Seven Blood lanza “Kill Switch”, un nuevo tema contra los prejuicios y las relaciones tóxicas, acompañado por “Hourglass” y “No Breakout”.

Foto: instagram.com/wearesevenblood

Seven Blood presentó “Kill Switch”, un nuevo lanzamiento que aborda la independencia femenina, la salud mental y la rabia que puede dejar una relación tóxica. La canción llegó el 23 de octubre como parte de un lanzamiento digital de tres temas.

Además de “Kill Switch”, el material incluye “Hourglass” y “No Breakout”. El trío de canciones mantiene una base de rock y metal alternativo, con riffs pesados, tensión atmosférica y elementos cercanos al metalcore.

Formada en Berlín por la vocalista Azaria Nasiri, el guitarrista Oli Arnold, el baterista Anfy Hartmann y la bajista Josi Hille, Seven Blood nació como un espacio para transformar experiencias personales en canciones directas. El grupo debutó en 2023 con “Killing From The Inside” y desde entonces ha compartido escenario con bandas como Underoath, Future Palace, Ankor, Kittie y Holy Wars.

Tras publicar su álbum debut “Life Is Just a Phase” en 2025 y realizar una gira europea junto a Lastelle, Seven Blood continúa trabajando en nueva música.

“Kill Switch” ya se encuentra disponible en las principales plataformas digitales.

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I Don’t Speak French presenta “Participation Award”, tema incluido en su álbum de 13 canciones “Pastel Propaganda”, entre punk, pop e indie rock, proveniente de Suecia.

Foto: instagram.com/idsfband/

La banda sueca I Don’t Speak French compartió “Participation Award”, uno de los temas de su nuevo álbum, “Pastel Propaganda”, disponible ya en plataformas digitales. El material reúne 13 canciones y reafirma la inclinación del proyecto por mezclar distintos estilos sin mantenerse en una sola fórmula.

Detrás de I Don’t Speak French se encuentra el multiinstrumentista Håkan Persson, quien también produjo y mezcló el álbum. Louise Lindenger participó como coproductora, mientras que Gustav Brunn estuvo a cargo de la masterización.

La propuesta del grupo cruza punk, pop, indie rock, psicodelia y elementos de samba. Sus canciones transitan entre temas como la salud mental, la nostalgia por la infancia y comentarios políticos, siempre con una base melódica pensada para mantenerse en movimiento. Esa mezcla ha llevado su música a aparecer en series de televisión y campañas publicitarias.

Con “Participation Award”, I Don’t Speak French suma un nuevo corte a la presentación de “Pastel Propaganda”, un disco que mantiene el carácter cambiante y amplio de la banda.

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El dúo finlandés recupera “Stay Beautiful (Demastered)”, una canción de horror punk escrita hace casi dos décadas y fiel al sonido lo-fi.

DISAPPOINTMENT#1 lanzó “Stay Beautiful (Demastered)”, una canción rescatada de los archivos del dúo finlandés que fue escrita originalmente para el guion de una película de serie B. Con una duración breve y una producción deliberadamente cruda, la canción retoma una historia de pesadilla adolescente entre el rock and roll clásico y el horror punk.

El tema conserva la configuración minimalista de la banda: dos músicos, sin bajo y sin pulir sus imperfecciones. Esa decisión responde al carácter lo-fi de DISAPPOINTMENT#1, cuya propuesta ha transitado entre el punk, el rockabilly, el country y el garage rock. La letra y la atmósfera remiten a un baile de graduación que nunca ocurrió, con una estética cercana a Buddy Holly y Misfits.

La trayectoria de DISAPPOINTMENT#1 también incluye uno de los episodios más particulares del rock finlandés: en 2014 grabaron el álbum en vivo “Live at Angel’s Ladies” dentro de un burdel en funcionamiento de Nevada. Aquella experiencia, derivada de su canción “Desert Siren”, forma parte del libro y documental “The Cathouse Cowboys from Finland”, centrado en el recorrido de ambos músicos por Estados Unidos.

“Stay Beautiful (Demastered)” ya está disponible en las principales plataformas digitales.

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SP’s adelanta su álbum debut “Dating at the End of the World” con “We’re Werewolves Not Swearwolves”, un corte de horror punk de 46 segundos que llegará en marzo de 2027.

La banda angelina SP’s estrenó “We’re Werewolves Not Swearwolves”, nuevo adelanto de su álbum debut, “Dating at the End of the World”, programado para el 26 de marzo de 2027 a través de Baby Robot Records.

Con apenas 46 segundos de duración, el tema es el más corto y acelerado del disco. Inspirado parcialmente en la película “What We Do in the Shadows”, combina horror punk, guitarras urgentes y un humor oscuro que remite a la velocidad de Minutemen, Dead Kennedys y Misfits. La canción nació al final de un ensayo, cuando la banda aprovechó los últimos minutos disponibles para registrar una idea directa y sin adornos.

El lanzamiento también cuenta con un video dirigido por Aviv Rubinstein y editado por Rick Chapman, integrantes de la banda angelina Jacob the Horse. En él, los músicos se convierten en hombres lobo, aunque lejos de una transformación sangrienta, pasan de ensayar en un local a asumir el papel de burócratas obsesionados con puros y dinero.

Integrado por Steve Albertson, Steve LaBate, James Holland y Allen Kronenberger, SP’s prepara un álbum que aborda el desamor, las tensiones políticas y la confusión de las relaciones actuales desde un sonido que cruza punk, garage, psicodelia y power pop.

“We’re Werewolves Not Swearwolves” se suma a los sencillos previos “Ripper”, “Nekrogeddon” y “Spirit World”.

Escucha  a continuación el nuevo sencillo de  SP’s:

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La banda canadiense de sludge punk presenta el último sencillo previo a la llegada de su primer larga duración, programado para el 4 de diciembre.

Daggered lanzó “Fresh Water”, último adelanto de su álbum debut, “An Offering”. El disco llegará el 4 de diciembre de 2026 a través de zBTFD Records.

El sencillo ya está disponible en plataformas digitales y continúa la serie de lanzamientos con la que el grupo de Cranbrook, British Columbia, ha presentado su sonido desde 2025, cuando publicó sus primeros tres temas.

Daggered se define como una banda de sludge punk. Su propuesta parte de guitarras pesadas, ritmos densos y una actitud directa, dentro de un formato que conecta el punk con el peso del sludge.

Con “Fresh Water”, el proyecto cierra la etapa de sencillos antes de presentar “An Offering”, su primer álbum completo.

Escucha  a continuación el nuevo sencillo de Daggered:

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El sencillo abre la etapa de “DIVINE”, el próximo álbum de la banda de Atlanta, previsto para 2027 a través de LIFE OR DEATH.

Foto: instagram.com/colettamusic

Coletta lanzó “Meow Wolf”, primer adelanto de su próximo álbum “DIVINE”. La canción llegó el 30 de octubre y marca el inicio de la campaña para el nuevo material de la banda estadounidense.

“DIVINE” será el primer álbum de larga duración de Coletta desde “Idealism”, publicado el 27 de noviembre de 2020. Aunque el grupo se mantuvo activo con sencillos durante los últimos años, el disco representa el regreso a un formato completo después de casi seis años.

Formada en Atlanta en 2017, Coletta mezcla pop rock, R&B y psicodelia. La alineación actual está integrada por Dylan Alexander en voz y guitarra, Jonathan Moss en guitarra líder, Ryan Buck en bajo y Asaf Frias en batería.

Antes de su primer álbum, la agrupación lanzó de manera independiente el EP “Mind & Time” en 2018 y posteriormente firmó con We Are Triumphant. En 2025 presentó “Blossom v2.0”, una de las publicaciones que anticiparon esta nueva etapa.

La banda también llevará “Meow Wolf” a los escenarios durante su gira junto a WOLF & BEAR. Para 2027, Coletta prepara más música, videos, preventas y ediciones físicas de “DIVINE”.

Escucha  a continuación el nuevo sencillo de Coletta:

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La grabación en vivo recupera la energía de la banda entre hardcore punk, funk, hip hop y soul, con un mensaje que confronta el nihilismo.

Fotos: instagram.com/rebelmaticnyc/

REBELMATIC lanzó “Rebelmatic Alive on Arrival (Live)”, una nueva versión en directo de “A.O.A. (Alive on Arrival)”, registrada en Main Drag, Brooklyn. El lanzamiento forma parte de “DCxPC Live Vol. 50: Rebelmatic Live at Main Drag”.

La canción transforma la frase “dead on arrival” en una declaración de vida. Para Creature, vocalista de la banda, cantar una canción de forma colectiva puede convertirla en una oración. Desde esa idea, el tema plantea una respuesta al nihilismo presente en la música pesada y reivindica la alegría negra, Nueva York y una actitud mental positiva.

La grabación conserva la intensidad de los conciertos de REBELMATIC, donde convergen hardcore punk, funk, hip hop y soul. Su propuesta vincula la urgencia y conciencia social del punk con referentes como James Brown, dentro de una lectura directa de la experiencia neoyorquina.

La agrupación ha formado parte de una escena hardcore de Brooklyn integrada por músicos de comunidades racializadas. Entre quienes han respaldado su trabajo se encuentran HR de Bad Brains y Angelo Moore de Fishbone.

REBELMATIC también prepara “Ghost In The Shadows”, un álbum de diez canciones sobre libertad, justicia, igualdad, trauma y la búsqueda de luz en momentos difíciles. El material será el primer lanzamiento del sello Red Right Recordings.

Escucha  a continuación la versión en vivo de “Rebelmatic Alive on Arrival”:

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La banda de Los Ángeles presenta un sencillo de grunge y post-hardcore con Ben Koller, integrante de Converge, en la batería.

Foto: instagram.com/anti_spirit

Anti-Spirit lanzó “Cut Me Out”, primer adelanto de su próximo EP, “SICK TALK”, previsto para inicios de 2027. La canción ya está disponible en las principales plataformas digitales.

El tema cuenta con la participación de Ben Koller, baterista de Converge, Mutoid Man y High on Fire. La producción estuvo a cargo de Gabe Van, músico vinculado a Youth Code y Failure.

“Cut Me Out” parte de versos tensos, construidos con retroalimentación de guitarras y percusiones caóticas, antes de abrir paso a un coro de voz áspera y ritmo marcado. La banda une referencias del grunge de los noventa con post-hardcore y punk de alta intensidad.

Liderado por Alex Pulisci, también integrante de Bad Looks y At Our Heels, Anti-Spirit desarrolla una propuesta que retoma el rock alternativo de los años noventa sin abandonar la energía del hardcore. Entre sus referencias aparecen Nirvana, Scowl, Local H, Turnstile, Alice In Chains, Angel Du$t y Fiddlehead.

El EP “SICK TALK” contará con otros dos sencillos antes de su lanzamiento. Escucha  a continuación el nuevo sencillo de Anti-Spirit: 

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Sleeping With Sirens regresó al MTELUS de Montréal con An Ending in Itself Tour, junto a Shyeye y Rain City Drive, en una noche de post-hardcore.

Fotos: Alejandro Vázquez 

Sleeping With Sirens regresó a Montréal con una propuesta que une el impulso de sus primeros discos con las canciones de su presente. El viernes 30 de octubre, MTELUS recibió al grupo estadounidense como parte del An Ending in Itself Tour, acompañado por Shyeye y Rain City Drive. Tres presentaciones enlazaron distintas facetas del rock alternativo y el post-hardcore, desde sus melodías más íntimas hasta los pasajes de guitarras contundentes.

La visita coincidió con el lanzamiento de An Ending in Itself, octavo álbum de estudio de Sleeping With Sirens, publicado en junio de 2026. Producido por Will Yip, el disco recupera elementos de su sonido característico y los combina con una escritura más madura. Esa convivencia entre épocas terminó marcando el recorrido musical de la velada.

Shyeye: melodías y distorsión para abrir la noche

Shyeye inició la jornada con una mezcla de emoy post-hardcore que remite al cambio de milenio. El proyecto encabezado por Destiny Keller, artista radicada en Nashville, construye su identidad alrededor del contraste entre pasajes melódicos y guitarras de mayor peso. Su propuesta enlaza sensibilidad y fuerza, dos recursos que también atraviesan a las bandas con las que compartió el escenario.

La presentación ofreció una introducción atractiva al espíritu del cartel. La voz y la instrumentación encontraron espacio para mostrar matices, mientras las composiciones aportaron una perspectiva contemporánea a influencias reconocibles. Shyeye abrió así un recorrido por varias generaciones del género y dejó una impresión marcada por su personalidad musical.

Rain City Drive: intensidad y sensibilidad en equilibrio 

Rain City Drive tomó el relevo con una interpretación centrada en el equilibrio entre melodía y contundencia. Encabezada por Matt McAndrew, la banda ha desarrollado una propuesta donde el rock alternativo convive con la sensibilidad del post-hardcore. Su sonido destaca por las guitarras definidas, una base rítmica firme y estribillos que ocupan el centro de cada composición.

“Frozen” y “Concrete Closure”, incluidas en Things Are Different Now (2024), representaron esa faceta de su repertorio. También aparecieron “Slither”, “Talk to a Friend”, “Prayers” y “Wish You the Best”, además de “Heavier” y “Medicate Me”. La selección permitió escuchar cómo el grupo conecta sus canciones más recientes con una identidad desarrollada a lo largo de varios lanzamientos.

McAndrew aportó expresividad a cada tema, alternando líneas vocales delicadas con momentos de mayor alcance. La instrumentación acompañó esos cambios con naturalidad. Rain City Drive construyó un segundo capítulo lleno de melodías memorables y dejó preparado el terreno para el grupo principal.

Sleeping With Sirens: un recorrido entre generaciones

Sleeping With Sirens comenzó su actuación con “Kick Me”, una elección que situó de inmediato el concierto en su faceta más enérgica. “Leave It All Behind” mantuvo el pulso antes de dar paso a “An Ending in Itself” y “Forever/Always”, dos canciones del álbum que da nombre a la gira. La secuencia presentó en pocos minutos las distintas etapas de su trayectoria.

Al frente, Kellin Quinn volvió a mostrar la versatilidad de una voz fundamental para el sonido de la banda. Su registro agudo, las transiciones melódicas y la expresividad de sus interpretaciones aportaron continuidad a un repertorio que recorre más de quince años. A su alrededor, las guitarras y la sección rítmica dieron cuerpo a cada cambio de dinámica.

En MTELUS, el paso entre canciones veloces y momentos más melódicos aportó variedad al espectáculo y permitió apreciar cómo el grupo ha ampliado sus recursos musicales con los años.

Los primeros discos tuvieron una presencia destacada. “The Bomb Dot Com V2.0” recuperó la esencia de With Ears to See and Eyes to Hear, mientras “A Trophy Father’s Trophy Son” y “Do It Now Remember It Later” remitieron a Let’s Cheers to This. “Better Off Dead” y “Go Go Go”, por su parte, recordaron la etapa de Madness.

La selección también incluyó “Free Now”, “Bloody Knuckles”, “Crosses” y “House of Matches”, reflejando la amplitud del catálogo. Entre las novedades sobresalió “I’m Coming Home (Big Gulps)”, reinterpretación acústica de una composición de sus inicios que adquirió nueva vida en 2026. Cada canción aportó una textura diferente sin perder el sello reconocible del grupo.

Para el final quedaron “If I’m James Dean, You’re Audrey Hepburn” y “If You Can’t Hang”, dos temas esenciales en la historia de Sleeping With Sirens. El cierre reunió el carácter emotivo y el impulso melódico que han acompañado al quinteto desde sus primeros años.

En Montréal, Sleeping With Sirens presentó un concierto construido alrededor de la continuidad: canciones nuevas que dialogan con clásicos y una identidad capaz de atravesar distintas generaciones. Junto a Shyeye y Rain City Drive, el grupo convirtió MTELUS en un encuentro entre la memoria del post-hardcore y su evolución actual.

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Fotos: Alejandro Vazquez 

Ando San: el groove abre la noche

El guitarrista y productor estadounidense Ando San, originario del valle de San Fernando, en California, abrió la jornada con una propuesta que invitaba a seguir tanto las frases de guitarra como su movimiento rítmico. Las melodías y los cambios de acento ofrecieron una muestra del trabajo rítmico que atravesaría parte del cartel. Además, su música combina la guitarra progresiva con ritmos e influencias del hip-hop, una mezcla que aportó variedad al cartel y dio personalidad al comienzo de la velada.

El detalle de las guitarras convivía con un groove que ayudaba a encontrar el pulso entre sus variaciones. Así, fue una presentación que permitió acercarse a la música desde la curiosidad, seguir sus recorridos y disfrutar de cómo cada sección se enlazaba con la siguiente.

Greyhaven: melodía y carácter

A continuación, Greyhaven, banda estadounidense originaria de Louisville, en Kentucky, tomó el relevo con un post-hardcore que sumó peso y expresividad al escenario. Los riffs encontraron su complemento en las aperturas melódicas, mientras la interpretación vocal acompañaba los matices de las canciones. El repertorio también incluyó “The Welcome Party”, “Echo and Dust, Pt. I” y “Cemetery Sun”, una selección que mostró distintas facetas de su propuesta.

La agrupación sostuvo el impulso de su presentación con esos cambios de intensidad. Había espacio para reconocer una melodía, dejarse llevar por ella y volver a entrar en el siguiente riff. Su lugar en el cartel permitió apreciar una manera distinta de trabajar el vínculo entre precisión instrumental y respuesta física.

Ne Obliviscaris: una sala lista para remar

Después, con Ne Obliviscaris, banda australiana originaria de Melbourne, las canciones adquirieron otra amplitud. “Intra Venus”, “Suspyre” y “And Plague Flowers the Kaleidoscope” formaron parte de su presentación. El violín, las guitarras y el encuentro entre voces limpias y guturales dieron forma a una propuesta donde cada desarrollo abría nuevas posibilidades. Sus composiciones invitan a recorrer distintos estados. La audiencia se sumó a ese viaje y protagonizó una de las escenas más festivas de la velada.

En un momento de la presentación, parte del público se sentó en el suelo y comenzó a remar. Mientras tanto, los brazos avanzaban juntos, como los de una tripulación vikinga, siguiendo el ritmo de la música. La escena tenía la alegría de un juego compartido y encajaba con el alcance épico de la propuesta.

Ese gesto dio un acento festivo a la presentación y mostró otra manera de disfrutar sus composiciones. Entre los desarrollos instrumentales y los remos imaginarios, Ne Obliviscaris encontró una audiencia que escuchaba con atención y también se animaba a ponerle su coreografía al concierto.

Periphery: riffs que ponen a girar MTELUS

Finalmente, la banda estadounidense Periphery, formada en Washington D. C., tomó el escenario con la sala preparada para el cierre. Su presentación reunió las cualidades que han dado identidad al grupo: guitarras de acentos cambiantes, una batería que articula cada giro y líneas vocales capaces de llevar las canciones hacia registros melódicos y secciones de mayor potencia.

El repertorio incluyó “Scarlet”, “Wildfire” y “Reptile”, además de “Heaven on High” y “Everyone Dies Alone”. Por su parte, el groove, los desarrollos progresivos y las melodías ofrecieron distintas puertas de entrada a una música que conecta con la audiencia desde el detalle y el cuerpo.

En MTELUS, esa conexión se expresó en los circle pits y el mosh. El centro de la sala se abría para dejar correr a quienes entraban al círculo; alrededor, otros asistentes acompañaban los riffs con la cabeza y el cuerpo. Los cambios de ritmo encontraban una respuesta en el piso y mantenían el intercambio con el escenario.

La participación del público dio al cierre una dimensión colectiva. Periphery sostuvo el impulso musical y los asistentes encontraron su lugar dentro de él, siguiendo las variaciones y celebrando las secciones más contundentes.

En conjunto, el groove de Ando San, el post-hardcore de Greyhaven, el metal progresivo de Ne Obliviscaris y el cierre de Periphery dieron forma a una noche de música con distintos acentos. La respuesta del público unió las cuatro presentaciones: siguió los riffs, celebró las melodías, abrió los circle pits y hasta se sentó a remar.

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