La banda mexicana reúne siete canciones inspiradas en el sonido del punk rock y pop punk de los 2000, manteniendo una propuesta honesta y sin complicaciones.

Foto: instagram.com/shpunx_mx

Después de regresar a la actividad en 2025 con sus sencillos “Plan de vida”, “Ya no es por ti”, Sueños Húmedos continúa escribiendo un nuevo capítulo en su historia con el lanzamiento de “En tu ausencia”, un EP de siete canciones que recupera la esencia del punk rock melódico y el pop punk que marcó a toda una generación durante los años 2000.

Aunque para muchos podría parecer una banda nueva, la realidad es que Sueños Húmedos cuenta con una trayectoria que se remonta a 2005. Tras varios años alejados de los escenarios, el proyecto retomó actividades con la misma intención con la que comenzó: hacer canciones para pasarla bien, conectar con la gente y disfrutar del punk rock sin pretensiones.

Esa filosofía queda reflejada en “En tu ausencia”, un material que mezcla velocidad, melodía y letras inspiradas en recuerdos, relaciones y experiencias que han acompañado a la banda a lo largo de los años. Más que buscar reinventar el género, el grupo apuesta por hacer lo que mejor sabe hacer: canciones directas, pegajosas y fáciles de disfrutar.

Influenciados por nombres como Blink-182, Home Grown, Taller Para Niños, Elli Noise, y Allison, el cuarteto integrado por Marcko, Billy, Mike y Luis entrega un EP que se siente familiar para quienes crecieron escuchando pop punk y punk rock, pero que también puede conectar con nuevas generaciones que buscan descubrir propuestas dentro de la escena independiente mexicana.

El material también incluye una versión de “Gotas de lluvia”, el clásico compuesto por Jairo Varela y popularizado por Grupo Niche, llevándolo a un terreno más cercano al pop punk sin perder la esencia de la canción original.

Para quienes siguen buscando nuevas propuestas dentro de la escena nacional, “En tu ausencia” es un lanzamiento que vale la pena escuchar. Un material que combina melodía, velocidad y sentimiento, manteniendo vivo el espíritu del punk que marcó a toda una generación.

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Bayline lanzó “State Of Despair”, tema principal de su nuevo EP editado por White Russian Records, un material centrado en la ansiedad y la superación personal.

Foto: instagram.com/baylineband/

Bayline ha lanzado oficialmente “State Of Despair”, el tema principal de su nuevo EP del mismo nombre, ya disponible a través de White Russian Records. El lanzamiento llega después de una serie de sencillos que prepararon el terreno para este nuevo capítulo en la trayectoria de la agrupación.

La canción da nombre al EP y funciona como su punto culminante a nivel emocional. En ella, la banda aborda las consecuencias físicas y mentales de los ataques de pánico, así como la difícil decisión de romper con patrones destructivos para emprender un nuevo camino. A través de una combinación de intensidad instrumental y melodías cargadas de emoción, el tema refleja algunos de los momentos más vulnerables presentes en el nuevo material.

Con este lanzamiento, Bayline continúa desarrollando una propuesta que combina rock alternativo, punk rock y elementos de emo, manteniendo el equilibrio entre la energía de sus composiciones y letras centradas en experiencias personales. El EP profundiza en distintos estados emocionales, consolidando una narrativa que la banda comenzó a construir con sus sencillos previos.

Originarios de los Países Bajos, los integrantes de Bayline formaron el proyecto durante un periodo en el que gran parte de la actividad musical se encontraba detenida. Desde entonces, han encontrado en sus canciones una vía para canalizar emociones a través de un sonido definido por guitarras contundentes, melodías memorables y una interpretación directa.

 “State Of Despair” y el EP homónimo ya se encuentran disponibles en las principales plataformas de streaming.

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La agrupación de Portland inicia una nueva etapa con un sencillo que explora el final de una relación a través de melodías power-pop y una renovada dirección sonora.

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Combo Move ha estrenado “Red Eye”, su primer sencillo de 2026 y la primera muestra de lo que será su próximo álbum de estudio. Con este lanzamiento, la banda da inicio a una nueva etapa creativa que promete ampliar los alcances de su característico sonido entre el punk rock y el power-pop.

La canción utiliza la metáfora de los vuelos nocturnos para abordar los pensamientos y emociones que surgen tras el final de una relación. A través de una narrativa introspectiva, “Red Eye” reflexiona sobre la distancia, la pérdida y el proceso de aceptar que una historia ha llegado a su fin.

Musicalmente, el sencillo mantiene la esencia melódica que ha caracterizado a Combo Move, incorporando guitarras brillantes, ritmos dinámicos y una estructura accesible que refuerza el carácter emotivo de la composición. Al mismo tiempo, la banda señala que el tema representa una evolución en su propuesta y adelanta la dirección que tomará el material que llegará en los próximos meses.

Originarios de Portland, Oregón, Combo Move ha construido una identidad propia dentro de la escena independiente gracias a una mezcla de punk rock, power-pop y actitud DIY. El proyecto está encabezado por Jeddy James, quien se encarga de la voz, composición, guitarras y batería, consolidando una propuesta marcada por la energía y la espontaneidad.

Con “Red Eye”, la agrupación no solo presenta nueva música, sino también el comienzo de un nuevo capítulo creativo. Mientras prepara el lanzamiento de su próximo álbum, Combo Move continúa trabajando en más canciones que verán la luz próximamente.

“Red Eye” ya está disponible en las principales plataformas de streaming.

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Almost Home lanzó “Time Falls Down”, su primer sencillo de 2026, una canción de pop punk inspirada en el sonido clásico de bandas como blink-182.

Foto: instagram.com/almosthomemusic/

Almost Home ha estrenado “Time Falls Down”, su primer sencillo de 2026, una canción que apuesta por la esencia del pop punk a través de guitarras dinámicas, ritmos acelerados y un estribillo diseñado para quedarse en la memoria desde la primera escucha.

El tema recupera elementos característicos del sonido que popularizaron bandas como blink-182, combinando melodías directas y una producción enfocada en la energía y la inmediatez. Con una propuesta que también encuentra inspiración en proyectos como Box Car Racer, Sum 41 y Neck Deep, “Time Falls Down” representa una nueva muestra de la identidad sonora que Almost Home ha venido desarrollando en los últimos años.

Detrás del proyecto se encuentra Dennis Mihalatos, músico originario de Nueva York que ha convertido a Almost Home en un espacio para explorar su pasión por el pop punk, el emo y el punk rock. En esta ocasión, el sencillo cuenta con la participación de Pete Zen en las voces, aportando intensidad y carácter a una composición construida alrededor de la emoción y la energía propias del género.

Más allá de ser un proyecto musical, Almost Home funciona como una extensión creativa de Mihalatos, quien ha enfocado su trabajo en crear canciones que conecten con los oyentes a través de melodías memorables y una ejecución honesta.

Con el lanzamiento de “Time Falls Down”, Almost Home abre oficialmente su actividad de 2026 mientras continúa trabajando en nueva música que será presentada durante los próximos meses.

“Time Falls Down” ya está disponible en las principales plataformas de streaming.

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La agrupación radicada en Hong Kong presenta su primer lanzamiento oficial, una carta de presentación que combina intensidad, caos controlado y la energía de la nueva ola del post-punk británico.

Foto: instagram.com/houseplants_the_band/

HOUSEPLANTS ha estrenado “Alive”, su primer sencillo oficial y una muestra de la propuesta sonora con la que busca abrirse camino dentro de la escena internacional del post-punk y el noise rock.

La canción sirve como introducción al universo creativo de la banda, apostando por una combinación de riffs abrasivos, ritmos frenéticos y una ejecución que mantiene la intensidad de principio a fin. Con una producción directa y una actitud desafiante, “Alive” refleja la energía que el grupo ha convertido en una de sus principales señas de identidad.

Establecidos en Hong Kong, aunque integrados por músicos originarios de distintas regiones del Reino Unido, HOUSEPLANTS nació de la fusión entre sus raíces británicas y la intensidad de la ciudad asiática que ahora consideran su hogar creativo. El resultado es un sonido que toma inspiración de la nueva generación del post-punk británico, pero que evita caer en los lugares comunes más oscuros del género para apostar por canciones dinámicas, impredecibles y cargadas de energía.

Al frente del proyecto se encuentra Alex Poole, cuya combinación de voces agresivas y letras afiladas marca el carácter de la banda. A su lado, Keelan Green aporta una batería intensa y cambiante, mientras que George Silver utiliza un particular sistema basado en un Bass VI para construir un muro sonoro que combina líneas de bajo contundentes con guitarras distorsionadas.

Influenciados por agrupaciones como IDLES, Viagra Boys, SOFT PLAY y The Hives, los integrantes de HOUSEPLANTS han desarrollado una propuesta que busca destacar tanto por su potencia en estudio como por la energía de sus presentaciones en vivo.

 “Alive” ya se encuentra disponible en las principales plataformas de streaming:

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La banda sueca presenta el primer adelanto de su próximo álbum con una explosiva mezcla de post-punk, hardcore y hard rock acompañada de una crítica social cargada de ironía.

Foto: instagram.com/haerdsmaelta/

HAERDSMAELTA ha estrenado “Enjoy The Feast”, el primer sencillo de su próximo álbum “HAERDROCK”, marcando además el inicio de una nueva etapa tras su reciente incorporación al sello Icons Creating Evil Art.

La canción funciona como una declaración de intenciones para el nuevo capítulo de la agrupación. Construida sobre riffs contundentes, ritmos mecánicos y una atmósfera de tensión permanente, “Enjoy The Feast” combina elementos de post-punk, hardcore y hard rock para desarrollar una narrativa inspirada en el deterioro social, la manipulación del poder y la indiferencia colectiva frente a los problemas actuales.

Según la banda, el tema parte de la idea de que la racionalidad individual resulta insuficiente frente a sistemas que se sostienen mediante promesas vacías y distracciones constantes. A través de una sátira política cargada de imágenes apocalípticas, la canción plantea una reflexión sobre la hipocresía, el consumo y la facilidad con la que las sociedades aceptan determinadas narrativas mientras ignoran las consecuencias que las rodean.

Desde su formación en 2015, HAERDSMAELTA ha desarrollado una identidad propia dentro de la escena underground sueca gracias a una propuesta que fusiona hardcore, ruido industrial, punk y humor negro. A lo largo de su trayectoria, el grupo ha publicado trabajos como “Atom Heart Mother Fuckers”, “The Whiter Album”, “Gone In Gray”, “All Alone In The Danger Zone” y “Ground Zero One Eight”, construyendo una sólida base de seguidores atraídos por su enfoque poco convencional.

El lanzamiento también representa el comienzo de una colaboración creativa con Icons Creating Evil Art, sello con el que la banda ha desarrollado una nueva línea visual que acompañará la llegada de “HAERDROCK” durante los próximos meses.

Con influencias que pueden recordar a propuestas como Motörhead, Viagra Boys e IDLES, HAERDSMAELTA continúa expandiendo su universo sonoro y conceptual mientras prepara el lanzamiento de su próximo álbum.

“Enjoy The Feast” ya está disponible en las principales plataformas de streaming.

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La banda británica presenta su propuesta con un tema que combina post-hardcore, metal y una mirada directa a problemáticas políticas y sociales actuales.

Foto: instagram.com/Mercersband

Mercers. ha lanzado “Cleanse/Repeat”, su sencillo debut que presenta la propuesta sonora de la agrupación a través de una mezcla de riffs agresivos, atmósferas densas y una marcada carga temática. Publicada recientemente, la canción ya ha comenzado a generar una respuesta positiva entre los oyentes y forma parte de la promoción de su próximo EP.

Desde sus primeros segundos, “Cleanse/Repeat” apuesta por la intensidad. El tema combina guitarras rápidas y pesadas con voces abrasivas que desembocan en estribillos memorables, creando un contraste constante entre agresividad y melodía. La composición también incorpora cambios dinámicos que conducen a secciones más expansivas antes de cerrar con un desenlace caótico y contundente.

En el apartado lírico, la canción aborda temas sociopolíticos relacionados con las democracias occidentales y los conflictos bélicos en Oriente Medio. Más que ofrecer respuestas, Mercers. plantea una reflexión crítica sobre el contexto actual, utilizando la música como vehículo para transmitir inquietud y cuestionamiento.

Formados en 2025 en Sussex, Inglaterra, Mercers. representa una nueva etapa para los músicos Olly James y Phil Bashford, antiguos integrantes de la agrupación Fony. Junto al baterista Richard Titheradge y el guitarrista Simon Glover, el proyecto ha encontrado una identidad propia que combina la experiencia acumulada de sus integrantes con una visión renovada enfocada en la emoción, la atmósfera y la honestidad compositiva.

Influenciados por nombres como Glassjaw, Every Time I Die y Deftones, los británicos continúan desarrollando un sonido que equilibra contundencia y profundidad emocional, mientras avanzan hacia el lanzamiento de nuevo material.

“Cleanse/Repeat” ya se encuentra disponible en las principales plataformas de streaming.

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La banda alemana de punk rock melódico comparte uno de los temas destacados de su primer álbum de estudio, una producción de 13 canciones creada bajo una filosofía completamente DIY.

Foto: instagram.com/thewrongmeds

The Wrong Meds han dado un paso importante en su trayectoria con el lanzamiento de “Ring the Alarm”, su álbum debut de larga duración. Como parte de esta nueva etapa, la agrupación presenta “Fearless”, uno de los temas que integran el disco y que refleja la esencia de una banda construida sobre la independencia creativa y el amor por el punk rock melódico.

El álbum está compuesto por 13 canciones escritas, grabadas y producidas por la propia banda, manteniendo una filosofía DIY que ha acompañado al proyecto desde sus inicios. La agrupación señaló que, pese a no contar con el respaldo de un sello discográfico, decidió publicar el material tras varios años de trabajo y con nuevas composiciones ya preparadas para futuros lanzamientos.

Originarios de Saarbrücken, Alemania, The Wrong Meds están formados por Heiko (voz), Daniel (guitarra), Nico (guitarra), Stiff (bajo) y Vincenzo (batería). Desde su formación alrededor de 2017 y con su alineación actual consolidada en 2023, el grupo ha desarrollado una propuesta basada en melodías pegadizas, energía punk y letras en inglés y alemán que abordan temas personales, sociales y situaciones cotidianas con un toque de humor.

A lo largo de los años, la banda ha compartido escenario con agrupaciones como Not Scientists, Steakknife, Skin of Tears y Down Yer Pint, fortaleciendo su presencia dentro de la escena independiente europea.

“Fearless” y el álbum “Ring the Alarm” ya se encuentran disponibles en las principales plataformas de streaming.

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La agrupación australiana completa el lanzamiento de su nuevo EP con una colección de canciones marcada por la intensidad emocional, la agresividad sonora y una historia desarrollada durante más de tres años.

Foto: instagram.com/same.pains/

SAME PAINS ha lanzado “shoulder”, el sencillo que acompaña la llegada de su nuevo EP “five flowers”, material que ya se encuentra disponible en plataformas digitales tras una serie de adelantos publicados durante los últimos meses.

La canción funciona como el último sencillo promocional de un trabajo que comenzó a tomar forma en 2023, poco después de que la banda concluyera las sesiones de grabación de “closure – an aggregate”. Desde entonces, el proyecto atravesó diversos cambios personales y creativos que terminaron dando forma a un EP profundamente significativo para sus integrantes.

Según la propia banda, “five flowers” representa el resultado de un proceso largo y desafiante, pero también una muestra del vínculo que mantienen entre ellos y con quienes han seguido su trayectoria desde sus primeros lanzamientos.

Musicalmente, “shoulder” refleja la identidad que ha convertido a SAME PAINS en una de las propuestas emergentes más interesantes de la escena pesada australiana. La canción combina riffs agresivos, estructuras caóticas y una carga emocional constante, elementos que también están presentes a lo largo de los temas que conforman el EP.

Formado por músicos de la región de Queensland, Australia, SAME PAINS nació con la intención de recuperar la intensidad y el espíritu de la escena local a través de una propuesta influenciada por el metalcore de principios de los años 2000. Su sonido encuentra puntos de conexión con bandas como Underoath, Norma Jean y Every Time I Die, apostando por una mezcla de ruido, agresión y emoción sin concesiones.

 “shoulder” y el EP “five flowers” ya están disponibles en las principales plataformas de streaming.

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Como parte de su gira por Norteamérica, Lambrini Girls se presentaron en Théâtre Beanfield de Montréal, acompañadas por Big Girl.

Fotos: Alejandro Vazquez

El viernes 19 de junio de 2026, Théâtre Beanfield, en Montréal, se convirtió en un espacio de descarga punk con la llegada de Lambrini Girls. La fecha, originalmente programada para el 27 de abril, tuvo que ser reprogramada después de que Phoebe Lunny, vocalista y guitarrista del grupo, sufriera una fractura de cuello y una lesión cerebral durante un incidente en Australia.

Ese contexto le dio a la cita un peso distinto. No se trataba solo de una parada más dentro del tour, sino de un regreso al escenario después de una pausa forzada. La expectativa se sentía desde antes del inicio, con una audiencia lista para recibir a una de las propuestas más contundentes del punk británico actual.

Big Girl: actitud directa desde Nueva York para abrir la noche

La noche comenzó con Big Girl, agrupación encargada de preparar el terreno antes del estallido principal. Su presentación funcionó como una primera sacudida para el público: guitarras crudas, energía frontal y una actitud que conectó bien con el ambiente de la sala.

Big Girl apostó por un set directo, construido desde el volumen y la presencia escénica. La agrupación abrió la puerta a una velada donde el ruido, la distorsión y el movimiento serían el idioma común. Su actuación no solo cumplió con calentar el escenario, sino que ayudó a tensar el ambiente antes de la llegada de Lambrini Girls.

Lambrini Girls: ruido, rabia y punk sin filtro

Cuando Lambrini Girls tomaron el escenario, Théâtre Beanfield cambió de temperatura. El dúo de Brighton, Inglaterra, formado por Phoebe Lunny y Lilly Macieira-Boşgelmez, apareció con una fuerza que no buscaba agradar de forma cómoda, sino sacudir directamente al público.

Desde los primeros temas, la respuesta fue inmediata. Canciones como Company Culture, Bad Apple, Love, No Homo y Cuntology 101 funcionaron como detonadores de una descarga cada vez más intensa. Cada tema parecía empujar la sala hacia un punto más caótico, entre gritos, empujones y cuerpos girando en circle pits cada vez más grandes.

La fuerza del set también estuvo en la manera en que Lambrini Girls conectaron las canciones con el espíritu de su álbum Who Let the Dogs Out, un disco que consolidó al grupo como una de las voces más feroces del punk contemporáneo.

Uno de los momentos más fuertes fue la interacción constante con el público. Phoebe Lunny bajó del escenario en varias ocasiones para cantar entre la gente, romper la distancia con la sala y convertir el concierto en una experiencia mucho más colectiva. No fue una interacción simbólica ni una pose escénica: fue parte central del lenguaje de la banda.

A partir de ahí, Théâtre Beanfield se transformó en una zona de choque. Hubo circle pits, mosh pits y hasta un wall of death que dividió la sala antes de hacerla explotar en movimiento. La energía del público acompañó cada canción con una entrega total, mientras Lambrini Girls respondían con más volumen, tensión y confrontación.

El cierre llegó con Big Dick Energy, uno de los momentos más explosivos de la noche. La canción funcionó como una última descarga de ironía, rabia y humor ácido contra la masculinidad tóxica, llevando al público a una reacción final marcada por gritos, empujones y una sensación de caos compartido.

Una noche de punk como experiencia colectiva

Más allá del volumen y la confrontación, la noche dejó claro que Lambrini Girls entienden el punk como una experiencia colectiva. Sus canciones no solo se escuchan: se gritan, se empujan, se sudan y se comparten. En Théâtre Beanfield, esa energía convirtió la sala en una comunidad momentánea, intensa y caótica, donde cada cuerpo en movimiento formó parte del mismo estallido.

A continuación te dejamos la galería del concierto:

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