bad Apple, Love, No Homo y Cuntology 101 funcionaron como detonadores de una descarga cada vez más intensa. Cada tema parecía empujar la sala hacia un punto más caótico, entre gritos, empujones y cuerpos girando en circle pits cada vez más grandes.

La fuerza del set también estuvo en la manera en que Lambrini Girls conectaron las canciones con el espíritu de su álbum Who Let the Dogs Out, un disco que consolidó al grupo como una de las voces más feroces del punk contemporáneo.

Uno de los momentos más fuertes fue la interacción constante con el público. Phoebe Lunny bajó del escenario en varias ocasiones para cantar entre la gente, romper la distancia con la sala y convertir el concierto en una experiencia mucho más colectiva. No fue una interacción simbólica ni una pose escénica: fue parte central del lenguaje de la banda.

A partir de ahí, Théâtre Beanfield se transformó en una zona de choque. Hubo circle pits, mosh pits y hasta un wall of death que dividió la sala antes de hacerla explotar en movimiento. La energía del público acompañó cada canción con una entrega total, mientras Lambrini Girls respondían con más volumen, tensión y confrontación.

El cierre llegó con Big Dick Energy, uno de los momentos más explosivos de la noche. La canción funcionó como una última descarga de ironía, rabia y humor ácido contra la masculinidad tóxica, llevando al público a una reacción final marcada por gritos, empujones y una sensación de caos compartido.

Una noche de punk como experiencia colectiva

Más allá del volumen y la confrontación, la noche dejó claro que Lambrini Girls entienden el punk como una experiencia colectiva. Sus canciones no solo se escuchan: se gritan, se empujan, se sudan y se comparten. En Théâtre Beanfield, esa energía convirtió la sala en una comunidad momentánea, intensa y caótica, donde cada cuerpo en movimiento formó parte del mismo estallido.

A continuación te dejamos la galería del concierto:

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Streetlight Manifiesto se presentó en Montreal, Quebec como parte de su tour “The Calm Before The Chaos 2022”.

Fotos: Angelica Rincón

La noche del pasado 26 de agosto, la banda estadounidense de ska punk, Streetlight Manifesto, se presentó en el L’Olympia Theatre en Montreal, Quebec como parte de su gira “The Calm Before The Chaos 2022”.

La banda canadiense de punk rock, Anti-Queens, fueron las encargadas de abrir el concierto. Posteriormente, Streetlight Manifesto subió al escenario para interpretar un set de 16 canciones.

A continuación te dejamos la galería del show:

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