El Foro Indie Rocks se convirtió en el escenario perfecto para presenciar la graduación de Blnko en el punk rock en una noche épica.
Fotos: Giovanni Barajas
El pasado 10 de junio, el Foro Indie Rocks de la colonia Roma en Ciudad de México fue testigo de una experiencia musical única y enérgica con el sold out de Blnko, quien ha tomado relevancia en la escena musical en meses recientes y dejando atrás la etiqueta de “emergente”. En un concierto que duró un poco más de dos horas, Blnko y su Tamagotchi Muerto, como se hace llamar su banda, demostraron su versatilidad y talento en el escenario.
Antes de que Blnko subiera al escenario, el público tuvo el privilegio de disfrutar de la actuación de Miki, un prometedor proyecto que continua en ascenso, y de la banda estadounidense Love Ghost, originaria de Los Ángeles, California. Estos talentosos músicos fueron los encargados de abrir el concierto, y con su energía y talento lograron calentar los ánimos de la audiencia que llenó el recinto, haciendo honor a las entradas agotadas desde hace dos meses.
El concierto se llevó a cabo bajo la temática de una graduación de 2006 con disfraces, lo que añadió un toque divertido y nostálgico a la noche, que casi parecía una “noche emo” llena de público nuevo llegando al género. Hubo incluso un concurso de disfraces, donde los asistentes se sumaron a la atmósfera festiva vistiendo trajes que recordaban a esa época.
El público que asistió al concierto era notablemente nuevo en la escena musical del punk rock o pop punk. Algunos de ellos eran tan jóvenes que incluso acudieron acompañados de sus padres, lo que demuestra la capacidad de Blnko para atraer a una audiencia diversa y de diferentes generaciones.
El concierto fue sold out desde dos meses antes de la fecha, y el foro estaba abarrotado de fans emocionados que esperaban ansiosamente el espectáculo, y transmitían la emoción en la atmósfera del foro mientras todos esperaban la aparición de Blnko en el escenario, incluso desde las bandas abridoras.
Con un recorrido por los temas de su más reciente álbum “Mi Psicóloga me dijo que hiciera este disco”, así como un repaso por sus sencillos previos, el artista originario de Guadalajara no decepcionó a su fandom chilango. Con invitados especiales como Miki, Pedro y el Lobo, Erik Canales de Allison, Juan Gerardo, Rito, y Marino de Chingadazo de Kung Fu, el show fue impecable.
Es destacable cómo Blnko adapta sus canciones al momento de ejecutarlas en vivo, a pesar de la fusión de géneros que experimenta en el estudio. Desde el hip hop hasta el pop punk, el emo, el math rock e incluso tintes de jazz, Blnko logró cautivar al público y mantenerlos en movimiento durante toda la noche.
Uno de los momentos más memorables de la noche fue durante la interpretación de su canción “Baile lento PROM 2006”, canción que le dio temática al show, cuando se produjo una pedida de matrimonio en medio del escenario; causando un momento emotivo que capturó la atención y el corazón de todos los presentes.
El concierto de Blnko en el Foro Indie Rocks fue una graduación del pop punk en su máximo esplendor. Con una temática divertida, invitados especiales de renombre y una energía contagiosa, el músico tapatío demostró por qué se ha convertido en uno de los artistas emergentes más prometedores de la escena musical actual. Este evento sold out fue un hito en su carrera y dejó a todos los asistentes ansiosos por presenciar el próximo paso en la evolución musical de Sergio Moraila.
A continuación te dejamos la galería del concierto:
Silverstein regresa a la Ciudad de México después de seis años para ofrecer un espectáculo inolvidable junto a sus amigos de The Devil Wears Prada.
Fotos: facebook.com/silversteinmusic
En la atmósfera cargada de anticipación en la Ciudad de México, los corazones de los fanáticos del post-hardcore laten al ritmo del inminente concierto de Silverstein. La legendaria banda canadiense, formada en Burlington, Ontario en el año 2000, está lista para desatar su energía frenética y cautivadora en el emblemático escenario del Frontón México el próximo 12 de agosto.
Silverstein, cuyo nombre honra al célebre autor de literatura infantil Shel Silverstein, ha forjado un camino singular en el panorama del post-hardcore. Con Shane Told liderando el grupo con su poderosa voz, y respaldado por el talento arrollador de Paul Marc Rousseau y Josh Bradford en las guitarras, Billy Hamilton en el bajo y Paul Koehler en la batería, la banda ha creado una discografía impresionante que abarca once álbumes de estudio, siete EP y un álbum en vivo.
La última vez que Silverstein se presentó en México fue en 2017, lo que hace de este evento una ocasión especial para los fanáticos mexicanos. Durante estos años, la banda lanzó “Dead Reflection” en 2017, “A Beautiful Place to Drown” en 2020 y su álbum más reciente, “Misery Made Me”, un trabajo en el que exploran la oscuridad y la soledad que surgieron durante los tiempos difíciles de la pandemia. Su último lanzamiento producido por Sam Guaiana, ha dejado su huella en los corazones de sus fanáticos con su poder emocional y colaboraciones con artistas como Andrew Neufeld de Comeback Kid, Trevor Daniel, Mike Hranica de The Devil Wears Prada y nothing,nowhere.
Para conocer más detalles sobre este tan esperado evento, tuvimos la oportunidad de platicar con Shane Told, líder y vocalista de Silverstein. El entusiasmo se percibe en su voz mientras habla sobre el regreso a México y la oportunidad de compartir el escenario con The Devil Wears Prada.
Shane Told, con su característico carisma, nos dice: “No puedo esperar, hombre. México ha sido increíble para nosotros a lo largo de los años y, ya sabes, no es un lugar al que podamos ir todos los días o todos los años, así que para nosotros, poder regresar con nuestro propio concierto allí de nuevo, es realmente emocionante, muy emocionante”.
La emoción se intensifica cuando le preguntamos sobre las expectativas para este espectáculo junto a The Devil Wears Prada. Shane nos da una idea de lo que podemos esperar: “Bueno, la gente por tu zona, Enrique, está absolutamente loca. La pasión es real. Y, ya sabes, creo que el hecho de que no hayamos estado allí en mucho tiempo, probablemente muchas personas nunca nos hayan visto antes. Es muy emocionante. Solo espero un absoluto caos y locura. Sabes, más energía de la que se puede contener en una habitación y el público… Sí, vamos a ir con nuestros mejores amigos del mundo, The Devil Wears Prada, también es genial. Así que es un espectáculo impresionante, impresionante que hemos preparado y estamos muy emocionados”.
La conversación se adentra en la relación especial que Silverstein ha establecido con el público latinoamericano, y Shane Told nos comenta sobre la energía desenfrenada que caracteriza a los fans en esta región: “Absolutamente. México es muy similar al resto de América Latina en el sentido de que es pura locura. Es un caos absoluto. Cada persona está enloquecida, prácticamente durante todo el espectáculo, y es genial, ¿sabes? Ves a todos muy comprometidos, todos escuchan, todos están como pendientes de cada palabra, de cada acorde”.
Comenzamos a discutir sobre su álbum más reciente, “Misery Made Me”. Shane nos habló sobre la inspiración detrás de este trabajo y cómo se reflejó en las letras y el sonido del mismo.
El álbum fue escrito y grabado durante los tiempos tumultuosos de la pandemia, cuando Canadá estaba experimentando un alto número de casos graves y cierres. Shane explicó que la soledad fue un tema central en las canciones, reflejando el estado de ánimo oscuro de aquellos tiempos difíciles: “Fue un álbum escrito y grabado durante la pandemia, en pleno apogeo de la misma, y aquí en Canadá tuvimos muchos casos graves y muchos cierres, por lo que no pudimos vernos en la banda durante mucho tiempo. Así que escribimos estas canciones principalmente sobre la soledad y son canciones bastante oscuras”.
Sin embargo, encontraron un contraste interesante al reunirse en el estudio, ya que estaban emocionados y felices de estar juntos. Fuera del estudio, disfrutaban de actividades como jugar golf, baloncesto y compartir comidas. Luego, en el estudio, trabajaban en las canciones oscuras y deprimentes. Esta dualidad fue intrigante para la banda y contribuyó a la experiencia de crear el álbum.
Cuando mencionamos que este contraste también se percibía en las interpretaciones en vivo, Shane estuvo de acuerdo. Expresó que estar en el escenario siempre le brinda una gran felicidad, ya que es una de las mejores sensaciones que se pueden experimentar: “Cuando toco en un concierto siempre estoy feliz de estar ahí. Actuar en el escenario es una de las mejores sensaciones que puedes experimentar, Y poder expresarte y todo eso. Quiero decir, se siente tan bien, pero luego cuando piensas en lo que estás diciendo y en lo que es, es doloroso, es cierto. Estás reviviendo traumas del pasado y cosas así. Así que creo que eso es realmente porque la música sana y porque cura a las personas, incluyéndome a mí mismo”.
No obstante, también reconoció que las letras y el contenido de las canciones a menudo tocan temas dolorosos y traumas pasados. A pesar de esto, Shane encuentra consuelo en la música, ya que le permite expresarse y aprender de sus experiencias. Para él, escribir y expresarse a través de la música es una forma de terapia y curación.
Continuamos la conversación adentrándonos en el proceso de escribir sobre experiencias personales profundas y oscuras, y cómo se siente compartir estas historias con el público. Shane reveló que al principio de su carrera, escribía las letras principalmente para sí mismo, como una forma de terapia personal. Sin embargo, se dio cuenta de que muchas personas se identificaban con sus letras y encontraban consuelo en ellas: “Escribí esas letras porque significaban algo para mí, y eran mi propia versión de terapia, ya sabes, y lo que fue realmente interesante fue que justo en ese momento, cuando lanzamos ese primer álbum, la cantidad de personas que me dijeron: “vaya, puedo identificarme totalmente con esto”. Como “todo lo que estás diciendo es lo que me pasó a mí”, y empecé a darme cuenta y he comprendido a lo largo de los años que muchos de nosotros pasamos por las mismas cosas y experimentamos los mismos tipos de problemas y sentimientos, porque todos somos seres humanos, ¿sabes? Y creo que cuanto más sincero seas al respecto cuando escribes, más honesto eres. Y justo ahí en ese momento, al comienzo de mi carrera, decidí que nunca lo simplificaría. Siempre diré lo que quiero decir. Y creo que eso ha sido realmente importante. Y creo que eso ha marcado, ya sabes, nuestras letras de alguna manera.
Cuando discutimos si “Misery Made Me” representa una nueva era en el sonido de Silverstein, Shane afirmó que sí, mencionando: “Creo que nos habíamos impuesto algunas reglas estúpidas sobre lo que se suponía que debíamos hacer, porque, ya sabes… “Esto no es punk o lo que sea” y luego te das cuenta a lo largo de los años de que a nadie le importa. ¿Por qué nos importaría? ¿Sabes? Y muchas bandas hacen esto y hacen grandes álbumes. Entonces, ¿por qué nosotros, por qué nos limitamos con las herramientas? Y una vez que nos dimos cuenta de que el cielo es el límite, creo que se sintió realmente liberador, sinceramente, que podíamos hacer cualquier cosa. Y sabes, algunas de las canciones que hicimos de esa manera fueron realmente geniales por eso”.
Este álbum tiene una sensación diferente en comparación con sus trabajos anteriores, especialmente en cuanto a la producción. La banda se aventuró a utilizar sintetizadores, teclados y baterías programadas, rompiendo las reglas que previamente se habían impuesto. Esta liberación les permitió explorar nuevas posibilidades musicales y crear un álbum diverso y emocionante.
Con el álbum ya presentado en vivo, le preguntamos a Shane sobre la reacción de los fanáticos. Él compartió que han tocado varias canciones en conciertos, y ha sido una experiencia genial. Mencionó que canciones como “Bankrupt” y “The After Mary” han recibido una respuesta especialmente positiva de la audiencia. La diversidad en el álbum ha sido destacada, ya que abarca desde canciones pesadas hasta acústicas, mostrando la versatilidad de Silverstein.
Antes de finalizar la entrevista, se abordó el tema de cómo Silverstein ha logrado mantenerse relevante y atraer a nuevas generaciones de fanáticos a lo largo de los años, Shane atribuyó esto a la dedicación de la banda para crear canciones increíbles y grabar discos de calidad: “Es difícil de saber, especialmente cuando estás en el medio como yo. Pero creo que siempre hemos puesto nuestras canciones primero y hemos intentado hacer que cada canción sea increíble y grabar discos increíbles. Y sabes, cuando miras nuestros álbumes, tenemos un historial realmente bueno. Y creo que eso es algo que creo que es bastante especial y bastante impresionante para una banda que ha estado en el medio tanto tiempo como nosotros”.
Como último detalle, Shane recomendó a la audiencia explorar la lista de reproducción “All New Punk” en Spotify, en lugar de destacar una banda emergente en particular. Esta lista contiene una gran variedad de bandas nuevas, incluyendo algunas locales, y es una excelente fuente para descubrir música fresca y emocionante.
Shane Told nos deja un mensaje final para los fans mexicanos: “Quiero agradecerles a todos por el amor y el apoyo que nos han brindado a lo largo de los años. Estamos más que emocionados de regresar a la Ciudad de México y compartir esta noche inolvidable con ustedes. Prepárense para una explosión de energía y pasión desbordante. Nos vemos el 12 de agosto en el Frontón México, ¡no se lo pueden perder!”.
Con estas palabras llenas de entusiasmo, la anticipación por el esperado concierto de Silverstein y The Devil Wears Prada en la Ciudad de México se eleva a nuevos niveles. La fecha está marcada, los fans están listos y la emoción es palpable. ¡No hay duda de que será una noche épica llena de música intensa y conexión emocional!
Recuerden, el concierto de Silverstein y The Devil Wears Prada en la Ciudad de México será el 12 de agosto en el Frontón México. ¡Preparen sus voces y sus corazones para una experiencia musical que quedará grabada en sus memorias!
El director ganador del Oscar, Daniel Kwan utilizó un saco réplica de un suéter que aparece en ‘Everything Everywhere All At Once’ con la palabra PUNK en la espalda: esta es la historia de la prenda y la diseñadora de vestuario de la película.
El domingo 12 de marzo, ‘Everything Everyhwere All At Once’ obtuvo 7 premios Oscar de los 11 a los que estaba nominada; dentro de los cuales se llevó mejor película, actriz, actriz de reparto, actor de reparto, dirección y edición; siendo una de las películas más premiadas en, al menos, la última década.
‘Everything Everyhwere All At Once’ estuvo a cargo de la dupla de directores Daniel Kwan y Daniel Scheinert, quienes se han hecho llamar los Daniels, y ambos subieron al estrado a recibir el premio de mejor dirección. Sin embargo, en la gala de la ceremonia de los premios más importantes del cine, Daniel Kwan acaparó los reflectores con su llamativo atuendo.
Foto: instagram.com/shirleykurata
Llevando su estridencia tanto dentro como fuera de las películas, Kwan utilizó un conjunto de color vino con detalles dorados bordados en los brazos y lo más llamativo: la palabra PUNK en la espalda.
Foto: instagram.com/shirleykurata
Los fanáticos de los directores y de ‘Everything Everyhwere All At Once’ rápidamente se dieron cuenta que la vestimenta del director era una referencia a una escena de la película en la que el personaje de Evelyn, interpretado por Michelle Yeoh, utiliza un suéter con los mismos detalles en los brazos y espalda.
En la película, Evelyn utiliza esa prenda roja para la buena suerte durante la noche del año nuevo lunar, que resulta en una de las escenas más importantes y climáticas de la película. Pero, además de eso, el atuendo se volvió un ícono de la película; siendo replicado por los fans del cine, generando ilustraciones virales e incluso la prenda original fue subastada en $15,000 dólares cuando la original fue adquirida por el departamento de diseño de vestuario en una tienda de segunda mano. Es por eso que, tras el impacto que tuvo el cardigan rojo de Evelyn en la cultura popular cinematográfica, Daniel Kwan decidió rendirle tributo a su propia película en los Oscars.
¿Quién diseñó las prendas de la película y de Daniel Kwan en los Oscars?
Shirley Kurata fue la responsable del diseño de vestuario de ‘Everything Everyhwere All At Once’, quien, además de estar nominada al Oscar en su departamento, también se encargó de intervenir el saco rojo que Daniel Kwan utilizó en la ceremonia de premiación. Esto a pesar de que el director fue contactado por diferentes firmas de moda para utilizar sus prendas en la gala hollywoodense, pero decidió trabajar con su diseñadora de cabecera para hacer la referencia a la película.
Foto: instagram.com/shirleykurata
La diseñadora Shirley Kurata fue responsable de más de 100 looks utilizados en la ganadora del Oscar de mejor película. Además del cine, Kurata ha trabajado en la moda, editorial, publicidad, diseño independiente, boutiques, y la música. Respecto al último campo, Kurata ha colaborado en videos musicales y presentaciones en vivo de bandas o artistas como A$AP Rocky, Bleachers, Tierra Whack oThe Linda Lindas, siendo esta última una de sus colaboraciones más recientes y largas, pues se convirtió en la diseñadora de cabecera de la agrupación.
Shirley Kurata no ganó el Oscar por su contribución a la película, pero su trabajo sigue generando conversación en redes, en la industria y entregó momentos icónicos con los vestuarios que quedarán en la cultura popular para siempre; sin necesidad de poseer el premio.
La declaración punk de Daniel Kwan y Shirley Kurata
A pesar de ahora formar parte de la élite de Hollywood y ser artistas consolidados en su rama, todo el equipo de trabajo de ‘Everything Everywhere All At Once’ dio un salto al vacío y tomó riesgos al producir esa película.
La película fue realizada con menos de $15 millones de dólares, con sesiones de producción a distancia por la pandemia, siendo editada en computadoras con software de edición básico y un largo etcétera de elementos que la distinguen y le dan mérito frente a las gigantescas producciones de Hollywood.
De hecho, de acuerdo con declaraciones de Shirley Kurata, el departamento de vestuario contaba con todo el presupuesto que una película de Marvel probablemente tiene para un solo disfraz. Así que fue una labor titánica fabricar más de 100 atuendos con tan poco presupuesto y, probablemente, nunca se imaginaron que uno o algunos de ellos se volverían un icono de la moda. Como el suéter punk hecho bajo el concepto DIY (Do It Yourself).
Para quien no está inmerso en la cultura punk, probablemente le sea ajeno el concepto DIY, la estridencia cultural o las declaraciones políticas. En ese sentido, se podría decir que ‘Everything Everyhwere All At Once’; con el poco presupuesto, hecha de manera independiente y con cientos de factores en contra; podría decirse que no solo es una película independiente, sino una película punk con una declaración cultural y política clara.
La historia, el elenco y la manera en que fue producida desafían los estándares de la industria cinematográfica: con el presupuesto, las ideas, el ingenio para ejecutarla, y, aún así, fue la ganadora de mejor película en los Oscars 2023.
Tanto los Daniels como la Kurata tenían claro que ‘Everything Everyhwere All At Once’ no era una película convencional al momento de pensarla y realizarla, pero tenían posibilidades de llevarla lejos aún y con sus estridencias. Es por eso que la leyenda de PUNK en el suéter al final de la película resulta tan importante y también es por eso que Daniel Kwan lo volvió a utilizar en la ceremonia. Porque más allá de estar a la moda, Kwan sabía que estaba desafiando a un sistema en el que tenían pocas posibilidades de triunfar y lo vencieron.
Escape The Fate regresó a CDMX después de 3 años para celebrar su disco homónimo y otorgar un concierto íntimo para fans.
Fotos: Moises Castillo
Tras la reanudación de conciertos en todo el mundo, los consumidores víctimas de las nostalgia y, probablemente, el reencuentro de My Chemical Romance, el llamado género “emo” [comercial] parece tener un nuevo aire con giras y reencuentros de bandas que tuvieron su apogeo en un ya lejano 2010.
Escape The Fate fue una de esas bandas abanderadas del post-harcore; a veces también etiquetados como metalcore; que, a pesar de los cambios internos y caídas de popularidad del género se mantuvieron a flote durante más de una década. Es por eso que, a 3 años de su última visita a Ciudad de México, la banda liderada por Craig Mabbitt regresó para ofrecer un íntimo concierto en un recinto oculto en un edificio de la avenida San Cosme con el pretexto de la celebración del décimo segundo aniversario de su álbum homónimo, el cual fue el segundo disco de la agrupación con Mabbitt en la voz tras la salida de Ronnie Radke.
El álbum ‘Escape the Fate’ quizá no es el más popular y no tuvo un ‘hit’ como los de ‘This War Is Ours’; sin embargo, fue la carta de presentación de la banda para, en su momento, anunciar el rumbo que tomaría la banda con Craig Mabbitt al frente y con una inminente caída de popularidad del “emo” en la cultura popular.
Por esa razón, el concierto del pasado 20 de agosto se sintió como un concierto íntimo para fans que han estado en los picos más altos y también más bajos de la banda originaria de Las Vegas.
No fueron más de 1000 personas; algunas tatuadas, expandidas, vestidas de negro y en su mayoría mayores de 25 años; que se dieron cita en el Foro 28 para el espectáculo; sin embargo, demostraron el fanatismo gritando y coreando el setlist de la banda con, probablemente, algunas de sus canciones más desconocidas comercialmente.
Previo a Escape the Fate, las bandas mexicanas Everlight y The Horror Between Us fueron las encargadas de encender los motores ‘post-hardcoreros’ aún no oxidados de los asistentes.
Llegó la hora de los estelares y cerca de las 9:30 p.m., las luces del recinto se apagaron mientras sonaba ‘El Rey’ de Vicente Fernández. Mientras el clásico mexicano sonaba, Mabbit, Robert Ortiz y compañía subieron al escenario: el vocalista con una máscara de luchador y un ya tradicional peluche de Doctor Simi entre las manos.
La banda cumplió con lo prometido e interpretó las 10 canciones del álbum homónimo en orden: de ‘Choose Your Fate’ a The Aftermath (G3)’, pasando por supuesto por ‘Issues’, ‘City of Sin’ o ‘Prepare’ Your Weapon’.
Después de un breve ‘encore’, Escape The Fate regresó al escenario para interpretar algunos éxitos más sonados y dar fin al breve concierto. ‘Lighting Strike’, ‘Something’, ‘Broken Heart’, ‘Ashley’, ‘This War Is Ours’ y ‘One for the Money’ fueron los temas extras de la presentación del disco.
A diferencia del concierto de Monterrey, añadieron ‘Something’, que fue uno de los temas más populares de la banda en su momento.
A pesar de que Escape the Fate dejó fuera algunos clásicos como ‘Situations’, ‘The Flood’, ‘On To The Next One’, ‘Reverse This Curse’ o incluso algunas más recientes de su álbum de 2021, los fans se fueron complacidos con un show íntimo de no más de hora y media con canciones empolvadas del repertorio que no suelen ocupar espacio en el setlist habitual, pero que con el paso del tiempo se convirtieron en las favoritas de los “emos”, aunque nunca fueron las más famosas.
José Madero se presentó en el Auditorio Nacional ante un lleno total a 6 años de haber iniciado su carrera como solista: uno de los pocos artistas en lograrlo con una banda y en solitario.
‘Tili Tili Bom’, una canción de cuna rusa compuesta durante la Segunda Guerra Mundial que, aunque supuestamente es efectiva para hacer dormir, ha generado un mito aterrador alrededor de ella por su letra y melodía. Fue con esta canción con la que José Madero decidió salir al escenario del Auditorio Nacional acompañado de la Doble V, como se hace llamar su ensamble de músicos.
No es raro que el exvocalista de Pxndxelija una canción “terrorífica” para salir al escenario, pues no es la primera vez que lo hace; también es sabido que Madero es seguidor y conocedor del terror (incluso escribió un libro de terror para niños), y además el título de su nuevo disco, “Giallo”, hace referencia a un género de terror italiano de cine y literatura.
Sin embargo, la peculiar ‘Tili Tili Bom’ha pasado por generaciones para convertirse en un aterrador, pero identificable relato; casi algo parecido sucede con la carrera del “siempre polémico” José Madero: un mito oscuro, pero que no puedes dejar de escuchar; un cantante que ha salido de más de un linchamiento mediático, incluso poco querido por los medios de comunicación, sin sencillos en la radio, pero rindiéndose ante más de 10 mil personas en el Auditorio Nacional.
“Conversaciones sobre anatomía” fue la primera canción del repertorio en sonar, seguida del más reciente sencillo “Documentales” y pasando rápidamente a uno de los temas más populares “Plural siendo singular”.
Sin saludar, sin presentarse y sin dirigir palabras al público entre canciones, José Madero se limitó a entregar su música; canción tras canción sin interrupciones. Incluso en algún momento del concierto hubo alguna falla técnica, o falta de comunicación entre el staff, pero el cantante continuó con el espectáculo intentado no hacer evidente el “error”.
Después de 5 álbumes como solista y varios sencillos “huérfanos”, es evidente que hay que sacrificar temas para el ‘setlist’. En esta ocasión, Madero dejó fuera todas las canciones de su disco “Alba”, pero en cada presentación deja claro que no olvida sus raíces incluyendo canciones de Pxndx. Una temprana “Solo a terceros”, “Feliz cumpleaños”, “Conversación casual”, acompañada de la voz de Zaira Jabnell, y “Nuestra aflicción”fueron las elegidas del repertorio de su ex banda, sacrificando temas aclamados de su faceta solista, como “Noche de lluvia”, “Entre comillas”, “Abril”, “Puerto Partida”, “SSDD” o “En Vano”, del nuevo disco.
Sería importante destacar los visuales del espectáculo, siempre acompañando de manera sincronizada todos los temas; sin embargo, la atención de las más de 10 mil personas estaban exclusivamente en José Madero, su sobria vestimenta negra, la doble V y su música.
Después de un breve encore y 2 horas con 40 minutos de show, José Maderopor fin se dirigió al público para dar un emotivo discurso de agradecimiento. El cantante contó que, cuando inició su carrera solista, creyó que “iba a estar muy cabrón crecer” el proyecto y, 6 años después, se encontraba ante el recinto más emblemático del país sin lugares vacíos.
Madero agradeció al público, a sus personas cercanas presentes en el concierto y aprovechó para recalcar que “era el día más importante de su carrera como solista”.
El cantante se despidió con “Soy el diluvio” y se rindió de rodillas en el escenario al terminar el concierto con una emotiva imagen de un artista que parecería que nada contracorriente, pero sigue de pie y ahora va por el doble de público en la Arena Ciudad de México.
La banda escocesa Cold Years relanzó su sencillo “Life With a View” con la colaboración del cantante mexicano José Madero y nos dieron detalles en exclusiva sobre el estreno.
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A pesar de haber cerrado su etapa en el rock, José Madero sigue explorando nuevas facetas musicales y prueba de ello es su reciente colaboración con la banda de punk rock escocesa Cold Years.
La historia entre Cold Years y el cantante mexicano comenzó cuando José Madero compartió una de sus canciones en historias de Instagram. Desde entonces, la banda escocesa tuvo un impacto en la comunidad latina y recibió muestras de aceptación en redes sociales.
“Fue muy loco como se dio. Yo estaba en mi teléfono viendo Instagram un día, ya tiene tiempo de esto, y me empezaron a llegar varios seguidores de México; así que dije ‘ok, esto es medio extraño’. Cambié al Instagram de la banda y había cientos de seguidores mexicanos, así que hablé con la banda y les dije ‘¿Qué está pasando? Y fue que descubrimos que [José Madero] compartió la canción.
“Lo siguiente fue que nuestra agencia en Estados Unidos contactó a la suya; le dijimos que si quería hacer algo con nosotros y él de inmediato fue como ‘Seguro, vamos a hacerlo’. Honestamente, estaba esperando que nos dijera que estaba ocupado o algo así, pero aceptó enseguida, sin dudarlo”, explicó en entrevista para Punkeando Louis Craighead, bajista de Cold Years.
Según contó José Madero en su podcast Dos Nombres Comunes que, curiosamente, “Life With a View” fue la canción que más escuchó en 2020 y un año después formó parte de ella.
De acuerdo con el bajista de Cold Years, la canción fue remezclada una vez que José Madero envió su parte de la voz para darle un toque distinto a la producción original.
“No queríamos solo tener la misma canción y poner su voz encima porque no se me hace algo muy creativo. Incluso Ross [el vocalista] también regrabó algunas parte de la voz para cambiar un poco el sonido de la canción original sin que perdiera la esencia”,explicó Louis.
A pesar de la distancia geográfica, temporal y de lenguaje que existe entre Cold Years y José Madero, la banda exploró el pasado del cantante y escuchó sus primeras producciones discográficas antes de su faceta como solista.
“Ahora mismo yo estoy escuchando su disco Psalmos, especialmente estoy enganchando con “Violencia”, pero sí escuchamos algo de sus raíces punk rock [con Panda], así que nos emocionó mucho que aceptara”.
Curiosamente, José Madero tiene similitudes con Brian Fallon, exvocalista de The Gaslight Anthem, quien emprendió una carrera como solista después de varios años en una banda de punk rock y con la cual Cold Years ha sido comparada constantemente.
“Nuestra música anterior recibió muchas comparaciones con The Gaslight Anthem y nunca lo recibimos como una crítica, sino al contrario. Y Life With a View fue la última canción de esa era con ese sonido, así que queríamos hacer todo lo que se pudiera con ese sencillo y fue muy agradable que José quisiera colaborar para cerrar esa era de Cold Years.
“Es divertido que lo menciones porque nosotros lo llamamos el Bruce Springsteen mexicano, pero The Gaslight Anthem también está conectado con él [Springteen], así que todo es un gran círculo”.
Louis Craighead dejó claro que su nueva música tomará un rumbo distinto para detener las comparaciones, a pesar de que nunca les molestó la similitud con The Gaslight Anthem.
Hace algunos años, Panda invitó a un dúo español que hacía covers de ellos a abrir un concierto en el Auditorio Nacional y ocurrió lo mismo la banda inglesa Charming Liars, con quienes grabó el tema “Tumble”; así que podría haber una posibilidad de una próxima visita de Cold Years a México ahora que tienen un buen recibimiento con el público mexicano.
“Definitivamente lo hemos hablado y es algo que está en planes, solo que, por ahora, creo que lo importante es mantener al público seguro y esperar que todo esté un poco más relajado [refiriéndose a la pandemia]. Pero definitivamente nos veremos pronto”.
Cold Yearses una banda originaria de Aberdeen, Escocia que se forma a finales de 2014 influenciados por el rock and roll, el punk y la música americana, haciéndote recordar a bandas como The Gaslight Anthem, The Bouncing Souls o The Menzingers. El año pasado, su disco debut titulado “Paradise”se colocó en las listas mundiales como uno de los mejores álbumes del 2020 del género y, actualmente, preparan el lanzamiento de su nuevo sencillo “Headstone”.
A continuación te dejamos las dos versiones de su sencillo “Life With a View”:
Aunque vivamos en el mood de siempre Halloween, siempre es bueno armar una playlist para disfrutar la festividad.
Halloween es una de las festividades favoritas de gran parte de la población musical y, aunque hay quienes viven la temporada todo el año, hay otros que aprovechan para relucir un buen disfraz, ir a una fiesta, comer dulces, sacar a relucir gustos y conjuntos estridentes, o simplemente se inspiran para escribir una buena canción.
A lo largo de la historia, la temporada de Halloween ha sido pretexto para lanzar un sinfín de videoclips que se han convertido en un deleite visual.; sin embargo, en muchos de los casos, la letra no tiene mucho que ver con la época. ¿Así que, qué hay de las canciones y del puro placer de escribir sobre la temporada escalofriante?
A continuación te dejamos 10 canciones que nos recuerdan lo grandioso que es Halloween:
10. THE FREEZE – “HALLOWEEN NIGHT”
Un poco de punk crudo ochentero de una banda que en su momento dio mucho de qué hablar y muchos los han considerado como leyendas de la escena underground y han sobrevivido a un gran número de cambios en su alineación original, de la cual solo el vocalista Cliff es el que sigue vigente. El tema Halloween Night estuvo incluido en su EP de 1982 Guilty Face.
9. FIREWORKS – “THE WEEKEND BEFORE HALLOWEEN”
Para los amantes del pop punk, esta canción estuvo incluida en la versión deluxe del álbum de 2011 titulado Gospel, el cual recibió críticas muy positivas.
8. MIGHTY MIGHTY BOSTONES – “DEVIL’S NIGHT OUT”
Y ahora un poco de ska punk con este sencillo perteneciente al álbum debut de la banda oriunda de Massachussets, a quienes algunos consideran pioneros del ska-core y este tema es uno de los más populares en su historia.
7. TENNAGE BOTTLEROCKET – “HAUNTED HOUSE”
Antes de que Gerard Way lanzará su sencillo “Baby You’re a Hounted House”, los punkrockers de Tennage Bottlerocket ya se habían adelantado con esta canción que, si bien no hace referencia directa a la festividad, sí habla sobre una actividad que resulta común en esta fecha: Visitar una casa embrujada. La canción forma parte de su sexto disco lanzado en 2015, Tales From Wyoming.
6. DEAD KENNEDYS – “HALLOWEEN”
Una divertida canción que al mismo tiempo es una crítica social, como bien lo dictaba el punk en 1985, año en el que salió la canción como parte del álbum Plastic Surgery Disaster, segundo álbum de los originarios de San Francisco, California.
¿Qué mejor que rendirle tributo a la festividad que hablando de las criaturas espeluznantes más famosas: Los vampiros? Gerard Way y compañíalanzaron este sencillo en 2002 como el primero de su disco I brought you my bullets, you brought me your love. Resulta que la letra va más allá de lo espeluznante pues es una crítica a la sociedad consumista y ambiciosa, de acuerdo con la banda. Además, el video está inspirado en la película El Gabinete del Doctor Caligari.
Seguramente PATD! es más recordada por haber grabado “This is Halloween” para el soundtrack reeditado de The Nightmare Before Christmas (El Extraño Mundo de Jack) de 2006, en el cual también participaron Fall Out Boy y Marilyn Manson. Pero la banda en aquel entonces no se quiso quedar con la espina de sacar algo propio de Halloween y lanzaron un sencillo el 25 de octubre de 2008, que 10 años después ha superado la prueba del tiempo y se convirtió en todo un clásico.
En 2013 la banda originaria de Arizona lanzó su cuarto disco titulado Forever Halloween, el cual incluyó esta canción con el mismo nombre, pero que, irónicamente, no fue sencillo. Desde el lanzamiento del álbum la banda ha sido asociada a la festividad ya que fue uno de sus discos más exitosos, figurando en Billboard y teniendo críticas en su mayoría positivas. La canción recientemente fue reeditada en formato acústico.
Un clásico del punk rock que fue escrita debido a petición especial de Stephen King, escritor de la novela Pet Sematary y seguidor de Ramones. La canción fue lanzada en el disco de 1989 Brain Drain y formó parte del soundtrack de la película del mismo nombre en el mismo año. Próximamente será lanzada una nueva versión de la película y sería un crimen que no incluyeran la canción.
Por supuesto los padres del horror punk debían tener el tema más popular de la celebración. La parte I de estos temas fue lanzado como sencillo el 31 de octubre de 1981 y más tarde lanzaron el lado B de la misma, la cual contiene una parte en latín que en su momento resultó escalofriante. El tema no solo se volvió un himno de la temporada, sino del punk en sí mismo pues un gran número de bandas le han rendido tributo a la banda haciendo covers de estas canciones.
El 31 de octubre de 2002, Alkaline Trio celebró un concierto especial de Halloween en Metro de su ciudad natal, Chicago, donde interpretaron éxitos de ese entonces y el concierto fue grabado para convertirse en un clásico del género. Cabe destacar que la banda es amante de la festividad y decidieron hacer el concierto decidieron hacer el concierto con una cruz volteada en el fondo debido a que Matt Skiba y el baterista Derek Grant son miembros de la iglesia de Satán.
Aunque son íconos de la generación que creció en el 2000, siempre se puede volver al pasado para saber cómo habrían sonado tus ídolos en la época de tus padres.
Baterías y guitarras aceleradas, distorsión, voces agudas y ritmos que te hacen mover la cabeza y los pies son algunos de los elementos característicos de las variantes del rock y punk que culminaron en una mezcla de géneros que conquistó nuestros oídos (para no entrar en terminologías que pondrán a gente a discutir en los comentarios).
No cabe duda que Green Day, My Chemical Romance y Fall Out Boy son bandas exponentes y abanderadas de un movimiento que marcó a toda una generación.
“Helena”, “Boulevard of Broken Dreams” y “Sugar, We’re Goin Down” son canciones que, si pintabas tus converse con Sharpie en la secundaria, te debes de saber.
Y al parecer el usuario Johan Olsson es un miembro de esa generación pero influenciado fuertemente por los sonidos de los 80 inculcados por su padre. Tan es así que tomó estos 3 himnos de la generación y en un rato de ocio los convirtió en verdaderos hits ochenteros.
Su primer experimento de este tipo fue con “Clean Bandit”, canción de Zara Larsson; siguió con “Perfect” de Ed Sheeran pero la que en realidad le funcionó para darse a conocer fue “Boulevard of Broken Dreams”de Green Day.
Incluso sube descripciones acordes y graciosas a sus experimentos:
“Durante los 80, Green Day se tomó un descanse de la escena punk rock para enfrentar nuevos desafíos en el género pop de 1980. No sé que tan exitosos fueron, yo no había nacido todavía”.
La canción fue todo un hit y siguió con la línea interviniendo una canción de Fall Out Boy:
“Fall Out Boy es usualmente conocida como una banda de rock alternativo o pop punk que tuvo su gloria durante la década de los 2000. Lo que la gente no recuerda es que en realidad su primer gran éxito fue durante los 80 con esta canción. Difícil de creer, ¿verdad?”
Su más reciente contribución y la cual se ha vuelto viral en redes sociales es “Helena”de My Chemical Romance.
“Gerard Way y los muchachos han tenido el corazón roto desde 1984”.
Cabe destacar que el lanzamiento de este último éxito ochentero se dio algunas semanas antes de que la banda anunciara su regreso a los escenarios. ¿Será que la habrán escuchado y dijeron ‘vamos a mostrarles cómo se hace’?
Diez años después de estrenar “This War Is Ours”, Escape The Fate volvió a México para celebrar su aniversario.
Fotos: Moisés Castillo
Para bien o para mal, muchas cosas han cambiado desde 2008, no solo en México sino en el mundo. Pero no por ello olvidamos de dónde venimos y quiénes éramos hace 10 u 11 años, cuando se estrenó “This War Is Ours” de Escape The Fate.
No cabe duda que ETF es una de la bandas más representativas del (fake) emo en aquél entonces; sin mencionar polémica las vidas de sus integrantes, quienes se tomaron muy en serio sus vidas de rockstars.. Sus visitas a México siempre fueron de las más solicitadas y cómo olvidar el Salón Cuervo abarrotado en más de una ocasión, lleno de gente con flequillo planchado y pantalones tan apretados que cortaban la circulación.
Los looks quedaron atrás, pero los recuerdos no. No es un secreto que la popularidad de la banda ha ido en declive en la última década; sin embargo, en cuanto anunciaron un tour de aniversario de su segundo larga duración, una sonrisa nos vino al rostro para recordar la época cuando éramos felices y no lo sabíamos.
El concierto se anunció en un desconocido -al menos para mí – Foro Bud Light, ubicado en la colonia Juárez, a unas calles entre Insurgentes y Reforma. El recinto se ubica en la poco iluminada calle de Versalles, pero no es difícil de encontrar y más que lugar para ver a bandas ensambladas, parece un antro con toda la infraestructura para más bien disfrutar de un espectáculo tipo Skrillex (quien se presentó ahí mismo hace algunos meses, por cierto).
Con antelación se anunció que el concierto iniciaría las 8:00 P.M. y Escape The Fate saldría a tocar 10:15, lo cual significaba que nos tendríamos que chutar 2 horas de bandas abridoras, que, aunque se anunció serían The Horror Between Us y Fxck The Monsters, al final se añadieron un par más (apoyen la escena, chavos).
Dieron las 10 y el actual bajista de ETF, Erik Jensen, salió a hacer un improvisado soundcheck de todos los instrumentos. Mientras tanto, el playlist del lugar tocaba canciones de la época en donde no faltaron Alessana, Bless The Fall, From First To Last, Chiodos, etc.,etc. Además, sonó también “El Rey”, una clásica canción mexicana que todos los presentes corearon sin pena. Y antes de que se dignaran a salir a tocar, calentaron a la audiencia con un par de canciones de Queen. Una lista de reproducción digna de una emo nite.
La hora llegó y Craig Mabbitt y compañía salieron a escena listos para cautivar a un público que ya lucía desesperado por tanta espera, pero que al final supieron que valió la pena. Por supuesto tocaron de principio a fin “This War Is Ours” y todos los presentes tenían muy buena memoria o desempolvaron disco para volverselo a aprender porque corearon todas las canciones sin falla alguna. No faltó en el emocionante Wall Of Death en la canción que le da nombre al disco, en donde incluso Craig Mabbitt saltó al público desde el techo del camerino. Mabbit cambió la parte de “shake that shit, Brian” en Let It Go por Kevin, nombre del actual guitarrista. Y tampoco faltaron los encendedores prendidos en “Harder Than You Know”.
Después de “Behind The Mask”, tomaron un breve descanso y volvieron para cerrar con “Do You Love Me”, “Empire”, “Gorgeous Nightmare”, “Broken Heart” y finalizar con una rara versión de “One For The Money”, la cual fue interpretada únicamente por el público y la batería de Robert Ortiz.
Incluso después de terminado el setlist, la banda sigue dan espectáculo acercándose a los fans y Robert Ortiz se quedó solo arriba del escenario con “We Are The Champions” de fondo para aventar de manera heroica sus baquetas a los fans. Cabe recordar que el baterista es el único miembro original de Escape The Fate.
Aunque con algunos kilos ganados, Craig Mabbitt sigue siendo el líder que todos recordamos de hace 10 años y se le nota la experiencia que ha adquirido para convertirse en un frontman digno de cualquier banda de glam, más que de emo o posthardcore. Y por supuesto, sigue cantando impecable. A pesar de todo, el público se fue contento a casa el sábado después de hora y cuarto de espectáculo de una de sus bandas favoritas de la emolescencia.
A continuación te dejamos algo de ocurrido en fotografías:
Previo a su presentación en México, hablamos con Brian Baker sobre el show, el nuevo disco y, por supuesto, Minor Threat.
No cabe duda que Bad Religion es una de las bandas más representativas del punk rock hoy en día y no por nada se han mantenido vigentes por más de 30 años. Y a pesar de que recientemente la banda visitó México como parte de un festival, no solo los fans se quedaron con ganas de más punk, sino también la propia banda:
“Estuvo bueno, pero fue un festival (Hell & Heaven 2018). Fue una gran experiencia para mí poder ver a mis amigos de Refused y Mastodon; fue un gran ambiente. Pero nos quedamos con ganas de tocar más canciones. En un festival no tocas tu show completo, entonces estamos emocionados de volver y tocar todo. Vamos a tocar canciones de todas nuestras etapas, el viaje completo. Porque creo que es importante mostrar de qué se trata Bad Religion y tocar las canciones favoritas de todos y no solo las que nosotros creemos que son cool”, confiesa Brian Baker, guitarrista de Bad Religion.
Por otro lado, hay que tomar en cuenta que los integrantes de Bad Religion rebasan el medio siglo de edad, así que debemos ser suaves con las mismas exigencias del concierto.
“Tocar punk rock es un poco desgastante, pero tocaremos unas 30 canciones. Tenemos demasiadas canciones y debemos escogerlas bien, no queremos que quede fuera alguna que todos adoren”.
Recientemente la banda estrenó un disco titulado “Age of Unreason”, sucesor de True North lanzado en 2013 y el cual es un disco con mucha protesta política:
“El título tiene sentido porque vivimos en una era sin razón en este momento. Este disco nos tomó mucho tiempo, fueron 5 años entre cada disco y Greg Graffin se tomó mucho tiempo para tratar todos los temas del disco que creo que son importantes hoy en día. En todo el mundo hay un auge de nacionalismo, parece que el racismo nunca se ha ido y cada uno de los temas es importante para nosotros. Bad Religion siempre ha tratado de señalar esos puntos que nos parecen que están mal e intentar hacer algo. Especialmente si eres americano, con este sujeto de mierda Trump, tenemos que hacer algo. El disco se escribió solo”.
Previo al lanzamiento del disco, la banda declaró que sería un disco abiertamente “anti Trump”; sin embargo, el álbum toca temas que van más allá del presidente de Estados Unidos.
“El disco es tan anti Trump como anti la gente que lo apoya. No solo es acerca de él sino de todo lo que ocasionó que él esté ahí. Creo que todo lo que implica es un asunto mucho más interesante que solamente Donald Trump”.
Asimismo, Baker profundizó en la esencia de la banda y en los temas que han sido importantes para ellos como banda de punk desde sus inicios hasta la actualidad.
“Lo grandioso de Bad Religion es que las canciones que escribimos cuando éramos chicos todavía son relevantes. Porque no es es hablar del gobierno, es acerca de crear comunidad, del medio ambiente y demás. Esos temas de los que hablábamos hace 30 años los puedes cantar ahora porque siguen siendo válidos y siguen importando. Eso nos pone en un gran lugar como banda de protesta y de eso se trata la música punk: Hacer música de protesta. No se trata de que la música cambie el mundo, pero con esperanza quizá podamos cambiar algunas personas en el mundo”.
Finalmente, pero no menos importante, el guitarrista cesó los rumores sobre Minor Threat, banda de hardcore punk de principios de los 80 que se volvió legendaria.
“Minor Threat no volverá a tocar nunca. Minor Treat fue un momento en la historia y tratar de hacerlo ahora, no se sentiría bien. Además, no somos menores, somos adultos. Cuando fue Minor Threat éramos chicos, así que funcionaba. Todos somos muy buenos amigos y crecimos juntos y en algunas reuniones hemos hablado sobre hacer un libro, que no sabemos todavía, pero podría haber un libro. Todos somos muy amigos, pero la banda es más grande que cada uno individualmente y no queremos echar a perder ese legado sin respetarlo. Y respetarlo significa dejarlo en paz con lo que fue en esos pocos años a principios de los 80. Creo que eso es mucho más poderoso que meternos a algún festival y tocar con The Offspring y Green Day y un montón de otras bandas de punk, eso no sería hacer lo que trataba de representar Minor Threat, así que así lo vamos a dejar.
“Por otro lado, la mitad de la banda ya no hace música, así que no seríamos nada buenos. Además, cuando terminó la banda no significó nada; éramos una banda de punk más. Así que es mejor dejarlo así, con el mensaje de adolescentes que fuimos en aquél tiempo”.
Bad Religion se presentará en el Pepsi Center de Ciudad de México el próximo lunes 4 de noviembre con De Nalgas como banda invitada. Los precios oscilan entre $600 y $1200 y están disponibles a través de Ticketmaster.
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